Obituario / José Balmes

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Artista de vocación política, fundó el grupo Signo, emparentado con el informalismo. El Premio Nacional de Artes nacido en España murió ayer a los 89 años de edad. (Foto: ARCHIVO)

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- Habría sido el cierre perfecto del círculo. José Balmes llegaba a los 90 años mientras el Museo de Bellas Artes le dedicaba una gran retrospectiva. Finalmente no pudo ser: las complicaciones multisistémicas derivadas de una obstrucción intestinal sufrida el domingo no quisieron que el artista chileno-español viera aquella gran muestra que se planifica para el próximo año. El Premio Nacional de Artes 1999, uno de los sobrevivientes del Winnipeg, murió ayer a los 89 años, un tiempo después de haber sido sometido a una operación intestinal, tras la cual había desarrollado una neumonía. Una nota de la redacción de La Tercera.

Miembro fundador del grupo Signo junto a su esposa Gracia Barrios (1927), Enrique Martínez Bonatti (1930) y Alberto Pérez (1926-1999), José Balmes fue uno de los grandes representantes chilenos del informalismo, la corriente que rompió con la pintura figurativa tradicional y que se desarrolló en Francia tras la Segunda Guerra Mundial al mismo tiempo que el expresionismo abstracto en Estados Unidos. De hecho, Signo nació después de que los mencionados artistas participaran en la Segunda Bienal de Juventud de París, en 1961. En esa época, el pintor nacido en el pueblo catalán de Montesquiu ya estaba casado con la artista chilena Gracia Barrios, hija del escritor Eduardo Barrios. Pocos años antes, en 1957, había nacido su hija Concepción Balmes, que también desarrolló una carrera en las artes visuales, conformando una de las familias artísticas chilenas más emblemáticas de los últimos 30 años.

Nacido en un hogar de artistas y panaderos con ideas republicanas, José Balmes salió de España con destino a Francia después de la Guerra Civil Española. La contienda armada también provocó un cambio en la pintura de sus años iniciales: pasó del caballete y el paisajismo catalán a una obra dónde la realidad social importaba más que antes. Una vez en Chile, entró a los 12 años como alumno libre a la Escuela de Artes y ya en 1947 ingresó a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, organismo al que estaría ligado durante gran parte de su vida, primero como académico y luego como decano, entre 1972 y 1973.

Miembro del Partido Comunista, Balmes fue un activo partidario de la Unidad Popular y en 1971 participó en el proyecto del Museo de la Solidaridad Salvador Allende, que en su inicio recibió cerca de 500 obras en apoyo al gobierno de la Unidad Popular. Tras los años de exilio en Francia, Balmes retornó a Chile en 1986 y en 1999 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas. Como una vuelta de mano del tiempo, en el 2006 también asume como director del reabierto Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA), cargo en el que se mantuvo hasta el año 2010, cuando fue reemplazado (no sin cierta polémica) por Ernesto Ottone. El actual ministro de Cultura fue de los primeros que anoche se expresó por Twitter sobre su deceso («Nos ha dejado el inmenso José Balmes, uno de los más grandes maestros. Recordaremos tu valentía, tu consecuencia y tu genio»).

Un año después de su salidad del MSSA, Gracia Barrios recibió el Premio Nacional de Artes. Súbitamente, la creación de ambos adquirió un inesperado nuevo vuelo. Juntos seguirían realizando obras durante algún tiempo más, pero el paso de los años va dejando huellas y consecuencias definiitvas: en el 2014 dejan de pintar y en enero del 2015 realiza una exposición conjunta en el Museo de la Memoria. La muestra se organizó en torno al tópico del exilio, una experiencia traumática que el pintor nacido en Cataluña vivió primero como temprano desterrado de España y luego como expulsado del régimen militar. Ocho meses después, en septiembre, la galería VALA (Vanguardias Latinoamericanas) abrió sus puertas en calle Holanda, con la muestra Winnipeg, que recuerda los 76 años desde que el barco arribara a costas chilenas, trayendo a bordo a más de 2 mil refugiados de la Guerra Civil Española, entre ellos dos niños que se transformarían en pintores: José Balmes y Roser Bru. Obras de ambos, junto a las de Barrios y Guillermo Núñez, habitaron este espacio. Marcelo Aravena, dueño de VALA, agente de Balmes desde hacía 5 años y marchante de la dupla Balmes-Barrios, lo recuerda como un hombre «con mucha sabiduría, con un gran legado como artista y como académico».

Maestro de varias generaciones y de artistas como Francisco Brugnoli, Patricia Israel, Eugenio Dittborn y Gonzalo Díaz, José Balmes (al igual que Gracia Barrios), siempre prefirió el gran formato. El rasgo clásico de su obra es el compromiso social y una gran expresividad que se concreta a través de óleos, pero también en mucha utilización de collages, objetos cotidianos o aerosol. Aunque el componente político es evidente en su obra, siempre hay un rasgo humano único.

Dos intervenciones quirúrgicas de importancia, a las que fue sometido en las últimas semanas, le desataron un cansancio crónico, cuenta Aravena. «Se fue cansando de a poco». Sin embargo, agrega el galerista, la exposición de abril próximo en el Bellas Artes lo tenía «muy feliz».

Anoche, en redes sociales, lo recordaron desde la instituciones de las que formó parte (la U. de Chile, el MSSA, el Partido Comunista). También, centenares de admiradores de a pie. Los mismos que hoy tienen la oportunidad de despedir sus restos en el Salón Blanco del Museo de Bellas Artes, a partir de la 11 de la mañana.


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Libros / Argentina: El «tango alegre» e inédito de Borges se hace libro

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Portada del libro. (Foto: El País)

C iudad Juárez, Chihuahua. 27 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- El tango no es triste, ni popular, ni arrabalero. O al menos no nació así. «El tango surge de la milonga, y es al principio valeroso y feliz. Y luego va languideciendo y entristeciéndose». Lo cuenta alguien con la autoridad de haber nacido casi al mismo tiempo que el tango: Jorge Luis Borges. Por improbable que parezca, el escritor argentino, nacido hace 117 años y fallecido hace 30, aún tiene obra inédita. Y se acaba de publicar en España: El tango, cuatro conferencias (Lumen). En ella hace un recorrido por la historia de una música que identifica en el mundo a su país, ee}scriebe Carlos E. Cué para El País desde Buenos Aires.

La génesis de esta obra daría para un cuento, la especialidad del argentino: el escritor impartió unas conferencias sobre el tango en 1965 en Buenos Aires, que son casi un tratado que mezcla erudición, sabiduría popular y humor para hablar no solo de la música sino sobre todo de su ciudad, de Argentina, de la vida de esos «guapos" (pendencieros) que protagonizan las letras tangueras.

Esa sabiduría que disfrutaron solo los asistentes se habría perdido si no fuera porque alguien las grabó, y casi 50 años después esas cintas de casetes llegaron por una carambola al escritor Bernardo Atxaga, que las arregló y las donó para que, 16 años después de escucharlas por primera vez, se hayan convertido en un libro único.

Leyéndolo uno puede imaginar a un Borges burlón que se anima incluso a cantar con tono varonil ante el público para desacreditar a Gardel, a quien culpa de haber alterado el espíritu de la música. «El tango no es triste, melancólico, nostálgico, llorón. El tango es alegre», se desgañita. «Gardel tomó la letra del tango y la convirtió en una breve escena dramática, en la cual un hombre abandonado por una mujer se queja, en la que se habla de la decadencia física de una mujer», se enfada. También rechaza la tesis de que al tango lo hicieron llorón los emigrantes italianos. «No puedo aceptar esa teoría racista de que el tango fue pendenciero, porque era criollo, y luego se entristeció en el barrio italiano de La Boca».

