Rancho Las Voces

Teatro / México: Montan «Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató» de la compañía Teatro Bárbaro

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La obra Yo tenía un Ricardo hasta que un… ofrece historias como la de un niño asesinado por sus compañeros, algo que no debe pasar en el país, dice Luis Bizarro. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 22 de enero de 2017. (RanchoNEWS).- La obra Ricardo III, de William Shakespeare, fue una base para tener una mirada a los casos de homofobia, extorsión, ejecuciones y bullying que se dieron en Chihuahua, y así crear Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató, montaje de la compañía Teatro Bárbaro, que se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia. Antonio Díaz reporta para Crónica.

En entrevista, Luis Bizarro, director de la compañía, explica que en un inicio tenían la intención de hacer una adaptación de Ricardo III, pero con el paso de los ensayos, Fausto Ramírez, director de la obra, se dio cuenta que eran muy comunes los sucesos entre la obra de William Shakespeare y la violencia en Chihuahua.

El montaje presenta una serie de casos de homofobia, corrupción, discriminación, abuso de autoridad y extorsión, mismos que fueron escritos por los actores a causa de historias vivenciales.

Luis Bizarro señala que las anécdotas relatadas en el montaje también guardan relación con la historia de Teatro Bárbaro: «Nuestra compañía inició en 2009, considerado como el año con mayor índice de violencia chihuahuense».

Con el paso del tiempo, el foro de la compañía creció a tal grado que actualmente cuenta con un teatro, biblioteca y se prevé que abran una cafetería, pero para llegar a eso, tuvieron que pasar por tres foros.

Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató fue estrenada en febrero de 2016. Luego tuvieron otra temporada en agosto y luego formaron parte de la 37 Muestra Nacional de Teatro, en San Luis Potosí, pero sin cambiar ninguno de las anécdotas.

«Una de las historias es el asesinato de un niño a manos de sus compañeros, justo supimos de lo ocurrido en Monterrey y es como si las historias se fueran actualizando», sostiene Bizarro.

Aparte de casos específicos, hay diálogos construidos con base en cifras sobre desigualdad, violencia, crímenes de odio y número de muertos por el narcotráfico: «La investigación requirió cinco meses. Sí hemos actualizado las cifras que hay aunque, en su mayoría, son de Organizaciones No Gubernamentales o Asociaciones Civiles, organismos que creo, tienen las cifras más exactas. Si nos fuéramos a las cifras oficiales, estaríamos alejados de la realidad».

Reacciones

El montaje tuvo un buen recibimiento en Chihuahua, situación que Luis Bizarro atribuye a que el público conocía las historias: «Después de cada función la gente siempre quería expresar algo y esto se volvió como una especie de escaparate».

Incertidumbre.

En la representación se abordan temas complejos, sin embargo, el director de Teatro Bárbaro afirma que no ha recibido ninguna amenaza, pero están conscientes de que pudiera ocurrir:

«El miedo está pero tampoco podemos vivir con miedo toda la vida. De alguna manera, lo que queremos hacer es estrujar las conciencias. Es una obra para todos, puedes estar en el bando de los buenos, de los malos, de los vencidos, pero si tú sabes algo y te quedas callado, entonces te vuelves culpable por omisión. Hemos tenido gente de política que salen conmovidos y esperamos que intervengan en esa situación», opina Bizarro.

En determinado momento, se invita a que el público participe en la obra, por lo que analizan quiénes pudieran integrarse a ciertas actividades con lo que buscan generar una empatía. «El saber que había ejecuciones en Chihuahua era ya normal, nos estamos habituando a la violencia, lo que queremos es lo contrario, deshabituarnos», concluye Luis Bizarro.

Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató estará hasta el 5 de febrero en la Sala Xavier Villaurrutia, del Centro Cultural del Bosque. Localidades: $150. Luego de su temporada en la Ciudad de México el montaje estará en julio a Chihuahua, para después viajar al Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz.


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Artes Plásticas / México: Aloja la UAM la primera muestra «post mortem» de Helen Escobedo

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Huarabotas, 1995, bota militar/huarache de Helen Escobedo (1934-2010), de la serie Indumentaria para la guerra y la paz, que se inició en 1995 y culminó en 2000, luego de la irrupción del EZL. (Foto: Cortesía de la UAM)

C iudad Juárez, Chihuahua. 22 de enero de 2017. (RanchoNEWS).- La primera exposición post mórtem dedicada a Helen Escobedo incluye obra que proviene del acervo que resguardan Andrea y Michael Kirsebom, hijos de la escultora fallecida en 2010, tanto en Tlayacapan, Morelos, como en San Miguel de Allende, Guanajuato. Merry MacMasters reporta para La Jornada.

Esa muestra, montada en la Galería Metropolitana de la Universidad Autónoma de Metropolitana (UAM), la cual concluirá el 28 de febrero, se originó tras una invitación a la artista Ana Quiroz, también avecindada en San Miguel de Allende, de parte de Michael, de articular una exhibición.

Con la finalidad de recordar a Helen Escobedo, el sábado 28, a las 18:30 horas, en ese recinto Esther Cimet, Francisco Reyes Palma y Graciela Schmilchuk conversarán sobre la escultora, su obra y su legado.

Luego, el 22 de febrero a la misma hora, Rita Eder, Lourdes Grobet, Víctor Muñoz y Quiroz participarán en Anecdotario: Helen Escobedo.

Ana Quiroz, quien colaboró muchos años con Lothar Müller en la galería Kuntshaus Santa Fe, pudo trabajar de manera directa en ese acervo para seleccionar las 37 piezas incluidas en Helen Escobedo: ReVisiones, aunque reconoció que para los hijos de la artista «hay obras muy queridas que no prestan; incluso, algunas las solicité y dijeron que no», señala.

Para elegir entre instalación, maquetas «propositivas» de posibles monumentos, un muro dinámico, collage, fotografía intervenida, arte objeto y escultura, Quiroz consideró tres aspectos, aparte de buscar las menos conocidas –no hay nada de su participación en La ruta de la amistad o del Espacio Escultórico–. Primero, el sentido del humor y del juego que refleja en su obra desde los años 60 del siglo pasado que provocan al espectador.

Luego, la forma en que la artista piensa, repiensa, reflexiona y analiza el monumento en el entorno urbano. En sus collages y maquetas propositivas a veces se burlaba de los monumentos; sin embargo, en otras ocasiones insertaba posibles esculturas.

La tercera característica fue la postura ética de Escobedo, pues a partir de los años 90 es completamente radical en lo ambiental y lo político. La muestra incluye la serie completa Indumentaria para la guerra y la paz –como las huarabotas, bota militar/huarache–, que se inició en 1995 con el surgimiento del Ejército Zapatista de Liberación Nacional y concluyó en 2000. Se trata de «un homenaje a la identidad indígena y guerrillera.»

Preocupación por el hábitat

Quiroz jamás trató a Escobedo, sin embargo, ocupó su lugar en el consejo del Museo de Mujeres Artistas Mexicanas; también volteó la mirada hacia proyectos que jamás se desarrollaron.

Las maquetas de Torres vibrantes (1979) y Torres de marfil (1981) contemplan estos estudios como proyectos futuros, ideas constructivas que en algunos casos derivaron en monumentos reales, indica.

La pieza más temprana es Pez radio (1967), escultura en bronce más bien tradicional, aunque ya se nota su sentido del humor y preocupación por el medio ambiente.

Esa obra alargada contiene un pequeño compartimento que resguarda un radio que «funciona», señala Quiroz. Los mojados, instalación de 2010, se refiere a los desplazados, tema que Escobedo trabajó en Los refugiados y Éxodos.

ReVisiones reúne la obra imaginativa y siempre original de una artista de renombre internacional, que no ha sido valorada, pues Escobedo trabajó en gran medida al margen de las galerías y el mercado del arte. Ojalá sirva para atraer la atención sobre su quehacer.