«A Borges le gustaban los tangos de la guardia vieja, los que había escuchado en su infancia, porque no eran patéticos. Tenían letras alegres, pícaras. Él pensaba que Gardel lo había arruinado», explica María Kodama, viuda del autor, que sigue custodiando su obra aunque desconocía la existencia de estas conferencias hasta que Atxaga se las pasó a César Antonio Molina y este las compartió con ella para confirmar que eran auténticas.

Kodama asegura que el escritor no escuchaba mucho tango pero le fascinaba el origen de la música que marcó su infancia. Borges nació en 1899 y en sus conferencias coloca en 1880 la creación de la nueva música.

Acercarse a Borges con ideas preconcebidas es peligroso. Lo más probable es que las desmienta todas y lleve al lector a sentirse un ignorante. Lo hará con sutileza y sentido del humor, pero con efectos devastadores. También sucede con el tango. No sólo no era triste. Tampoco popular. No surge en los barrios bajos, sino en los prostíbulos, las «casas malas», donde había «compadritos», de origen humilde, pero también «niños bien» buscando diversión. «Los primeros tangos se tocaban con piano, flauta y violín. Después se agregó el bandoneón, de origen alemán. Si el tango hubiera sido orillero, popular, entonces el instrumento habría sido el instrumento popular por excelencia: la guitarra», asegura.

Eso explica, según el escritor, por qué al principio solo se bailaba entre hombres. «A comienzos de siglo, siendo chico, yo vi a parejas de hombres bailando el tango, digamos al carnicero, a un carrero, acaso con un clavel en la oreja alguno, bailando el tango al compás del organito. Porque las mujeres conocían la raíz infame del tango y no querían bailarlo».

El tango era algo oculto, clandestino. Hasta que llegó a París, la ciudad a la siempre miró Buenos Aires. «Contrariamente a esa suerte de novela sentimental que han hecho los films, el pueblo no inventa el tango, no impone el tango a la gente bien. Ocurre lo contrario. Y luego los niños bien, patoteros, que eran gente de armas llevar, o de puños llevar, porque fueron los primeros boxeadores del país, lo llevaron a París. Y cuando el baile fue aprobado y adecentado en París, entonces el Barrio Norte, digamos, lo impuso a Buenos Aires», cuenta Borges.

Pero el tango es sobre todo una excusa para hablar de una Argentina desaparecida y contar anécdotas que explican más que los libros de historia. De esa vida de los guapos que matan y mueren sólo para mantener su fama de valientes, obligados a aceptar cualquier duelo. Y de un país que crecía y asombraba al mundo. Y ya está en 1965 la melancolía de la oportunidad perdida que aún invade todo en Argentina.

Es la condena del alma argentina, que vive lamentando lo que pudo haber sido y no fue y confortándose con la idea de que está condenada a un éxito que nunca llega. Borges habla de 1910, el momento de la expansión mundial del tango, y dice que entonces Buenos Aires «era la capital de un país creciente, donde la pobreza era una cuestión de una generación, a lo sumo». En 1965 ya se ve su nostalgia al hablar de «ese país que fuimos hasta hace poco». 50 años después, la discusión es similar. Por eso Borges recomienda refugiarse en la música. «El tango nos da a todos un pasado imaginario, todos sentimos que, de un modo mágico, hemos muerto peleando en una esquina del suburbio».

«Carafunca», la prueba de que era un texto inédito

Bernardo Atxaga parece liberado después del largo periplo que acabó en libro. «Ya era hora de que se publicara. No soy nada fetichista ni buen investigador, pero me hacía ilusión haber descubierto algo inédito de Borges», cuenta. Desde 2002, cuando el actor Jose Manuel Goikoetxea, Goiko, amigo suyo, le pasó las cassettes casi inaudibles, las conferencias han sobrevidido de milagro al olvido.

Una palabra fue clave en todo el tortuoso proceso: «carancanfunca». Está en uno de los tangos antiguos que tanto le gustaban a Borges, El Choclo. Y la cita en una conferencia. «Me interesó mucho esa palabra. Cuando lo marqué en el ordenador y me dio cero resultados, supe que tenía en casa el único documento que existía de las conferencias», explica Atxaga. Borges la explica a su estilo. «Recuerdo haberle preguntado a un amigo mío, Eduardo Avellaneda, qué significaba carancanfunca y me dijo que carancanfunca significaba el estado de ánimo de un hombre que se siente carancanfunca. Luego, no sé si conocía el adagio latino de que lo definido no debe entrar en la definición porque así todo puede definirse, ¿no? Y entonces me dijo, bueno, con ganas de hacer barullo y romper faroles».

Goiko había recibido las cassettes de un gallego que vivió en Argentina, Manuel Román Rivas, que se las entregó como agradecimiento por haberlo acogido en su casa en tiempos difíciles. Pero Atxaga no dio con nadie interesado en ellas y quedaron en un cajón. Hasta que años después, en una conferencia en Oxford, se cruzó con Edwin Williamson, biógrafo de Borges. Él confirmó la existencia de esas conferencias, que todos creían perdidas. «Cuando se las mandé a Williamson se quedó de piedra», recuerda Atxaga. Fue en 2012. Cuatro años después, todos pueden al fin leerlas.

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Noticias / México: La hija de Renato Leduc custodia las «sorpresas increíbles» de su archivo

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Patricia Leduc, hija del periodista, trabaja en una Iconografía de su padre y espera que su archivo sirva a los investigadores. (Foto: Excélsior)

C iudad Juárez, Chihuahua. 29 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- La fe de bautismo de Renato Leduc (1895-1986) firmada el 25 de abril de 1896 en la Parroquia San Agustín de las Cuevas, boletas de primaria con sus calificaciones desde 1902, sus nombramientos en la Escuela Anexa a los Telégrafos Federales a partir de 1909, unas 150 cartas personales, decenas de misivas que le enviaban sus lectores, fotos, postales, manuscritos de sus poemas y hasta el acta de divorcio de la pintora surrealista Leonora Carrington, fechada el 5 de enero de 1945, escribe Virginia Bautista para Excélsior desde la Ciudad de México.


Son documentos que ha encontrado Patricia Leduc (1949) en el archivo de su padre –que custodia desde su muerte, el 2 de agosto de 1986–, que le han dado «sorpresas increíbles» y le permiten revalorarlo, afirma en entrevista con Excélsior, como un «hombre ordenado» y un «periodista combativo», pues también conserva los números de los diversos periódicos que dirigió.

«Ha sido maravilloso descubrir que un tipo como mi papá, de quien se creía que era desordenado, bohemio, era muy ordenado y guardaba todo. Algunos de sus papeles tienen más de cien años y están en perfecto estado», añade.

Archivados por la economista en folders, en orden cronológico, algunos con un índice que los describe, pero aún sin catalogar y analizar, los papeles del poeta y periodista son un tesoro aún inexplorado por los investigadores.

Entre las cartas del autor del famoso poema que evoca la «Sabia virtud de conocer el tiempo…» destacan las que le envió a su madre Amalia desde París, entre 1934 y 1941, y las que le mandaron escritores como Pablo Neruda y José Gorostiza.

Patricia Leduc adelanta que un primer producto de la consulta de este acervo será la Iconografía que prepara junto con el investigador Juan Leyva, donde reunirá unas 184 fotografías de su padre, acompañadas de pequeños textos que destaquen la importancia del momento y de los personajes que aparecen en ellas.

«Ya llevo 154, me falta documentar 30. Espero tenerlas listas el próximo año», señala la también licenciada en Letras Hispánicas por la UNAM.

Tras sumergirse en los secretos del telegrafista de la División del Norte, comandada por Francisco Villa, la escritora piensa que hace falta revalorarlo como periodista, porque su obra literaria «está bien publicada y los jóvenes la siguen leyendo».

Leduc, pasión periodística

En entrevista, la hija de Renato Leduc, afirma que la imagen de su padre se ha desviado sólo hacia la poesía y la bohemia; ella quiere que se vea como un aguerrido periodista que siempre estuvo del lado de los más necesitados. Ya trabaja en la organización de su archivo personal

«Creo que su papel como periodista no ha sido muy estudiado. Ha predominado la leyenda, pero falta un trabajo de largo aliento sobre su oficio periodístico», afirma Patricia Leduc sobre su padre el poeta Renato Leduc (1895-1986).

La heredera del archivo del también narrador explica en entrevista que, durante los 30 años que han transcurrido después de su muerte, ha sido evocado como el telegrafista de Pacho Villa, el último bohemio, el que se casó con la pintora Leonora Carrington para protegerla de la persecución nazi trayéndola a México o el que rechazó a la diva del cine María Félix.

«Pero yo quisiera que fuera recordado más como un periodista combativo que estuvo siempre al servicio de las causas de la gente más necesitada», agrega.

Dice que don Renato empezó a ejercer este oficio hacia 1943 o 1944, a su regreso de Francia, donde trabajó durante siete años en una delegación fiscal de Hacienda que le pagaba a los diplomáticos mexicanos.

«Cuando volvió no sabía dónde trabajar y se hizo periodista. Digamos que el destino lo empujó. Conoció a Jorge Piñó Sandoval, el reportero estrella de Excélsior, y él lo animó a que escribiera. El periodismo fue primero su fuente de vida, y después su pasión», añade.

Cuenta que el autor de las novelas Los banquetes y El corsario beige colaboró, además de en El Periódico de la Vida Nacional, en la cadena de diarios García Valseca, el Diario de México, las revistas Siempre!, Hoy y Política y el dominical Claridades.

«Tengo decenas de cartas que le enviaba la gente para denunciar, quejarse, felicitarlo por los artículos y también para criticarlo. Tenía una relación muy estrecha con sus lectores. Como vivió la Revolución y vio las injusticias, tomó partido por los obreros y campesinos», recuerda.

Leduc también dirigió o codirigió periódicos independientes como Presente, El Apretado y Momento de México, recuerda su hija; en ellos dio rienda suelta a su espíritu crítico y buen humor.

«De Presente publicó 36 números en 1940, en alianza con Piñó Sandoval. Fue para criticar la corrupción del gobierno alemanista. Provocó un escándalo. Les quemaron la imprenta.

»Luego, de 1951 a 1952, sacó El Apretado, junto con Antonio Arias Bernal, contra la candidatura a la presidencia de la República que pretendía hacer Fernando Casas Alemán. Y Momento de México nació para criticar al presidente Adolfo Ruiz Cortínez. Lanzó el primer número el 12 de octubre de 1954, y el último el 28 de septiembre de 1956.

»Revisando los artículos y leyendo las cartas de la gente no veo que las cosas hayan cambiado. Estamos igual o peor. Las quejas son las mismas: los despojos y la corrupción de los funcionarios», concluye.

La hija del autor de El aula (1929) espera que el acervo de su padre despierte el interés de los investigadores, «porque hay mil temas que se pueden seguir aquí». Por lo pronto, añade, la UNAM le ha ofrecido asesoría para su catalogación y conservación.

Un hombre de la calle

Patricia Leduc recuerda a don Renato de una manera especial. «Conmigo tuvo una relación muy cercana. Lo evoco como un papá no muy apapachoso, porque nunca lo fue, era hombre de la calle, afectuoso a su manera.

«Tenía su oficina en Antonio Caso. Ahí siempre recibía a la gente, a los campesinos, obreros, intelectuales, a los carniceros del rastro de Tacubaya. Lo recuerdo como un hombre muy generoso, porque siempre estuvo al servicio de mucha gente», señala.

La estudiosa de 67 años de edad es la única hija del segundo matrimonio del poeta, con Amalia Romero, 30 años menor que él. «Su primera esposa fue Altagracia Gómez, con quien tuvo tres hijos: Renato, que ya murió, Alicia, de 89 años, y Héctor, quien vive en Monterrey. Con mi mamá se casó en 1948, ella tenía 23 años y él 53, era mucha la diferencia».

Quien cuidó al vate viajero durante la última década de su vida piensa que se tiene una falsa imagen de él.

«No era borracho ni cínico, como algunos le han llamado; aunque sí era malhablado, pero no vulgar. Alguien lo acusó de misógino, no lo era, amaba a las mujeres y ellas lo perseguían. Pero sin duda fue producto del siglo XIX, tuvo que trabajar desde los 13 años de edad y aún así se acercó a la literatura y aprendió el francés».

Indica que Renato Leduc estuvo lúcido hasta el final de su vida. «Incluso, a sus 90 años, escribió unos últimos poemas para despedirse de la poesía».

Leduc fue convertido en poeta por decreto presidencial

Tras vivir la Revolución mexicana como telegrafista de la División del Norte comandada por el general Francisco Villa, y estar siempre cerca de los campesinos y obreros, el poeta Renato Leduc se sentía con todo el derecho y la libertad de opinar sobre este movimiento.

Por eso, en enero de 1960, se animó a declarar en Caracas, Venezuela, cuenta su hija Patricia Leduc, que la Revolución mexicana había muerto y que había sido usufructuada por un grupo. Lo que causó consternación.

Meses después, el entonces presidente Adolfo López Mateos llegó a Caracas en una gira de trabajo y le preguntaron sobre lo dicho por Leduc. El mandatario cuestionó a la prensa sobre quién era el periodista y cuando le dijeron que Leduc respondió: «¡Ah!, no, Renato es un poeta».

En México, Leduc reviró: «Yo agradezco al señor presidente su respuesta porque no me desmintió. Fue una salida airosa y en eso considero que estuvo en su papel. Por lo demás, es halagüeño ser poeta por decreto presidencial».

Patricia detalla que estas declaraciones motivaron «una hostilización» hacia su padre por parte del «secretario particular del presidente». Sólo así, la economista se explica que el 10 de agosto de 1960 haya sido publicada en la portada de la segunda edición de Últimas noticias de Excélsior una fotografía falsa de su padre participando en una marcha de maestros.

La imagen vertical, donde el poeta aparece con sombrero y botas, lleva el pie de foto: «Renato Leduc, acompañado de su discípulo, el niño orador de Xochimilco, Mario Pérez y Pérez, participó en los desórdenes de ayer, en traje de campaña, incitando a la agresión».

En su momento, el escritor aclaró que el retrato no era suyo y que el pie de foto era falso. «El más superficial examen muestra que se trata de una fotografía retocada y, por añadidura, en forma absolutamente burda e inepta», según consta en la carta que publicó el semanario Éxito, en su número del 14 al 20 de agosto de 1960.

«Era un señor que se parecía a mi papá. Recuerdo que él usaba siempre traje sin corbata y zapatos cafés. En la vida lo vi con botas, no era él, y menos con un niño», agrega Patricia.

Tras la publicación de esta fotografía, don Renato dejó de colaborar en Excélsior. Por eso, su hija se sorprendió verla de nuevo en las páginas de El Periódico de la Vida Nacional el pasado 31 de julio, acompañando una nota que conmemoraba su 30 aniversario luctuoso. Esto se debió a un error de catalogación que ya fue corregido.