Helen Escobedo: ReVisiones, que aloja la Galería Metropolitana (Medellín 28, colonia Roma), concluirá el 28 de febrero.


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Obituario / José Duarte

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José Duarte, en 2007. (Foto: Juanma Vacas)

C iudad Juárez, Chihuahua. 22 de enero de 2017. (RanchoNEWS).- La mitad del siglo XX español fueron años de agrupaciones artísticas, El Paso, el Equipo Crónica, los catalanes Dau al Set, incluso los realistas madrileños que nunca quisieron denominarse como tal y el Equipo 57, que este sábado está de luto, ya que ha fallecido uno de sus fundadores, José Duarte, el pintor cordobés que cumplía hoy mismo 89 años. El artista ha muerto en Madrid, ciudad en la que vivía desde los años ochenta y en la que será incinerado, aunque su entierro tendrá lugar en Córdoba. Una nota de la redacción de El País.

Duarte (1928-2017) será recordado por pertenecer al Equipo 57, formado en París, pero antes de llegar a la capital francesa estudió tanto en su ciudad natal como en Sevilla, en la Escuela de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría.

En 1956 viajó a París donde visita a Picasso y comienza a frecuentar el café Rond Point, lugar de nacimiento del Equipo 57, formado por Jorge Oteiza (1908-2003), Luis Aguilera (1924-2011), Ángel Duarte (1930-2007), Juan Serrano (Córdoba, 1929), Agustín Ibarrola (Bilbao, 1930), Juan Cuenca (Puente Genil, 1934) y el propio José Duarte, posteriormente se unió el danés Thorkild Hansen. En sus cinco años de duración, se deshace en 1962, estos pintores, escultores y arquitectos fueron referentes de la modernidad española, querían romper con la tradición del arte como patrimonio de unos pocos y con el régimen político del momento.

Tras la disolución del Equipo 57, Duarte se incorpora en el grupo Estampa Popular, deja la abstracción geométrica que caracterizó a su primer grupo para comenzar una etapa figurativa que ya no abandonará en la que destacan temas sociales llenos de ironía.

Se mantuvo gran parte de su vida trabajando, en 1993 recibió, junto al resto de sus compañeros del Equipo 57 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y en 2002 se celebró una retrospectiva del pintor en su ciudad natal. Con este motivo se reunieron sus antiguos compañeros Juan Cuenca, Juan Serrano y Agustín Ibarrola, que dijeron que nunca habían perdido el contacto.


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Noticias / Francia: El Louvre celebra los 80 años del «Guernica»

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Secuencia del corto de Kusturica sobre Guernica. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 21 de enero de 2017. (RanchoNEWS).-A solo tres meses del 80º aniversario del bombardeo de Guernica y de la correspondiente obra maestra que Pablo Picasso pintó para rendir homenaje a sus víctimas, el Museo del Louvre se adelantó este jueves a la efeméride dedicando un ciclo de películas que reflejan cómo el cine ha intentado reproducir la compleja esencia de esa obra, encargada por el Gobierno republicano para la Exposición Universal que se celebró en París en 1937. El ciclo, organizado en el marco de las Jornadas Internacionales del Cine sobre Arte, incluyó cortometrajes a cargo de directores tan reconocidos como Robert Flaherty, Alain Resnais, Emir Kusturica o Iñaki Elizalde. Todos ellos se mostraron, en distintos momentos de la historia del cine, fascinados por el acelerado proceso de composición de la obra, en respuesta al bombardeo indiscriminado de la Legión Cóndor, y subrayaron su estatus simbólico. Álex Vicente reporta desde París para El País

Además, Carlos Saura recibió un homenaje especial y protagonizó una master class en el auditorio del museo, en el que se dijo obsesionado por la obra de Picasso, en la que ve «el reflejo directo y la influencia de Los desastres de la guerra» de su admirado Goya. «El cuadro ha superado la fecha memorable y tremenda que fue Guernica para convertirse en una obra que refleja lo que son la violencia y la guerra en nuestro mundo», afirma Saura.


Obra maestra de Picasso expuesta en el Reina Sofía.

El cineasta abordó también su proyecto 33 días, sobre el proceso creativo que Picasso siguió para pintar el cuadro, en paralelo a la historia de amor a cuatro bandas que vivió junto a su primera esposa, Olga Koklova, y dos de sus amantes, la modelo Marie-Thérèse Walter y la fotógrafa Dora Maar. En 2012, ya estuvo a punto de rodar la película con Antonio Banderas en el papel de Picasso –«tienen cierto parecido, los dos son malagueños y tienen e mismo acento», afirma el cineasta– y Gwyneth Paltrow interpretando a Maar. Pero el proyecto, con guión firmado por Saura y Elías Querejeta, terminó suspendido por motivos de financiación. El director no pierde la esperanza de rodarla en breve. «Tuve una presión muy fuerte para rodarla en inglés. Al principio cedí, pero he cambiado de opinión. Quiero rodarla en español y en francés, lo que siempre limita la producción», reconoce Saura.

Para la programadora del ciclo, la historiadora del cine Gisèle Breteau-Skira, que durante años se encargó de la programación de la filmoteca del Centro Pompidou, si tantos directores se han interesado por la obra de Picasso es porque esta tiene unas características casi cinematográficas. Su dimensión monumental, de casi 8 por 4 metros, no queda muy lejos de la que suele imponer la pantalla de cine. «Es un cuadro que recoge distintas escenas en su interior, casi como si fuera una película», afirma Breteau-Skira, autora de un ensayo recién publicado sobre la cuestión, Guernica. Un cuadro en el cine (Antonio Pareja Editor). El sentimiento de movimiento interior y los numerosos motivos que contiene el Guernica en cada uno de sus rincones refuerzan el carácter cinematográfico de la obra, en la que el exterminio de animales y humanos de cuerpos deformados convive con una frágil luz de esperanza, representada por una vela situada en el centro del lienzo.


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Noticias / Chihuahua: Acuerda Secretaría de Cultura fortalecer vínculo con Museos Comunitarios de Chihuahua

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El acuerdo será fortalecer procesos de vinculación con el fin de rescatar, preservar y difundir el patrimonio histórico, cultural y natural de las comunidades. (Foto: Gobierno del Estado)

C iudad Juárez, Chihuahua. 21 de enero de 2017. (RanchoNEWS).- En días pasados la secretaria de Cultura de gobierno del Estado, Águeda Lozano, se reunió en el Museo Tarike con los representantes de la Red de Museos Comunitarios de Chihuahua A.C. encuentro que sirvió para llegar a acuerdos que fortalecerán vínculos entre instancias, ya que en la administración anterior no se obtuvo respuesta ante esta petición. Informa Coordinación de Comunicación Social. 

Los objetivos principales para estos acuerdos, están encaminados a consolidar acciones que rescaten, preserven y difundan el patrimonio histórico, cultural y natural de las comunidades; con la participación comunitaria en todos los procesos de creación y desarrollo del museo comunitario, que son de sus principales atributos.

Los muesos que forman parte de este nuevo acuerdo, son:

Museo Abraham González: difunde la historia de la región de Papigochi, ubicado en el municipio de Guerrero, Chihuahua.
Museo Norawa: encuentro de dos culturas, ubicado en Guachochi.
Museo Tomochi: movimiento armado de 1892 en la comunidad de Tomochi, municipio de Guerrero.
Museo de la Revolución Toribio Ortega: Historia de Ortega y Una Revolución Adelantada, ubicado en Cuchillo Parado, municipio de Coyame.
Museo Manuel Ojinaga: Paleontología y arqueología, en el municipio de Ojinaga.
Museo Towi: Nosotros los Tarahumaras, en Rocheachi, Guachochi.
Museo Pascual Orozco: Orozco en la Revolución, en San Isidro, Guerrero.
Museo Tarike: Historia de la ciudad de Chihuahua.
Museo Histórico de Aldama: Historia de la ciudad Aldama.
Museo Raíces de Satevó: Satevó a través del tiempo.
Museo de Allende: Historia del Valle de San Bartolomé, ubicado en Allende.
Museo Rancho Don Chuy: Paleología y ecología, en Aldama.
Museo Histórico Parral de Mis Recuerdos: forma de vida en Hidalgo del Parral.
Museo Histórico de Cusihuiriachi: Historia.
Museo Ferrocarril, ubicado en La Junta, Chih.

Asimismo, por parte de la Secretaría de Cultura se solicitó a cada uno de los representantes informar sobre cuál es el evento o fiesta más representativa en su municipio, a fin de contribuir en la difusión de las diversas celebraciones que se llevan a cabo durante el año.

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Literatura / Pablo Melicchio

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«En las cuatro novelas que escribí siempre aparece un elemento de la locura», reconoce Melicchio. (Foto: Sandra Cartasso)

C iudad Juárez, Chihuahua. 21 de enero de 2017. (RanchoNEWS).-«Lo pendiente y el aburrimiento son más dañino que cualquier peste». La frase, dicha por una viejita en una institución psiquiátrica donde su marido está internado, podría ser una suerte de cameo literario de un personaje sin importancia que mete el dedo en la llaga de La mujer pájaro y una modesta eternidad (Letra Viva), del escritor y psicoanalista Pablo Melicchio. Rafael, un profesor de literatura de novio con una de sus alumnas en la universidad, recibe un mensaje en el teléfono celular de María Marta, una artista plástica mayor que él con la que se inició sexualmente hace más de veinte años, que tomó el cuerpo de Rafael como modelo para pintar una versión del cuadro conocido como “El Cristo de Dalí”. Los personajes parecen atrapados en el pasado, enmarañados con los asuntos sin resolver, los desencuentros y el cúmulo de insatisfacciones y desdichas. Especialmente Carolina, la novia del profesor, internada con delirios y alucinaciones que remiten a una historia de violencia y abuso. La entrevista es de Silvina Friera para Página/12.

Desde el título, la novela despliega una trama surreal a través de «la mujer pájaro«, «una especie de poeta, filósofa y psicoanalista que se le aparece sólo a Rafael», la define Melicchio, autor de las novelas Letra en la sombra (2008), Las voces de abajo (2013) y QuiniFreud (2016).

¿«La mujer pájaro» es similar a la figura del psicoanalista para Rafael?

Es la pregunta que me suelen hacer algunos lectores, pero la verdad es que prefiero que sea parte del misterio, aunque tiene muchas lecturas posibles. En un mundo de mujeres reales, donde Rafael queda atormentado entre una mujer joven y el regreso de la mujer con la que debutó sexualmente, «la mujer pájaro» puede ser la experiencia, la conciencia. Puede ser que Rafael también esté loco; de hecho, sólo él tiene encuentros con «la mujer pájaro». Ella me parece una gran orientadora, como un personaje muy profundo. Cuando aparece «la mujer pájaro», la novela sale un poco de lo terrestre y se vuelve más espiritual, ¿no?

¿Es la primera vez que trabaja el tema de la locura desde la ficción?

No. Por el hecho de ser psicoanalista y haber transitado por el hospital Borda, creo que en las cuatro novelas que escribí siempre aparece un elemento de la locura. Letra en la sombra tiene que ver con un chico preso, pero el hermano del chico preso es un loco que termina suicidándose. En Las voces de abajo, Chiche es un chico con capacidades diferentes que se conecta con los desaparecidos, y el personaje desfila por una institución en donde hay mucho de perturbación mental y de locura también. En esta novela me meto más con cierta locura en torno al amor; Carolina enloquece y queda atrapada en lo que llamo «la habitación de los ultrajes». Aquello que no está elaborado retorna incesantemente. Carolina necesitó de un elemento perturbador para volver al pasado e intentar elaborarlo. Todo lo que le pasa a Carolina dentro de esa habitación del pasado, que son los recuerdos, es la forma de volver a transitar esas dolencias, que tiene que ver con el abuso y la violencia de género.

«Yo siempre concebí el arte como una copia imperfecta de una imagen perfecta», dice María Marta. ¿Está de acuerdo con esta definición que plantea el personaje?

Sí, quizá también se apoya en una cita de (Fernando) Pessoa que puse en mi primera novela: «Todo cuanto hacemos, en el arte o en la vida, es la copia imperfecta de lo que hemos pensado hacer». Lo que llevamos a la vida real son intentos de llegar a un absoluto y una belleza imposibles de alcanzar. No creo que en el arte se alcance lo perfecto; si no, dejaríamos de escribir. Sigo intentando escribir una novela perfecta que seguramente nunca voy a escribir. (Sigmund) Freud decía que sólo los artistas y los niños podían cambiar el mundo; que los neuróticos vivimos en castillos en el aire.

¿Por qué es tan central en la novela El Cristo de Dalí?

Me interesa mucho el surrealismo y estudié mucho a (Salvador) Dalí, a (Luis) Buñuel... El Cristo de San Juan de la Cruz es la representación del dualismo: un Cristo suspendido en las alturas, perfecto, bello, sin dolor; pero a la vez abajo queda el mundo terrestre. Si uno se pone a observar esa obra, es interesantísima porque tiene mucha luz y mucha sombra, tiene espacios donde uno tiene que completar con la mirada. María Marta pinta esa obra y toma a Rafael de adolescente como modelo para que veinte años después tenga sentido esa obra.

¿Qué le interesa del surrealismo?

Necesito que la vida tenga un poco de magia y el surrealismo te permite ver los relojes de otra manera, el tiempo de otra manera. El psicoanálisis se nutrió mucho del surrealismo porque en definitiva el inconsciente es surreal, ¿no? Lo que soñamos, ¿es real o no es real? No por ser neuróticos no alucinamos. El surrealismo es un discurso diferente que rompe con la linealidad.

¿Hasta qué punto utiliza las experiencias que le cuentan sus pacientes en las ficciones que escribe?

En general, nunca tomé a un paciente como personaje, pero la maravilla del psicoanálisis es que trabajamos con los significantes, con las palabras y con el inconsciente por sobre todas las cosas. En cada uno de los libros que escribí hasta ahora aparecen frases o palabras que han dicho algunos pacientes; con eso sí trabajo, porque muchas veces me quedo pensando en un paciente o escribiendo acerca de ese paciente para armar su historia clínica y repensar su problemática. Y escribiendo ya me apropio de alguna palabra o de alguna frase que es levadura para una novela. En QuiniFreud sí tomé muchas cosas de un paciente que tuve, que vino tres veces. El decía que el mundo estaba tomado por la oscuridad, que quería reclutar gente para luchar contra la oscuridad que gobernaba el mundo. Su locura era por momentos creíble (risas). En la novela, el paciente se le instala al psicólogo y no lo deja salir del consultorio para convertirlo en agente de la luz.

¿Por qué cree que hay una gran empatía entre literatura y psicoanálisis? ¿Por qué se llevan tan bien?

Freud era un gran escritor. (Jacques) Lacan decía que se pensaba escribiendo. Viktor Frankl se salvó en medio del Holocausto por pensar y escribir. Literatura y psicoanálisis trabajan con las palabras. Y con los silencios también.


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Noticias / México: Recibe Fernando Lozano Reconocimiento al Mérito Artístico del FAOT

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El director de orquesta Fernando Lozano. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 21 de enero de 2017. (RanchoNEWS).-El Festival Alfonso Ortiz Tirado (FAOT) entregó ayer por la noche el Reconocimiento al Mérito Artístico y Académico al director de orquesta mexicano Fernando Lozano Rodríguez (1940), quien aseguró que esta presea la dedica a Rafael Tovar y de Teresa (1954-2016), primer secretario de Cultura federal. Una entrega de Notimex.