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Textos / Alfonso Martín Martínez de Compañón: «Cervantes y El Quijote (Semblanza del cuatrocientos aniversario - 1605-2005)»

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Quijote doliente, obra del artista plástico chihuahuense Alberto Carlos, 1969. (Foto: RanchoNEWS)

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- Miguel de Cervantes Saavedra es el autor de la inmortal novela El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha. La primera publicación de esta obra tuvo lugar en Madrid en enero del año 1605, y nos ha llegado después de cuatrocientos años con toda la fuerza y vigencia que Cervantes supo imprimirle. El escritor español  está considerado desde entonces, como el creador de la novela europea moderna, y su obra, El Quijote, es después de la Biblia, el libro más vendido del mundo. Para los que hablamos el castellano, el idioma cervantino, debe ser un orgullo leerlo, ya que su narrativa es viva y sabia, y en su lectura siempre encontraremos una enseñanza, un ejemplo para aprender, o una satisfacción por las divertidas historias que en él se encuentran. Cervantes nos muestra en la perennidad de su novela un detallado resumen analítico de la condición humana con su grandeza, su complejidad y sus miserias.

Cervantes nace en Alcalá de Henares en el año 1547, ciudad castellana, distante de Madrid a unos 30 kilómetros, y que actualmente pertenece a la Comunidad de Madrid. Alcalá de Henares era la joven ciudad intelectual gracias a una pujante Universidad humanista, en dónde se formaron muchos de los escritores del Siglo de Oro (finales del XVI y principios del XVII), tales como Tirso de Molina, Calderón de la Barca, Quevedo, Góngora y Lope de Vega, coetáneos de Cervantes y con los que tuvo una relación a veces antagónica, en el terreno literario, como la que protagonizó con Lope de Vega, como luego se verá. También tuvieron sus diferencias Tirso de Molina y Quevedo, que aunque amigos de muchos años, rompieron esta relación por cuestiones de criterio. Esta competencia favoreció al teatro y a la literatura de la época, hasta el punto de ser una de las mejores y más fértiles de la historia de nuestras letras, llegándose a llamar el «Siglo de Oro», donde también los textos religiosos y místicos perfumaron de espiritualidad los conventos y las iglesias con el incienso literario de Santa Teresa de Jesús y San Juan de la Cruz. La competencia aviva el ingenio e incita al esfuerzo.

Descendiente de judíos llamados «nuevos cristianos», conversos, que tuvieron .que abdicar de su religión durante los siglos XIV y XV, si querían permanecer en España, Cervantes siempre se mostró como un cristiano convencido.

A pesar de que su padre era cirujano, Cervantes tuvo que sufrir el ambiente de necesidad y pobreza que mayoritariamente padecían las clases medias y bajas. Su juventud transcurrió en Alcalá y pueblos cercanos de la Mancha, en un ambiente propicio para el estudio, adquiriendo la base de una buena formación humanista, preferida entonces entre los estudiantes. Los continuos cambios de domicilio a que se vio obligado su padre, le sirvió para ir conociendo muchos lugares de La Mancha (actualmente la Comunidad Autonómica de Castilla-La Mancha comprende las Provincias de Guadalajara, Ciudad Real, Cuenca, Toledo y Albacete). Aparte de los conocimientos topográficos, Cervantes asimiló todo lo que sería la materia prima de su obra: costumbres, personajes, historia, gastronomía, leyendas y cuentos lugareños. Todo un caudal de vivencias incluidos algún que otro lance amoroso que le predisponen para que su caballero naciese con esa determinación y carácter pendenciero que en numerosos pasajes de la novela demuestra para defender el honor de la Dama de sus pensamientos, o bien para obligar a los bellacos y rufianes que fueran a rendir pleitesía a la Emperatriz de La Mancha, la sin par Dulcinea del Toboso.

De la vida diaria

Los personajes y lugares del Quijote, Cervantes los calcó de la vida diaria, dando a su narración un extraordinario realismo. Así tenemos Argamasilla de Alba, (Ciudad Real), de donde se dice que fue don Quijote, el mismo que en la novela es Alonso Quijano el Bueno, y en la vida real, por el año 1570, Cervantes conoció con el nombre de Don Rodrigo Pacheco y que le sirvió de inspiración para su personaje. Sin embargo, y más recientemente, Villanueva de los Infantes de la misma Provincia, también reclama su cuna, ya que los académicos actuales, así lo están considerando, a pesar de que Cervantes nunca quiso acordarse de señalar (vete a saber porqué), ni a uno ni a otro. Otros lugares manchegos citados son El Toboso (Toledo), donde Aldonza Lorenzo Zarco de Morales, moza labradora, se convertiría, en la idealización quijotesca, en la Emperatriz de la Mancha, la simpar Dulcinea del Toboso. Campo de Montiel, lugar donde los molinos de viento mueven en sus aspas moliendas de trigo candeal. Tomelloso, Cueva encantada de Montesinos, Lagunas de Ruidera, Puerto Lápice, que le cupo el honor de que en su venta fuera armado Caballero el más valeroso hidalgo Castellano de todos los tiempos, espejo de la Caballería Andante.

Cervantes captó sobre todo los caracteres y tipos basados en personajes reales, tanto de la nobleza , como del pueblo llano, los que luego recreó magistralmente, dando a cada uno su papel exclusivo sacándolos de su vulgar realidad y mitificándolos hasta lograr darles categorías de Caballeros, Princesas, Gigantes y Escuderos, haciéndoles protagonistas de ésta gran gesta. Todo lo que vio y experimentó el joven Miguel, en sus viajes por la Mancha, se le fue quedando prendido en su retina, contagiándose de la magia de esa tierra ancha, de horizontes lejanos, donde la soledad se convierte en misticismo y la dureza de sus ocres campos nos evocan remembranzas de su antigua estirpe guerrera. A poco que te dejes llevar de la ensoñación, los gráciles molinos de viento se te convertirán en desaforados Gigantes, y las ventas, en refulgentes castillos con sus cuatro torres y chapiteles.

Cervantes es hijo de su tiempo y bebe de esas corrientes literarias, artísticas y aperturistas, en todos los ambientes humanistas. Marcha a Italia, donde sirve al Cardenal Acquaviva y donde descubre los clásicos, que luego veremos reflejados en tantos pasajes de su novela, tanto en boca de don Quijote , como del mismo Sancho Panza, que a pesar de ser villano rebosa sabiduría y conocimiento popular. Miguel entra en la marina, y según nos cuenta él mismo, luchó en la batalla de Lepanto contra los turcos, cuando contaba con veinticuatro años, esto es, en 1571. Dicha contienda la dirigió don Juan de Austria, hijo bastardo del Emperador Carlos V, y que supuso la pérdida de la hegemonía marítima del Mediterráneo por parte otomana, a favor de la marina imperial hispana. En dicha refriega, Cervantes pierde su mano izquierda de un arcabuzazo, en la galera Marquesa. Durante el viaje de vuelta a España, Miguel fue hecho prisionero por piratas argelinos. Lo convierten en cautivo en Argel durante cinco años y medio, una estancia que le marcaría profundamente, y que le serviría para descubrir su vena literaria y ampliaría sus conocimientos sobre la cultura y religión musulmanas. Esta nueva experiencia la expresaría de forma autobiográfica en muchos comentarios del Quijote, y más concretamente, en la «aventura del cautivo».

El regreso a España

Después de varios intentos de fuga frustrados, y gracias a los esfuerzos económicos de su familia y de un fraile trinitario, Juan Gil, pudo volver a España, cuyo suelo no había pisado desde hacía diez años. Intentó conseguir un puesto administrativo en las Indias, dado su estado de invalidez. No lo consiguió, pero sí se empleó como procurador de la Armada y recaudador de impuestos atrasados en el reino de Granada. Estos trabajos le permitieron gozar de una seguridad económica y tranquilizar su vida. Gracias a estos empleos aumenta sus conocimientos, viaja por toda Andalucía y edita la primera parte de su Galatea en 1585, novela pastoril de cierto éxito. Por esta época le nace su hija Isabel, de la relación extramatrimonial que mantuvo con Ana Franca de Rojas. Su matrimonio con Catalina de Palacios queda en la penumbra de su vida, máxime al no tener descendencia con ella.