«Fue mi amigo durante 40 años, todos le tenemos agradecimiento a Tovar y de Teresa, por el gran trabajo que nos dejó», afirmó el músico y concertador de orquesta en una entrevista antes de la ceremonia.

Lozano Rodríguez recordó a Tovar y de Teresa en el Palacio de Bellas Artes, en Relaciones Exteriores, en el ámbito de la cultura, después en el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, y finalmente construyendo la Secretaría de Cultura federal.

El director de la Orquesta Filarmónica 5 de Mayo de Puebla, dijo sentirse muy contento por la distinción, porque el FAOT es un festival con muchos años, ha sido muy exitoso y lleva el nombre de un célebre cantante.

«El festival operístico lleva el nombre de un célebre cantante que conozco por las grabaciones que dejó, fue un gran músico y felicito a las personas que realizan este encuentro», expresó el director Lozano Rodríguez.

Subrayó que en general felicita al estado de Sonora, porque está muy despierto, está haciendo cosas, está empujando la cultura, están dándole trabajo a la gente, están poniendo en orden las irregularidades.

«Es un doble gusto, una doble satisfacción el recibir este premio. Y Álamos es de gran tradición y de muchos años y han pasado por ahí celebres cantantes, músicos y artistas, razón de más para sentirme alagado y agradecido por esta distinción», enfatizó.

También se refirió a los jóvenes y no tan jóvenes directores de orquesta, que desde su punto de vista, están muy bien preparados, muy trabajadores, muy serios.

«Hay que decir ante todo que el oficio de la dirección de orquesta es un oficio de gente mayor, cuando el director llega a los 60 o 70 años está en su mejor época, por todo lo que aprendió en la vida y eso no quiere decir que nuestros amigos jóvenes tienen que esperarse hasta los 60 años para hacer algo».


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Literatura / México: Mapa de las letras estadunidenses ante la era Trump

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¿Cuál será el posible rol que jugarán los escritores estadunidenses frente al nuevo y polémico presidente del vecino del norte, y qué autores registrarán los sucesos de los años por venir? (Foto: Excélsior)

C iudad Juárez, Chihuahua. 20 de enero de 2017. (RanchoNEWS).-La literatura estadunidense es poderosa, joven, amena, contundente, heterogénea y tiene la virtud de registrar, parodiar y desmenuzar los hechos de su tiempo. Es una tradición con sólo 200 años de historia con una lista de clásicos que va desde Edgar Allan Poe, Walt Whitman y William Faulkner, hasta Francis Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway y Robert Allen Zimmerman —conocido como Bob Dylan—, Premio Nobel de Literatura 2016. Juan Carlos Talavera reporta para Excélsior.

Este panorama obliga hacer dos preguntas hoy: ¿qué papel jugará la literatura de EU frente al presidente Trump y qué escritores podrían registrar los acontecimientos de los próximos años?

Para dibujar una aproximación, Excélsior convocó a Hernán Lara Zavala (Ciudad de México, 1946), Bernardo Fernández Bef (Ciudad de México, 1972) y Jaime Mesa (Puebla, 1977) —tres narradores que mantienen un estrecho contacto con esta geografía literaria— a dibujar un mapa aproximado de la literatura estadunidense desde una mirada externa que atestiguará lo que viene con la era Trump.

El primero es Lara Zavala: «En torno al mundo de las ideas es imposible construir muros ni dividir continentes. Imposible. Para fortuna nuestra, las ideas siempre salvarán esos prejuicios, desde la censura hasta las barbaridades que puede decir alguien como Trump. Al contrario, ya verás cómo le va a ir a Trump en términos literarios, cómo servirá de protagonista negativo para la literatura estadunidense... y también para la mexicana».

El segundo en comentar es Bef: «Supongo que habrá todo tipo de reacciones. Quizá en la comunidad literaria algunos se muestren a favor y otros en contra. Sin embargo, supongo que veremos un gran florecimiento de las distopías en la literatura, con una serie de alegorías sobre la presencia de Trump, así que no me extrañaría que se escriba una nueva versión de 1984 (de George Orwell); me parece que será un periodo interesante de leer y de estar atento a lo que va a pasar dese la literatura norteamericana frente a Donald Trump».

Sin embargo, Jaime Mesa opina en un sentido distinto: «Creo que (la literatura) no se debería preocupar especialmente por el tema. Porque una literatura preocupada por algo reciente y actual es una literatura que podría irse a lo panfletario... puede haber respuestas inmediatas pero literarias no creo», advierte.

Estafeta literaria

«Dentro de la literatura del siglo XXI me gustaría hablar de los novelistas que han destacado más y que tienen en este momento la estafeta de la literatura estadunidense, aunque debo decirte que ninguno de ellos es tan importante como los de la primera o segunda mitad del siglo XX, aunque a muchos todavía les queda mucha obra por delante», asegura Lara Zavala.

El que le agrada, afirma, es Cormac McCarthy con su novela All the Pretty Horses, en la que tocó un tema tan raro como interesante: la frontera de México, pero vista dese el lado estadunidense.

«Hay otro autor muy valorado, al que Excélsior le ha dedicado varios textos: Don DeLillo, de quien me gusta mucho Underworld (traducida como Submundo). Después está el caso de Ann Tyler y Joan Didion; y me falta por mencionar a Philip Roth —que fue de la misma generación de Updike—, que cabe dentro de los judíos y es un gran escritor».

¿Le darán el Nobel en algún momento?, se le cuestiona. «Lo dudo. Todo es por el political correctness que hay en Estados Unidos, ya que sus novelas son francamente machistas en el peor sentido de la palabra. Además hay algo muy interesante: si vas a enseñar a Roth, casi tienes que pedir una disculpa porque es muy fuerte, al punto en que es considerado pornográfico».

¿Es un autor incomprendido? «Es un escritor muy bueno, muy judío, pero le tocó vivir en una época donde los académicos son puritanos. Aunado a eso, está su tendencia a seducir mujeres gentiles desde el punto de vista judío».

¿Qué hay de Joyce Carol Oates? «Es de las escritoras más constantes para obtener el Nobel. Ella dice que su gran novela es Blonde, que es la que más me gusta, donde habla sobre Marilyn Monroe; es una autora prolífica y un poco excesiva».

¿Thomas Pynchon ocupa un lugar central? «Este caso es el más interesante. Primero por su tendencia a no dar entrevistas. Intenté leer su Gravity’s Rainbow (El arcoíris de la gravedad), pero francamente no pude (terminarla), aunque no cabe duda de que es un figurón. Leí The Crying of Lot 49 y ésta sí me apasionó».

¿Qué diría de David Mamet? «Que fundamentalmente es un dramaturgo que ha tenido mucho éxito, por supuesto. En cierto sentido es el heredero de Tennessee Williams, pero no lo veo comparable con los ingleses como el caso de Harold Pinter, que fue una revolución.»

Un secreto guardado

Para Bernardo Fernández, la literatura de EU es una potencia. «Y a pesar de ser una literatura muy joven, es poderosa y ya cuenta con clásicos como Melville, Poe o Whitman, que son muy contundentes y cuentan con una industria inmensa que genera un medio literario de mucho oficio».

Entre los escritores de su Olimpo personal, refiere a Poe H.P. Lovecraft, Ray Bradbury, de alguna manera Stephen King y Kurt Vonnegut, el autor que migró hacia una literatura sin adjetivos. Alrededor de ellos están Patricia Highsmith, Raymomnd Chandler y Dashiell Hamet, aunque mi favorito es el italoamericano Ed McBain; y si pensara en dramaturgia me quedaría con Edward Albee.

Pero al entrar en el terreno de los estadunidenses de nuestro tiempo, destaca al secreto mejor guardado de esa literatura: Rudy Rucker, así como a Greg Bear, Catherynne M. Valente y Joe R. Lansdale.

«En particular Rucker y Joe R. Lansdale me parecen autores muy poderosos, aunque hasta el momento ninguno de los dos se ha consolidado como la celebridad literaria que merecería ser. Pero si debiera apostarle a una quiniela... lo haría con ellos dos», dice el novelista y dibujante.

¿Qué diría de Rucker? «Que es un matemático con una narrativa impresionante, así que destacaría la tetralogía de novelas ware: Software (1982), Wetware (1988), Freeware (197) y Realware (2000), que es prodigiosa. A mí me gusta mucho Don DeLillo, pero Rudy me parece mucho mejor escritor».

¿Qué elementos de la literatura estadunidense destacaría? «Su sentido lúdico, su ambición literaria y la gigantesca diversidad de voces con que cuenta, desde William Burroughs a Harper Lee, y de Carol Oates a Ray Bradbury; en gran medida se trata de una literatura amena y bastante ambiciosa».

¿Cómo influyó esta literatura en América Latina? «Una de las influencias mayorees vino de Faulkner e incidió directamente en la literatura latinoamericana. Estamos hablando de Juan Carlos Onetti, Gabriel García Márquez y del propio Carlos Fuentes; es una influencia riquísima que tiene que ver con la creación de lo que él mismo llamó el Yoknapatawpha county (condado ficticio en el noroeste de Misisipi), pues él decía que escribía sobre un lugar tan pequeño como una estampilla, pero tan valioso como una mina de oro.»

Poderosa ambición

Por último habla Jaime Mesa, quien reconoce que el Boom literario adoptó los logros de la literatura de EU en cuanto a técnicas narrativas, aunque experimentales y efectivas para contar una historia. «Digámoslo así: Faulkner, Fitzgerald, Hemingway, Dos Passos... le enseñaron a narrar a nuestros abuelos y, ahora, lo vemos como parte de nuestra tradición».

¿Cómo se conforma su Olimpo literario de aquel lado de la frontera? «Una de las cualidades de la literatura estadunidense es la unión de calidad y cantidad. Hay muchos y muy buenos. Mis favoritos son, de entrada, Scott Fitzgerald y sus hijos y, recientemente, dos líneas muy separadas: Philip Roth y su nieto Jonathan Franzen, y Don DeLillo y su nieto David Foster Wallace. Pero tengo una especial fijación por autores que a muy temprana edad se fueron a vivir a Estados Unidos desde lugares como Grecia, la antes Unión Soviética o Corea. En este sentido, Jeffrey Eugenides, Gary Shteyngart y Chang Rae Lee son mis nuevos favoritos».

¿Qué destacaría de su literatura? «Es una de las más vivas, porque no temen adoptar ni tradiciones, culturas ni rasgos de otras tradiciones. Además, me gusta su ambición poderosa de encontrar temas en cualquier lado y no minimizar nada. Son capaces de contar la historia de sus familias o de Norteamérica a partir de la historia de las donas o de los juguetes de nuestra infancia. Para ellos nada es pequeño y todo importa. Por eso, como novelistas, me deslumbran».

¿Encuentra virtudes y defectos en esa tradición literaria? «Su principal virtud y su principal defecto es algo que me fascina: la búsqueda incansable e imposible de ese Moby Dick que es la «Gran Novela Norteamericana», un asunto que nadie ha logrado pero que todos buscan: desde El Gran Gatsby, pasando por Pastoral Americana y Submundo, y yendo hacia La broma infinita. Ese salto al vacío de muchas páginas, donde hay más fracasos que victorias... me ilusiona».

Entre los escritores contemporáneos que más lo atraen, Jaime Mesa destaca a Don DeLillo, «porque explora la historia y lo general de lo estadunidense; es el gran muralista de nuestro tiempo. También Philip Roth, porque cuenta lo particular: lo sexual, su ser judío, un rasgo breve (a comparación del mundo) pero que nos explota en las manos... y en medio estaría Thomas Pynchon».

Sin embargo, explica que existe un autor prácticamente desconocido pero imprescindible para la literatura norteamericana. «Se trata de Harold Brodkey, un escritor prácticamente desconocido: Harold Brodkey, que tiene muchos libros y rescato dos: el novelón de mil páginas que es El alma fugitiva y Esa salvaje oscuridad, su más reciente libro», concluye.


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Cine / Entrevista a Jeff Nichols

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Jeff Nichols durante el rodaje de la película. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 20 de enero de 2017. (RanchoNEWS).-Se ha convertido en una de las voces de referencia del cine de autor norteamericano. Jeff Nichols se dio a conocer con Take Shelter, y este año ha presentado dos filmes bien distintos, la fantasía Midnight Special y el drama histórico Loving, que compitió en Cannes y llega hoy a nuestras salas. Las reflexiones de Nichols sobre el filme explican su eclecticismo y visión del cine. Begoña Donat lo entrevista para El Cultural.

Jeff Nichols (Arkansas, 1978) barniza de humanidad todo lo que toca. Ya sea un thriller psicológico (Take Shelter), un drama iniciático (Mud) o una trama de alienígenas (Midnight Special), el sello sutil del guionista y director trasciende todo género. Su última liza ha consistido en sortear el melodrama televisivo al filmar la historia real del matrimonio formado por Richard y Mildred Loving. Su apellido ha quedado impreso en negrita, a su pesar, en la lucha pro derechos civiles de los años sesenta en EE.UU. La pareja, blanco él, negra ella, fue condenada a un año de cárcel por contraer matrimonio interracial. El fallo en 1967 de su juicio en la Corte Suprema, conocido como el Caso Loving contra Virginia, sentó jurisprudencia e invalidó las leyes antimestizaje, todavía vigentes en el país, por considerarlas anticonstitucionales. No hay condescendencia en el retrato de Nichols. No hay aspavientos dramáticos. No hay emoción edulcorada. Ni siquiera clímax. Sólo el sosiego y la contención de Richard y Mildred, su armónica resistencia, que se traslada a la puesta en escena para revelar el fondo de la historia.

¿Por qué eligió contar esta historia de una manera clásica?

Obedecer a una narrativa tradicional no fue una decisión consciente, sino que quería ser tan justo con la historia de los Loving como pudiese. Tomé la decisión durante la investigación. Elegí adoptar el punto de vista de la pareja y ser riguroso con la línea temporal. No obstante, para mostrar la tortura psicológica que padecieron, no consideré que fuera necesario detallar todos los eventos.

¿Cuán distinta hubiera sido la historia de haberse tratado de dos personas involucradas activamente en la lucha por los derechos civiles?

Si hubieran tenido una motivación política, si su matrimonio y el compromiso continuo de uno con el otro hubieran formado parte de un movimiento activista, hubiera restado autenticidad a sus circunstancias. Richard es un tipo que no va a coger una pancarta y a hacer una huelga, antes va a ir al trabajo. Es su forma de ser. Está alineando ladrillos seis días a la semana. Hay un momento fantástico en los extras del documental de HBO The Loving Story (Nancy Buirski, 2011). A Richard Loving le preguntan cómo consiguieron que el caso llegara a la Corte, y dice: «Ella escribió una carta a…». Duda, y se gira a preguntarle a Mildred: «¿A quién le escribiste la carta?». A lo que ella responde: «A Robert Kennedy». No eran gente al tanto de la política. Y eso les hace más sinceros.

¿En qué medida cree que esa actitud apolítica tuvo que ver con su vida en el campo?

Tiene todo el sentido. Era una época distinta. Vivían en la América rural. Su acceso a la información era absolutamente distinto del que disfrutamos ahora. Así que lo más sencillo es que la política no formase parte de la conversación cotidiana. Lo que me sorprendió fue percatarme de lo poco que sabían antes de casarse. Creo que a sus diecinueve años Mildred no pensaba que hubiera ningún problema. Por supuesto que era consciente de los prejuicios, pero no conocía las consecuencias legales de su matrimonio.