Su trabajo le permite ir recalando de pueblo en pueblo, y pernoctar en viejas ventas y pensiones, como luego haría su aventurado caballero. Disfruta de su «santa libertad». Conecta con el pueblo que tiene ocasión de ver y tratar a diario. Bebe con él, en los viejos mesones y tabernas, juega a los naipes, cuenta sus batallas y aventuras y ve que todo lo que dice impresiona y admira a sus amigos. Y piensa que bien podría revestirlo con un estilo adecuado y lanzarlo al mundo en forma de libro. Pero otro percance le pone en prisión en Sevilla, por unos oscuros manejos de dineros, hecho al que alude en el prólogo a la primera parte de su novela.

Cuando a principios del siglo XVII, la Corte se traslada a Valladolid, Cervantes se establece allí también, acompañado de su hermana. Fue entonces cuando acabó y publicó la primera parte de su Quijote. Le empieza a llover la fama y el dinero suficiente para poderse dedicar de lleno a su verdadera vocación: la literatura y el teatro. Acaba «Novelas Ejemplares» en 1613, y varias obras de teatro. Frecuenta un grupo de amigos literatos, como Pedro Laínez, los poetas Cristóbal de Mesa, Luis Barahonda de Soto, Francisco de Figueroa, Vicente Espinel entre otros, y sobre todo le dan el espaldarazo literario, con sus buenas críticas, los consagrados de la época, Tirso de Molina y Góngora. Pero ocurre otra vez un incidente más grave para Cervantes que todos los sufridos en su ajetreada vida, y que le amarga sus últimos años. Se trata de la publicación de una «Segunda parte del Quijote» en Tarragona en 1614, por un supuesto Alonso Fernández de Avellaneda, seudónimo que encubre a Baltasar de Navarrete, clérigo de la Santa Hermandad y amigo de Lope de Vega, quien también intervino en la ejecución de este escandaloso plagio. La edición de esta espuria «segunda parte», se hizo un año antes que Cervantes sacara la suya, y cuando Don Quijote de la Mancha era ya un personaje muy popular desde que en 1605 se editó la primera y original. Cervantes, en la dedicatoria que le hace al Conde de Lemos, su mecenas, en el prólogo de la segunda parte de su Quijote, dice echándole en cara al plagiario que: «no osa aparecer a campo abierto y al cielo raso, encubriendo su nombre y fingiendo su patria». Es como darle con el guante en la cara, retándole a duelo. Duras palabras, con las que quiere limpiar la afrenta, y pone en su lugar al apócrifo autor llámese como se llame. Y termina diciendo que le «castigue su pecado y que con su pan se lo coma».

En este tiempo publica «Viaje del Parnaso», y acaba «Los Trabajos de Persiles y Sigismunda», obra póstuma, que su viuda se encargaría de publicar después de su muerte, que ocurrió en Madrid en 1616.

Miguel de Cervantes muere, y en la segunda parte de su novela también muere su caballero don Quijote, pero su obra es inmortal. Cervantes nos deja este singular escrito para que todos podamos leerlo y disfrutarlo. Y su don Quijote nos invita a que «dejemos las ociosas plumas» de la comodidad y pongamos en práctica en nosotros y en los demás, dos de sus más defendidos derechos del hombre: LA LIBERTAD Y LA JUSTICIA. Estas dos razones fueron las que le impulsaron «y sin que nadie lo viese», a «armarse con todas sus armas», a subirse sobre Rocinante y «emprender su buen deseo». Y así continúa después de cuatrocientos años, con la misma determinación, cabalgando en pos de este loco o cuerdo ideal.

VALE

Alfonso Martín Martínez de Compañón

En El Paso TX.
A 13 de febrero del 2005

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XII Festival Internacional Chihuahua / Una noche de Rockabilly

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El grupo de Ian Rosewood en escena. (Foto: Gabriel Cardona / GobEd)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- Hoy se presentaron en la Plaza de la Mexicanidad Ian Rosewood y Rebel Cats como parte de los conciertos masivos del doceavo Festival Internacional Chihuahua (FICH), informa Comunicación Social de GobEd.

A ritmo del rockabilly ( subgénero del rock and roll de los años 50) levantaron de sus asientos al público y lo pusieron a bailar y a cantar por casi tres horas.


Rebel Cats, una de las agrupaciones más originales de la escena nacional, integrada por Vincent Van Rock (guitarra y coros), Vince (batería y voz), Lalobilly (contrabajo y coros) y Chucho Tormenta (teclados y coros) interpretaron sus mejores canciones influenciadas por el sonido del rockabilly clásico, que es una fusión entre el hillbilly y el rythm y blues, pasando por rock n´roll, doo wop y woogie boogie.

Algunas de sus canciones fueron Cuanto no estoy contigo, Shooby Doo Wop, Gato Rebelde, Prisionero, Pecador, Lobo adolescente, Mala influencia y La Chica Rockabilly, entre otras melodías.

La banda de Ian Rosewood le tocó abrir el concierto a los Rebel Cats en la concha acústica de la Plaza de la Mexicanidad.

Durante una hora interpretaron 14 canciones que fueron una mezcla de géneros que pasan por el country, rockabilly, blues, southerm, rock and roll y punk.

Los cientos de asistentes escucharon con atención la música de Ian Rosewood que por primera vez hizo su presentación en Juárez a través del Festival Internacional Chihuahua.

Mark Nizer

En cuanto al evento del FICH en el Teatro Víctor Hugo Rascón Banda del Centro Cultural Paso del Norte, se presentó Mark Nizer, uno de los más grandes comediantes y malabarista que existe hoy en día.

El público gozó de su gran espectáculo que es una combinación de comedia original, movimientos, música y tecnología, entre otras cosas.

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XII Festival Internacional Chihuahua / El reciclaje musical de Recycled Percussion

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Aspecto del espectáculo. (Foto: Gabriel Cardona / GobEd)

C iudad Juárez, Chihuahua. 17 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- La penúltima noche de eventos masivos del Festival Internacional Chihuahua 2016 se vio colmada nuevamente por una propuesta de cuatro jóvenes talentos de alta escuela donde la música se mezcla con palos, cubos, escaleras, sierras eléctricas y cualquier otro objeto con el que se pueda emitir un sonido, hasta con el cuerpo mismo, informa Comunicación Social de GobEd.

Los sonidos agradables logrados de forma tan peculiar, dan vida a la agrupación, Recycled Percussion.

Cuatro jóvenes comandados por Justin Spencer emprendieron una búsqueda en 1995 para participar en un concurso de talentos donde la creatividad era la base, después, ello los llevaría a otro de gran tamaño: America's Got Talent; así 21 años después y aún juntos, ya son historia, historia marcada por más de 5 mil presentaciones más una, la de anoche en El Palomar dentro de las actividades del FICH 2016 que significó su primera visita no sólo al estado, sino a México.

El cuarteto lo completan, Ryan, Matt y Lane, que sacaron nuevamente la casta para convencer con su talento al público chihuahuense que saltó, aplaudió y se impresionó no solo con la música sino con los malabares realizados en el magno escenario.

Percusionistas, guitarristas, djs, de todo en cada uno de ellos, pero su instrumento principal, es su cuerpo, para formar un espectáculo de primer nivel donde la palabra creatividad toma su significado exacto, llevando del asombro al aplauso y de pie.

Antes de cautivar a la audiencia, los Recycled Percussion ofrecieron una rueda de prensa en la cual dieron a conocer parte de su historia personal, marcada por las carencias en la infancia por ello, ahora, este año crean su propia asociación sin fines de lucro, como una forma de ayudar y retribuir todo lo que sus seguidores les han dado.