Scorsese le propuso rodar la historia. A estas alturas de su carrera, ¿todavía se siente impresionado?

Por supuesto. Conocí en Cannes a Jim Jarmusch y le dije que no puedo dejar de ver Mistery Train. Es algo extraño. Pero resulta agradable cuando hablas con alguien que sabe. Scorsese sabe. Él me recomendó a los productores. Conseguir un respaldo así te da confianza en lo que estás haciendo, porque no siempre puedes hallarla en las críticas y en la taquilla. Lo que hago, para bien o para mal, es único para mí. Soy un tipo pragmático, así que si siento que no está funcionando, he de cambiar. Recibir una llamada así, refuerza mi fe en lo que estoy haciendo.


Una imagen de la película

Da la impresión de que uno de los elementos de sus películas es la irrupción de fuerzas ajenas que provocan un desorden en la familia.

El caso es que procedo de una familia muy estable. Mis dos hermanos estuvieron en Cannes viendo la película. Las dinámicas familiares me parecen interesantes porque resultan próximas. Sin embargo, me es difícil hablar de Loving como parte del cuerpo de mi trabajo. No quiero que se vea como un filme de Jeff Nichols, sino como la historia de los Loving.

¿Qué es entonces una película de Jeff Nichols?

Por supuesto tengo un estilo y un punto de vista que se pueden aplicar a mis filmes. Por ejemplo, en Midnight Special, no estaba pensando en rodar una película de ciencia ficción, sino en contar la historia de afecto entre un padre y un hijo. Del mismo modo, en Loving abordo el compromiso y el amor, no solo una historia de derechos sociales. Cuando vi el documental, me recordó a mi abuelo. Me hizo pensar en él en esta situación. Me cabreaba mucho pensar que a Mildred y a Richard no se les permitía lo que considero un derecho básico. Y esa es la emoción que subyace en el núcleo de esta historia. Es en lo que pienso, no en que estoy haciendo una película romántica o nominable.

¿Tenía alguna reserva como director blanco ante la perspectiva de rodar una película sobre el racismo en la sociedad estadounidense?

Por supuesto. Pero si vamos a empezar a cerrar caminos sobre qué historias podemos o no contar, estaremos adentrándonos en una senda peligrosa y al final es una historia tan blanca como afroamericana.

¿Se llegó a sentir tentado a rodar algo más agitado, en la línea de Arde Mississippi (Alan Parker, 1988)?

No hubiera sido sincero añadir a gente disparando a sus ventanas o cruces en llamas. En mi investigación no aparecían esos elementos. La cuestión era cuál es el impacto del mundo que les rodea. Además no soy la persona adecuada para hacer una película sobre la lucha por los derechos civiles. Pero puedo hacer una sobre dos personas que se quieren. Eso es, por encima de todo, en lo que he querido centrarme.


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Arquitectura / Los 10 edificios más esperados de 2017

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Foster + Partners, Apple Campus 2 (2017). (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 17 de enero de 2017. (RanchoNEWS).- El año inició con la inauguración de la Elbphilharmonie de Hamburgo (Filarmónica de Elba), diseñada por el famoso dúo Herzog y de Meuron. Una obra portentosa de arquitectura y acústica imponentes, de acuerdo con los expertos. Pero además de una serie de arquitecturas que prometen culminar este año, como el Museo Louvre de Abu Dhabi de Jean Nouvel —cuya ansiosa apertura se espera cada año desde 2015—, la nueva sede en Miami del Institute of Contemporary Art (ICA) de Aranguren + Gallegos, el Museo Nacional de la Esclavitud en Ghana de David Adjaye o el Museum of Image and Sound en Río de Janeiro de Diller Scofidio + Renfro —programado originalmente para 2016—, en 2017 verán la luz diversas edificaciones que contemplan proyectos culturales, urbanos y civililes, concebidos por algunos de los arquitectos más brillantes de los últimos tiempos. Una nota de la redacción de la Revista Código.

Seleccionamos 10 edificios que serán inaugurados a lo largo de 2017 y que destacan no sólo por sus imponentes estéticas, sino por su concepción de la arquitectura y el posible impacto que tendrán en sus propios contextos.

1. Apple Campus 2, de Foster + Partners

Con un presupuesto que rebasó los 2 billones de dólares, la nueva sede del gigante de la tecnología serán inauguradas durante el primer semestre de 2017, según lo anunciado por Tim Cook (CEO). Además de albergar las oficinas centrales de la compañía, el campus contará con una cafetería, una Apple Store y una recepción para visitantes que ocupará un piso entero, mientras que las escaleras y elevadores conducirán a una azotea que se eleva a 7 metros por encima del suelo y desde donde se podrán obtener vistas panorámicas del edificio principal.

El diseño de Norman Foster contempla la construcción de edificios separados para albergar las oficinas de investigación y desarrollo. El patio central, por su parte, incluye la adición de jardines y estanques, como un motivo visual que Apple ya ha aplicado en sus tiendas de Estados Unidos. La característica principal de este gran «dron» son los paneles solares en el techo, que permitirán que todo el edificio tenga un consumo totalmente renovable.


Foster + Partners, Apple Campus 2 (2017)

2. Concrete Alserkal Avenue, de OMA

Se trata del primer edificio diseñado por la oficina de Rem Koolhaas para los Emiratos Árabes Unidos. Localizado en una antigua zona industrial Alserkal Avenue (Dubái), que fue inaugurada en 2007 como un barrio de sedes culturales, Concrete ocupa una extensión de 1 , 250 m2 para albergar eventos públicos, exposiciones, performances, lecturas y hasta desfiles de moda. La configuración del espacio contempla techos de doble altura, paredes móviles y una fachada frontal translúcida que permitirá jugar con las fronteras entre el interior y el exterior. El objetivo: contar con un espacio dinámico y flexible capaz de adecuarse a las necesidades de los eventos que albergara.

Desde el exterior, la fachada frontal fue sustituida por revestimientos de policarbonato y puertas operables que, cuando están abiertas, generar una plaza abierta pública. La estética destaca por una estructura de hormigón esterilizado y vidrios tipo espejo. El espacio será inaugurado el 9 de marzo, durante la Dubai Art Week, con la exposición Syria: Into the Light.



OMA, Concrete Alserkal Avenue (2017)

3. Design Society Shenzhen Museum, de Fumihiko Maki

Diseñada por el ganador del Premio Pritzker en 1993, Fumihiko Maki, la primera institución en China completamente enfocada al diseño será inaugurada el próximo octubre. El museo, que se sitúa en el distrito Shekou de la ciudad de Shenzhen, albergará una sala principal dedicada al diseño digital, un teatro con 330 asientos, tiendas y diferentes áreas públicas destinadas a propósitos múltiples.

Su nombre, Design Society, surge de la colaboración entre la compañía China Merchants Shekou Holdings y el reconocido Victoria and Albert Museum de Londres, que se hará cargo de la programación de este museo con una galería dedicada al diseño industrial de los siglos XX y XXI.


Fumihiko Maki, Design Society Shenzhen Museum (2017)


4. Estación Nápoles-Afragola, de Zaha Hadid

Con un diseño propio de la estética de Zaha Hadid, la estación de trenes de alta velocidad Nápoles Afragola recuerda a una serpiente en movimiento gracias a sus formas onduladas. A inaugurarse tentativamente en junio próximo, después de una serie de altercados desde el inicio de su construcción en 2003, contará con una superficie de 20, 000 m2 que requirieron una inversión de 61 millones de euros.

El proyecto, según palabras de la propia firma, cuenta con «un lenguaje arquitectónico dinámico, orientado a propiciar la articulación de movimientos». El eje rector del diseño fue crear un puente que permitiera conectar los territorios aledaños a las vías, mientras se generaban espacios peatonales en los andenes para los pasajeros.


Zaha Hadid, Estación Nápoles-Afragola (2017)

5. Exhibition Road Project, de Amanda Levete Architects

Además de expandir sus horizontes a China, el Victoria and Albert Museum de Londres estrena un nuevo proyecto que expandirá sus dimensiones y posibilidades como espacio público, al tiempo que generará un diálogo activo entre las nuevas áreas y el edificio original. Proyectado por la firma Amanda Levete Architects, se presume como el primer patio público de porcelana: el material fue seleccionado para homenajear la arquitectura original que data de 1873 y generar una relación con la colección de cerámicas decorativas que conserva el museo.

El Exhibition Road funcionará como sede para instalaciones, eventos al aire libre y una cafetería. Además, dará lugar a la Sainbury Gallery, que será la sala de exposiciones sin columnas más grande del Reino Unido, con una extensión de 1, 100 m2.



Amanda Levete Architects, Exhibition Road Project (2017)


6. King Abdulaziz Center for World Culture, de Snøhetta

En 2008 fue colocada la primera piedra del que será el nuevo centro cultural de Dhaharan, en Arabia Saudita. El despacho noruego Snøhetta diseñó un edificio monumental que estará rodeado por una estructura tubular metálica cuyos guijarros se acomodan con el paisaje natural. El objetivo: establecer un diálogo entre el pasado y el presente cultural de la región.

Por su parte, la torre principal, en forma de trapezoide, se encuentra suspendida, mientras que el resto de la estructura se acomoda alrededor de ella en la superficie. Los 100 mil m2 del espacio albergarán un auditorio, una sala cine, biblioteca, salas de exhibición, un archivo, y presentará diferentes expresiones artísticas (obras de arte, conciertos, cine, teatro, etc.) de origen regional, nacional y global.


Snøhetta, King Abdulaziz Center for World Culture (2017)


7. Museo de Arte Contemporáneo Zeitz (MOCAA), de Heatherwick Studio

Como parte del proyecto V&A Waterfront, el estudio liderado por Thomas Heatherwick diseñó el museo más grande del continente africano especializado en arte contemporáneo. Dirigido por Stepan Martinovsky, su estilo es industrial: 42 tubos de hormigón al centro de la construcción crean un área dinámica y funcional. El techo de cristal, por su parte, brindará luz natural a las nueve plantas que, además, tendrán diferentes disecciones oblicuas para compartir la luz. Además de las galerías de exhibición, el museo albergará una azotea, un centro de conservación, una librería y un restaurant. Su fecha de apertura estimada es el 23 de septiembre.


Heatherwick Studio, Museo de Arte Cotemporáneo Zeitz (MOCAA) (2017)


8. Museo Blavand Bunker, de Bjarke Ingels

La idea detrás de un museo: Bjarke Ingels retoma un antiguo búnker alemán para convertirlo en un espacio para la cultura. ¿Cómo? Eliminó los detalles oscuros y cerrados de la estructura original para crear un lugar mucho más abierto al paisaje y al público. Sus 2, 500 m2 albergarán cuatro espacios diferentes e independientes: un museo búnker, un museo de resina, un museo de historia y una galería para exposiciones especiales. En conjunto, todos estarán organizados alrededor de una plaza central abierta que permite la entrada de luz natural y a la que se llega a través de pasillos, también expuestos, que rompen con la naturaleza cerrada del edificio original y ofrecen la sensación de apertura. Así como en sus anteriores proyectos, que renuevan el paisaje que los acoge, el Museo Blavand Bunker se alzará imponente en la ciudad danesa de Varde.


Bjarke Ingels (BIG), Museo Blavand Bunker (2017)


9. Monumento Nacional del Holocausto de Ottawa, de Daniel Libeskind

Daniel Libeskind diseñó un nuevo monumento para las víctimas de la Segunda Guerra Mundial, que se levantará en la capital de Canadá. La construcción, de 3, 200 metros cuadrados, cuenta con tres bloques triangulares de hormigón que forman una icónica Estrella de David. Cada muro será tapizado con imágenes de campos de concentración, realizadas por el artista Edward Burtynsky. Con el propósito de activar la memoria, la arquitectura del monumento hará una alusión a los campos a través de una malla, que representa los alambres de púas, y árboles de coníferas, como los bosques de Europa del Este. A inaugurarse el próximo 24 de abril, el edificio formará parte del existente Museo Canadiense de la Guerra.


Daniel Libeskind, Monumento Nacional del Holocausto de Ottawa (2017)


10. Pierre Boulez Saal, de Frank Gehry

La nueva cámara que acunará a la academia Barenboim-Said en la capital alemana, busca generar una conexión entre músicos y su público a través de un espacio que se caracteriza por su vista total de 360º. Inspirada en la movilidad de los óvalos, la sala está pensada para ser una zona felible en cuanto a la comunicación de sus espacios. Sus dos niveles, en forma de elipses, crearán el efecto visual de proximidad entre ellos y con los músicos. Así, la experiencia será mucho más íntima. Con una capacidad para 682 asistentes, el espacio central podrá ajustarse a las necesidades de la orquesta que la ocupe. A esta renovación se suman 21 salas de ensayo, un auditorio, una biblioteca y espacios auxiliares. La inauguración tendrá lugar el 4 de marzo con un concierto de Boulez Ensemble & Daniel Barenboim.


Frank Gehry, Pierre Boulez Saal (2017)


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Arqueología / México: La Máscara de Calakmul regresa a Campeche

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La máscara de Calakmul. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 19 de enero de 2017. (RanchoNEWS).-Considerada una obra maestra del arte maya, la famosa Máscara de Calakmul se exhibirá en el Museo de Arquitectura Maya Baluarte de la Soledad, con lo cual regresa a su lugar de origen: Campeche, luego de recorrer diversas ciudades de México y del extranjero como parte de diversas exposiciones. Una entrega de Notimex.

La pieza, elaborada en mosaico de jade, concha y obsidiana gris, reconocida como la Embajadora de Campeche ante el mundo, se suma así al resto del ajuar funerario de un gobernante de la Dinastía Kaan, a quien pertenecía la Tumba 1 de la Estructura VII de la Zona Arqueológica de Calakmul.

Hallada a principios de los años 80 por el arqueólogo William J. Folan, la máscara conjunta todos los elementos del pensamiento y la cosmovisión de la antigua cultura maya. Fechada entre los años 660 y 750 d.C., destaca por su belleza y connotación sagrada.

Está compuesta por 57 teselas de jade, dos cuentas de obsidiana y una concha, y se sabe que representa el rostro de un gobernante, cuya nariz y labios están hechos en una sola pieza, los ojos simulan dos pupilas de obsidiana gris sobre dos círculos de concha nácar y las cejas son de pirita.

Las orejeras tienen la forma de una flor de cuatro pétalos que representa el modelo cosmogónico mesoamericano de cuatro esquinas y un centro.

El jade, componente esencial de las máscaras funerarias de los soberanos mayas, era una piedra asociada al agua y se le relacionaba con el cielo y el mar primordial de la creación, como símbolo de aliento vital, fertilidad y renacimiento.

Las máscaras acompañaban a los grandes señores en su viaje al inframundo. Los materiales importados desde regiones distantes muestran el poder y riqueza de los gobernantes de Calakmul, quienes ostentaban el título de K'uhul Ajaw con el que reclamaban un origen divino ante la sociedad bajo su control.

Claudia Escalante, directora de Museos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) en Campeche, destacó que el Museo de Arquitectura Maya Baluarte de la Soledad alberga piezas extraordinarias, provenientes de las cuatro regiones arquitectónicas de la cultura maya:

Estelas, tapas de bóveda, banquetas, columnas y jambas de gran importancia artística y patrimonial, «pero el que la Máscara de Calakmul sea reconocida por propios y extraños como la ‘Embajadora de Campeche ante el mundo', la convierte en la pieza icónica de nuestro museo», aseguró.