Afincados en Las Vegas con un espectáculo permanente, los carismáticos jóvenes invierten gran tiempo para interactuar con su público, poniéndolo a concursar con máscaras de chango o bajando del escenario.

Recycled Percussion resultó una experiencia interesante, interactiva y única.


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XII Festival Internacional Chihuahua / Concurrido concierto de Natalia Lafourcade

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La cantante mexicana en la Plaza de la Mexicanidad (Foto: Gabriel Cardona / GobEd)

C iudad Juárez, Chihuahua. 18 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- Los conciertos masivos del Festival Internacional Chihuahua (FICH) cerraron con broche de oro con la asistencia de aproximadamente 30 mil juarenses que se dieron cita hoy en la Plaza de la Mexicanidad para disfrutar de la música de Natalia Lafourcade que los emocionó «Hasta la Raíz», informa Comunicación Social de GobEd.


La cantante deleitó a los asistentes con sus más recientes canciones pero también recorrió su antiguo repertorio mientras los juarenses no dejaban de aplaudir, levantar las manos y cantar.

Lafourcade fue la oportunidad de reunirse y gozar en un ambiente familiar, tranquilo y seguro.

La cantautora de «Nunca es Suficiente» dio una rueda de prensa en el Hotel Lucerna previa a su espectáculo, donde externó su felicidad por estar de nuevo en Juárez por tercera ocasión.

Al referirse al FICH detalló Lafourcade que es un festival excelente que debería estar presente en todo México… «se tiene que apoyar el arte por qué es lo que mueve a la gente, tiene el poder particular de cimbrar la conciencia, y preguntarnos qué es lo que estamos haciendo por México»

Señaló que cada quien tiene su manera de aportar algo al país pero hay que estar despiertos, abrir los ojos, defender la cultura mexicana y su historia; se mostró agradecida por compartir con las personas de esta ciudad fronteriza.

«Me da mucho gusto que me hagan ser parte de estos eventos, y que nuevamente me toque pisar el escenario de la Plaza de la Mexicanidad, me siento muy feliz de estar aquí», expresó.

El evento de hoy fue parte de la gira «Hasta La Raíz Tour 2016», dijo que trabajo cerca de dos años para consolidar este disco, que lo describe como una obra muy personal y sobre todo buscó que mediante su música pudiera inspirar a los demás.

«Cruzaba los dedos esperando que se sintieran identificados con la música, que pudieran conectarse con sus emociones, por que simplemente estaba tratando de ser honesta con lo que estaba diciendo y contando; Conectarme con México, con Latinoamérica, con mis raíces», recordó Lafourcade.

Añadió que el mayor regalo que le pudo dar la vida fue encontrarse con la respuesta tan satisfactoria de la gente, como le pasó en Chihuahua y Juárez.

Por otra parte Natalia además de ser una de las cantantes femeninas más exitosas y con una de las carreras más sólidas del país, también es una mujer altruista y preocupada por los demás, reveló que su carrera se desarrollará a la par de su labor filantrópica, una de la mano de la otra.


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XII Festival Internacional Chihuahua / De Colombia a Juárez: «Combate de Negros en un Sótano por la Noche»

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Aspecto de la presentación. (Foto: Gabriel Cardona / GobEd)

C iudad Juárez, Chihuahua. 21 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- Los asistentes al Teatro Víctor Hugo Rascón Banda reconocieron con sus aplausos la calidad de la expresión artística del grupo colombiano que montaron la coreografía dancística «Combate de Negros en un Sótano por la Noche», informa Comunicación Social de GobEd.

Los responsables de esta puesta son las compañías Cámara de Danza Comunidad y Colectivo Danza Región, integradas por siete danzantes y cinco músicos, que con el ritmo de sus tambores y movimiento corporales cautivaron durante una hora a los juarenses.

Los siete danzantes, cuatro hombres y tres mujeres, descalzos y vestimenta compuesta de pantalón y una especie de túnica larga hasta la rodilla con dos abiertas a los lados y una en la parte de atrás, para facilitar los movimientos del cuerpo, bailaron con mucha energía y de manera coordinada, solamente en ciertos momentos apoyados con algunas sillas.

Al término de la danza, todos pasaron al frente del escenario y para dar las gracias al público al inclinar la cabeza hacia adelante, se despidieron sin pronunciar una sola palabra.

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Galería / Yousuf Karsh: «Pablo Casals»

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Pablo Casals


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Galería / Adolfo Kaminsky: «The Bookseller»

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The Bookseller
Paris
1948


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Obituario / Rudy Van Gelder

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Rudy Van Gelder, en su estudio de grabación. (Foto: Francis Wolff)

C iudad Juárez, Chihuahua. 26 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- ¿Puede un ingeniero de grabación cambiar el curso de la historia?. La respuesta tiene un nombre: Rudy Van Gelder. «Hay algo que llamo el toque Van Gelder», explicaba Freddie Hubbard. «Para mí, ese toque es la definición perfecta de cómo debe sonar un disco de jazz». Responsable indirecto, o no tan indirecto, de más de un centenar de obras maestras, el primus inter pares entre los ingenieros de grabación de la historia del jazz falleció el martes, a los 91 años de edad. No se han dado a conocer las causas ni el lugar en que tuvo lugar el suceso. Chema García Martínez reporta para El País.

Había nacido un 2 de noviembre de 1924 en Jersey City, Nueva York. Una existencia anodina como estudiante de optometría: nada noticiable. La vida del preadolescente Rudolph va a dar un giro radical el día en que acuda a un estudio radiofónico junto a un grupo de amigos. El joven cae de rodillas delante de la mesa de mezclas. «Esto es lo que quiero ser», se dice. Dicho y hecho, por 2 dólares y 98 centavos adquiere un aparato de grabación casero y convierte la sala de estar de sus padres en lo que más tarde va a ser conocido como «el legendario Estudio Hackensack». Van Gelder -lo que hoy llamaríamos un gafapasta con iniciativa- comienza grabando a los amigos y vecinos, algún músico aficionado… pronto, empiezan a llegarle los pedidos desde Nueva York. Zoot Sims, Phil Urso o Lennie Tristano solicitan sus servicios. Visto lo visto, los padres de la criatura se deciden a abrir una entrada directa desde la calle a su dormitorio con ánimo de no interferir en las grabaciones. La criatura, por lo demás, aún no ha dado el salto: optometrista de día, ingeniero de grabación por las noches. Hasta que una de sus grabaciones cae en manos de Alfred Lion, el cofundador y copropietario de Blue Note Records, en lo que será el comienzo de una vieja amistad y la excusa que el más jazzístico de los optometristas del estado de Nueva York utilizará para emanciparse definitivamente. Tres años más tarde -en 1959-, Van Gelder inaugura su propio estudio de grabación en medio de un bosque, a unos 20 minutos en coche del centro de Manhattan. Todo cuanto contiene el edificio con forma de iglesia ha sido meticulosamente diseñado por el escurridizo y enigmático genio de los botones. Englewood Cliffs –todavía en uso- va a ser su santuario. Van Gelder en persona se encarga de la disposición de las sillas, la decoración y la iluminación, o su ausencia, dependiendo del mood. Busca la complicidad con el artista, que se sienta como en casa, o el club. «Uno iba a grabar con Van Gelder”, sigue Hubbard, “y era como asistir a una representación teatral».