Puso énfasis en que la pieza ha formado parte de diversas exhibiciones, desde que comenzó su recorrido en 2004, cuando se presentó en la muestra «El arte cortesano de los antiguos mayas», en la National Gallery of Art, en Washington, D.C., y culminó en octubre de 2015 con la exposición «La Máscara de Calakmul. Universo de jade», en el Museo Nacional de Antropología.


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Música / España: Springsteen se despide de Obama con un concierto privado en la Casa Blanca

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Obama condecora a Bruce Sprinsteen con la Medalla de la Libertad el pasado mes de noviembre. (Foto: EFE)

C iudad Juárez, Chihuahua. 20 de enero de 2017. (RanchoNEWS).- Mientras a Donald Trump le ha costado lo suyo conseguir que algún artista se preste a actuar en su toma de posesión, Barack Obama sigue exhibiendo apoyos del mundo de la cultura y estrechando lazos con músicos como Bruce Springsteen, que el pasado 12 de enero ofreció un concierto privado en la Casa Blanca para despedir a Obama y a su esposa Michelle, informa la Redacción de ABC.

Así, según desveló ayer el portal «Backstreets», algo así como la Biblia virtual para los fans de Springsteen, el de Nueva Jersey regresó al Salón de Oriente de la Casa Blanca para firmar una actuación acústica ante cerca de 200 personas, todas ellas parte del personal que ha acompañado a Obama durante los últimos ocho años.

Entre palabras de agradecimiento al desde hoy expresidente de los Estados Unidos y breves alocuciones sobre canciones como «Born In The USA»,que presentó como «una canción de protesta» que ya fue malinterpretada en su momento y seguramente lo volverá a ser en el futuro, el autor de «Thunder Road» interpretó 15 canciones.

Un repertorio de marcado carácter simbólico en el que no faltaron piezas como «Working on the Highway», «Growin' up», «My Hometown», «The wish», «The Promised Land» o una «Long Walk Home» que, aseguró, aborda la necesidad de mantener el optimismo en momentos difíciles.

Acompañado a los coros en algunos momentos por su esposa Patti Scialfa, Springsteen no se olvidó de «If I Should Fall Behind» y «Dancing In The Dark» y se despidió con «Land Of Hope and Dreams», canción que ya había dedicado en más de una ocasión a Obama.

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Noticias / España: Daesh (ISIS) destruye el Tetrápilo y parte del teatro romano de Palmira

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Imagen que muestra los daños en Palmira. (Foto: DGA)

C iudad Juárez, Chihuahua. 20 de enero de 2017. (RanchoNEWS).- La reconquista de Palmira por parte de Daesh a las fuerzas sirias el pasado diciembre se ha traducido en nuevos daños irreversibles en esta ciudad monumental declarada Patrimonio de la Humanidad. Los yihadistas han causado un «daño significativo» al histórico Tetrápilo y al Teatro Romano, según ha confirmado la Dirección General de Antigüedades (DGA) de Siria en un comunicado. «Es un nuevo crimen de guerra», ha condenado la Unesco, reporta Mónica Arrizabalaga para ABC.

Daesh es el grupo terrorista que autoproclamó el califato que se extiende por parte de Irak y Siria, mejor conocido en occidente como Estado Islámico de Irak y el Levante o por sus siglas en inglés ISIS.

El análisis de imágenes de satélite realizado por la asociación de Escuelas Americanas de Investigación Oriental (ASOR) «confirma una nueva destrucción en Palmira entre el 26 de diciembre de 2016 y 10 de enero de 2017» por parte de Daesh, destaca la DGA, que fue informada de la destrucción por la comunidad local hace una semana.

El director de Museos de la Dirección General de Antigüedades, Ahmad Dib, había confirmado anteriormente que poseían informaciones de que Daesh había «causado destrozos» a las ruinas grecorromanas de Palmira, pero que aún debían «confirmar los detalles».

Las imágenes, que fueron difundidas por el medio local Palmyra Monitor, muestran que tanto el proscenio como la escena del teatro han quedado seriamente dañados, al igual que el Tetrápilo de la ciudad, situado a escasos metros. «El Tetrápilo parece haber sido destruido intencionadamente utilizando explosivos», resalta el medio local sirio.

Este antiguo monumento helenístico de tipo tetrakionion (sin conexión superior) estaba formado por cuatro grandes zócalos con cuatro columnas cada uno. Construido en una encrucijada, el Tetrápilo o Tetrapylon fue testimonio de la grandeza de Palmira alrededor del año 270 d.C, cuando la reina Zenobia alcanzó el apogeo de su poder.

«Era un símbolo arquitectónico del espíritu del encuentro y de la apertura de Palmira y ésa es una de las razones por las que se ha destruido. Su posición y su forma son únicas en la arquitectura antigua y atestiguan la especificidad de la identidad de Palmira», señala la directora general de la Unesco, Irina Bokova, para quien «esta destrucción es un nuevo crimen de guerra y una inmensa pérdida para el pueblo sirio y para la Humanidad».

«Este nuevo golpe contra el patrimonio cultural, pocas horas después de que la Unesco recibiera informes sobre ejecuciones masivas en el teatro, muestra que la limpieza cultural dirigida por extremistas violentos está buscando destruir vidas humanas y monumentos históricos para privar al pueblo sirio de su pasado y su futuro. Ésta es la razón por la cual la protección del patrimonio es inseparable de la protección de vidas humanas, y todos debemos unirnos para poner esto en el centro de todos los esfuerzos para construir la paz», agregó Bokova.

El Observatorio Sirio de Derechos Humanos ha señalado que el pasado 11 de enero los extremistas ocasionaron daños en la parte frontal del teatro romano cuando colocaban explosivos en la zona.

El teatro ha sido usado por Daesh como escenario de sus ejecuciones. El director de Museos de la Dirección General de Antigüedades recordó que ayer mismo asesinaron a varias personas en ese emblemático lugar donde el pasado mayo se celebró la victoria de las fuerzas sirias y rusas con un histórico concierto de la orquesta sinfónica del teatro Mariinsky de San Petersburgo.

Durante los diez meses que Daesh ocupó Palmira en su primera etapa, desde el 20 de mayo de 2015, los yijadistas dinamitaron los templos de Bel y de Bal Shamín, así como el Arco del Triunfo y destruyeron varias estatuas del centro de esta ciudad que en los siglos I y II d.C. fue uno de los centros culturales más importantes, punto de encuentro de las caravanas en la Ruta de la Seda. Además, convirtieron las ruinas grecorromanas en un campo de minas, que los zapadores rusos se encargaron de eliminar cuando los efectivos gubernamentales sirios se hicieron con su control.

Graves daños en el 60% de Alepo
La misión de emergencia enviada por la Unesco a la ciudad siria de Alepo para examinar los daños sufridos en su Ciudad Vieja, inscrita en la Lista del Patrimonio Mundial y en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro, ha constatado «inmensos daños», según ha dado a conocer hoy en un comunicado.

El equipo «pudo constatar con precisión daños considerables en la Gran Mezquita de los Omeyas, en la Ciudadela, en mezquitas, iglesias, zocos, khans, madrasas, hamames, museos y otros edificios históricos emblemáticos de Alepo». Según una primera estimación de la Unesco, cerca de 60% de la ciudad vieja de Alepo registra graves daños y un 30% está completamente destruido.

«La destrucción de una de las más grandes y antiguas ciudades del mundo es una tragedia», declaró la directora feneral de la UNESCO, Irina Bokova, que pidió «la acción inmediata y el sentido más elevado de la responsabilidad y de la coordinación de todos los actores implicados».

«Pido a todas las partes que no ataquen los monumentos culturales ni los centros de enseñanza, de conformidad con el derecho internacional y el derecho humanitario. Destruir el patrimonio sirio es matar al pueblo sirio por segunda vez. Olvidar su historia es negar los valores y los derechos que le son inherentes», concluyó Bokova.

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