Es el toque Van Gelder: meticuloso hasta la exasperación, pero deslumbrante, en los resultados. Nadie, sino él, puede posar sus dedos sobre su colección de micrófonos Neumann U-47 fabricados en Alemania (pero, incluso él, debe utilizar guantes de cirujano). Y no solo eso: también ha borrado las marcas del equipo, «por si acaso», especifica el interesado, sin especificar mucho. Lo que cuenta, en última instancia, es el resultado. Y este no puede ser más elocuente. Discos como A Love Supreme, de John Coltrane, Walkin', de Miles Davis, y Song for my Father, de Horace Silver, pero también Yesterday You Said Tomorrow, de Christian Scott, grabados para los más diversos sellos, llevan la firma indeleble del genial y exasperante ingeniero de grabación. Es el sonido Van Gelder; un sonido duro, no exactamente dinámico, pero sí intenso, cálido, adaptable al artista según sus características. Para muchos, el sonido del Jazz. Con mayúsculas.


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Libros / Argentina: «Homenaje a Borges», las conferencias de María Kodama

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Jorge Luis Borges y María Kodama, en Nueva York. (Foto: Ferdinando Scianna / MAGNUM PHOTOS)

C iudad Juárez, Chihuahua. 26 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- Jorge Luis Borges sólo escribió un cuento de amor: Ulrica, incluido en El libro de Arena y dedicado secretamente a María Kodama cuando el autor de El Aleph le reveló en Islandia ese amor del que hasta entonces había ido dejando trazas. Los personajes de esa historia de amor, Ulrica y Javier Otárola, quedaron inmortalizados en la inscripción que grabó Kodama en la lápida de Borges en Ginebra. Ahora, cuando se han cumplido los 30 años de la «entrada al Gran Mar» del escritor argentino, Ulrica vuelve a hablarle a Javier Otárola, y lo hace con un libro que recopila una veintena de conferencias dictadas por Kodama en las que aborda las principales obsesiones intelectuales de Borges: los sueños, la memoria, el tiempo, los laberintos, el Golem... y ofrece algunos detalles de su relación sentimental. Homenaje a Borges (Sudamericana, 2016) es, ante todo, una ofrenda de amor: «Siempre quise que Borges sintiera que yo le quería como persona, no por su fama», confiesa su autora, escribe César Calero de El Mundo desde Buenos Aires.

Kodama (Buenos Aires, 1937) se dedica en cuerpo y alma a cuidar el legado de Borges. Ha recorrido medio mundo hablando de la obra del escritor argentino y defendiendo su figura. Y este año, con la conmemoración de los 30 años de la muerte de Borges, debe redoblar los esfuerzos. «Este libro es un doble homenaje: se cumplen los 30 años de su partida y él siempre quiso que yo publicara», comenta nada más llegar a la cafetería del elegante barrio porteño de Recoleta. Llega a la cita con El Mundo lamentando todas esas rutinas y trámites diarios que nos consumen media vida. Y enseguida ofrece una muestra de ese «perfil sótano» que tanto le gusta cultivar. «¿Por qué publico el libro? Por la insistencia de mi agente (literario). Me insistió en que publicara las conferencias que doy todo el tiempo, y tratamos de que estuvieran reflejados los temas principales que a Borges le interesaban».Y ahí están si no todos, muchos de esos temas recurrentes en la obra del autor de Ficciones. Y además está el Borges poeta, el Borges periodista, el Borges traductor, el Borges bibliotecario, el Borges místico... Y el Borges amante, como el que aparece en Islandia, la conferencia en la que la albacea de la obra de Borges habla del amor entre dos personas: Ulrica y Javier Otárola.

Kodama esboza una sonrisa cuando se le menciona ese nombre: Ulrica, atribuido en su día a otras mujeres que rondaron por la vida de Borges: «Todas quieren ser Ulrica, a mí me divierte tanto...». Pero Ulrica sólo hubo una: «Me dedicó el cuento secretamente, yo no quería, tengo un perfil sótano, no me interesa el escándalo. Y así se lo dije: 'No, Borges, así no. Secretamente, todo lo que usted quiera'. Tengo mis códigos, soy japonesa».

Esa pasión de Borges por Islandia le fue inculcada en parte por su padre cuando le regaló la Völsunga Saga y otros poemas épicos islandeses. «En nuestras vidas –dice Kodama en la conferencia–, por distintos caminos, estaban presentes los valores de la palabra dada, del honor, del deber, tan caros a la épica; que desembocaron naturalmente en el amor por Islandia que fue también esencia de nuestro amor».

La vida de Borges estuvo también muy ligada a España. Allí vivió un tiempo de su juventud junto a su familia y allí comenzó a cultivar el periodismo. «En ese momento –cuenta Kodama– el periodismo era una fuente de ingresos para él y también una vía para publicar sus reflexiones sobre distintos autores, movimientos, y su propia obra». Desde 1919 colabora con varias revistas y periódicos españoles (Última hora, Baleares, Grecia, Gran Guignol, Cervantes, Ultra...). En la revista Grecia vería publicada su primera poesía, Himno al mar. Y sería en España donde se afianzaría como uno de los abanderados del ultraísmo y donde conocería a quien, según sus palabras, sería uno de sus grandes referentes literarios: Rafael Cansinos Assens.

De su relación con autores españoles habla también Kodama en otra de sus conferencias, la que narra las atenciones que brindaría a la pareja Juan Goytisolo en la plaza Jemaa el-Fna de Marraquech. «Nunca olvidaré a Borges, ávido por escuchar la descripción del lugar», dice Kodama en su conferencia. Con Goytisolo compartió Borges su gran devoción por Cervantes («ambos encuentran en el Quijote la libertad que implica la aceptación de lo diferente y el enriquecimiento que esa diferencia trae»). Y tal vez también esa relación ambivalente con sus países de origen. «Borges –asegura su viuda– era una persona muy lúcida y veía los defectos (de Argentina) de una manera inequívoca. Sus declaraciones eran incendiarias».

En la selección de Kodama no podía faltar un capítulo dedicado a los sueños, esa gran fuente de inspiración borgeana. «Borges tenía la facultad de recordar los sueños, lo hacía durante sus baños de inmersión, y ahí veía si ese sueño servía para algo o no; si servía, avanzaba; muchos de sus relatos parten de sueños», cuenta Kodama. Y recuerda la anécdota que reflejó en su conferencia sobre el poema Ein traum (Un sueño), en el que Borges rinde homenaje a Kafka. «Borges siempre corregía sus poemas, pero éste fue el único que nunca corrigió; me dijo que se lo había dictado Kafka en el sueño y por eso no lo podía corregir».

El sueño y la memoria se unían en el poeta a la hora de la creación. Sobre la memoria, tan relevante en la obra de Borges, precisa Kodama que es necesario diferenciar entre esa memoria que entrelaza datos y recuerdos de una forma creativa y aquella que actúa como una mera computadora, sin razonamiento, como le sucede a Funes el memorioso. De esa memoria borgeana surgió una obra universal que tuvo siempre como epicentro a la capital argentina desde su primer poemario, Fervor de Buenos Aires: «Toda su obra es Buenos Aires. Y esa presencia va cambiando desde la primera a la última obra, pero no de una forma obsesiva».

Criticada desde algunas tribunas por el celo con el que cuida el legado de Borges («llevo 30 años difamada y estoy cansada»), Kodama se ha mostrado vehemente en los tribunales contra aquellos que han osado «jugar» con alguno de los libros del escritor (como el español Agustín Fernández Mallo con El Hacedor (de Borges), remake, o el argentino Pablo Katchadjian con El Aleph engordado): «Aunque me pidieran permiso, no permitiría que trataran de montarse en la obra de Borges y la destruyeran sólo para ser reconocidos».

Pero esa labor de custodio del jardín borgeano no obedece, según Kodama, a ningún compromiso adquirido. «Nunca acepté nada de Borges», enfatiza. «Lo que yo quería es que Borges sintiera que yo le quería a él como persona, por él mismo, no por la fama, no por la inteligencia». Un amor algo más que eterno, como sugiere Kodama al principio y al final de su Homenaje: «For ever and ever and a day».

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Noticias / Italia: El gobierno proyecta ya reconstruir el patrimonio histórico dañado por el terremoto

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La iglesia de San Agustín en Amatrice, antes y después del terremoto. (Foto: europapress.es)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- Italia se plantea ya reconstruir su patrimonio histórico dañado por el terremoto de ayer en el centro del país, donde al menos 293 edificios de valor cultural han resultado seriamente afectados, según el primer balance oficial, informa la agencioa EFE desde Roma.


El ministro italiano de Cultura, Dario Franceschini, dio esa cifra provisional en una rueda de prensa en la que aseguró que, aunque la prioridad ahora es salvar vidas, con el tiempo pretenden «reconstruir los burgos para mantener una imagen fiel a la que tenían».

Se trata de los cascos antiguos de las localidades que albergaban importantes monumentos y que ahora han quedado reducidas a escombros por el pasado terremoto de 6 grados de magnitud en la escala de Richter, que por el momento ha causado unos 250 muertos.

Tal es el caso de Amatrice, en su día considerado uno de los pueblos más bonitos de Italia, donde había catalogadas unas 3.000 obras de valor artístico.

Algunos de los edificios que allí han quedado destruidos son el Museo Cívico, la basílica de San Francisco, la iglesia de San Agustín (solo queda en pie su campanario en condiciones muy precarias) y tres puertas, como pudieron confirmar las autoridades.

Para ello cuerpos especializados en el patrimonio han realizado una primera evaluación de los daños en una zona limitada.

Hasta el lugar se han desplazado medio centenar de carabineros, treinta de los cuales pertenecen al cuerpo de los llamados «cascos azules de la cultura», disponibles para este tipo de emergencias.

El general del comando de los carabineros para la tutela del patrimonio cultural, Fabrizio Parrulli, apuntó a EFE que ese personal opera normalmente en Italia y también adiestra a los cuerpos de otros países.

En febrero pasado Italia y la UNESCO acordaron cooperar con el objetivo de preservar el patrimonio artístico perjudicado por los conflictos o los desastres naturales a nivel mundial.

Ahora, coordinados con las fuerzas del orden y la Protección Civil, esos efectivos están accediendo a algunas zonas afectadas del centro de Italia, si bien muchas otras siguen estando inaccesibles.

El ministro subrayó la necesidad de que no se retiren los escombros que puedan pertenecer a los edificios históricos. «Si se los llevan, no se podrá reconstruir una fachada del siglo XIII que se haya desplomado», explicó.

«No hay que olvidar que esos restos son partes del patrimonio», dijo, por su parte, la secretaria general del ministerio, Antonia Pasqua Recchia.

Detalló que después del reconocimiento de las obras hará falta llevar las distintas piezas a sitios en los que puedan permanecer cubiertas y conservarse hasta su restauración.

Según Recchia, la mayor parte de los bienes dañados son eclesiásticos, en especial iglesias, y también se intentará rescatar frescos, cuadros y objetos litúrgicos.

A pesar de las dificultades, no obstante, la funcionaria consideró que los daños patrimoniales serán menores que los registrados por el terremoto de 2009 en L'Aquila, un importante centro cultural de la región de los Abruzzos que quedó arrasado y donde perdieron la vida más de 300 personas.

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Danza / México: Anuncian la restructuración del Taller Coreográfico de la UNAM

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Cartel del Taller Coreográfico de la Universidad Nacional Autónoma de México . (Foto: Cortesía Coordinación de Difusión Cultural UNAM)

C iudad Juárez, Chihuahua. 26 de agosto de 2016. (RanchoNEWS).- El Taller Coreográfico de la Universidad Nacional Autónoma de México (TCUNAM), que durante 45 años fue dirigido por la bailarina y coreógrafa Gloria Contreras (1934-2015), será restructurado, se anunció en esa casa de estudios. Fabiola Palapa Quijas reporta para La Jornada.

Se iniciará una nueva etapa, dijo María Teresa Uriarte, titular de la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM.

La funcionaria informó de los nombramientos en la agrupación de Ángel Rosas y Alejandra Llorente, director artístico y régisseur (responsable de la producción escénica), respectivamente.

Uriarte anunció ayer que de acuerdo con las normas universitarias para la designación de funcionarios, «el consejo asesor de danza recomendó a la coordinación, a través de la Dirección de Danza, el nombramiento de Rosas y Llorente, artistas con amplia trayectoria nacional e internacional, como director artístico y régisseur, respectivamente, del TCUNAM».

Símbolo de una nueva etapa

Como símbolo de la nueva etapa de la agrupación universitaria, María Teresa Uriarte presentó el nuevo diseño de imagen del TCUNAM y anunció que el próximo año comenzarán las actividades de la Cátedra extraordinaria Gloria Contreras para la creación y estudios dancísticos como espacio de transmisión de conocimientos, discusión y análisis para favorecer la excelencia en la danza.

Esa cátedra convocará a especialistas nacionales e internacionales para participar en cursos, talleres, seminarios, conferencias, clases magistrales, exposiciones y ensayos abiertos.

Acompañada de Horacio Lecona, secretario técnico de Planeación y Programación, y de Angélica Kleen, titular de la Dirección de Danza, Uriarte informó que el 15 de octubre se entregará la medalla Gloria Contreras, distinción creada el año pasado, a la maestra Nellie Happee, considerada uno de los pilares del arte dancístico nacional.

Lecona señaló que en la máxima casa de estudios se instrumentaron esas acciones no sólo para dar continuidad al TCUNAM, sino para el desarrollo y fortalecimiento de un proyecto artístico que comenzó la maestra Gloria Contreras y que es una de las instituciones artísticas emblemáticas de la UNAM.

Respecto de los cambios en la estructura de la agrupación dancística, Angélica Kleen expresó que se siguieron los lineamientos universitarios y fue el consejo asesor el que propuso a cuatro candidatos, de los cuales finalmente se eligieron a Rosas y Llorente para dar fortaleza a la agrupación y que ésta pueda trascender.

La estrategia de la nueva dirección artística del TCUNAM, además de preservar el legado de Contreras, busca consolidar a la agrupación, a partir de una propuesta artística de máxima calidad interpretativa, así como de vigorizar su presencia y participación a escalas nacional e internacional.

Trascendencia e innovación

Ángel Rosas, nuevo director artístico de la compañía universitaria, enfatizó que buscará la trascendencia e innovación y para ello ya se trabaja con dos obras de las coreógrafas Rosario Murillo y Katia de la Garza.

«Ellas vienen a sumarse al proyecto con estas obras que pertenecen a la producción de la UNAM, creadas en el contexto de los 85 años de la autonomía universitaria. Se hicieron con ese carácter y ese perfil de formar la producción universitaria».

Además de preservar las 242 obras de Gloria Contreras, a Llorente le interesa seguir con la filosofía en torno a la danza que tenía la coreógrafa, pues dijo que el arte dancístico es un camino hacia el interior del ser humano.

En esta nueva etapa de la agrupación dancística se han programado presentaciones en varios planteles de la UNAM, con la finalidad de fortalecer el acercamiento de los estudiantes a la danza. A partir de septiembre se ofrecerán funciones en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales, así como en el Centro Universitario Cultural.

El Colegio de Ciencias y Humanidades plantel Oriente inaugurará el 8 de septiembre una sala de danza que llevará el nombre de la maestra Gloria Contreras, en memoria de su legado.

También se anunció que el teatro Arquitecto Carlos Lazo, una de las sedes del TCUNAM, será sometido a trabajos de remodelación.


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