Rancho Las Voces

Fotografía / Weegee, el cronista de una ciudad que nunca duerme

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Weegee fotografiado en la comisaría de Station House, Nueva York, c.1936 Weegee / International Center of Photography. (Foto: Cortesía Howard Greenberg Gallery)

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).- Llegaba siempre el primero a la escena del crimen. Según sus propias palabras: «Hechizado por el misterio del asesinato». Disparaba su cámara. Revelaba las imágenes en un estrambótico cuarto oscuro: el maletero de su coche. Sus fotografías eran frecuentemente las primeras en llegar al bullicio de la redacción de los distintos tabloides neoyorquinos en los que colaboraba. Durante los años 30 y 40 ilustraron cientos de páginas de sucesos. Las firmaba con el nombre de Weegee, una interpretación fonética de la palabra ouija en inglés, que hacía referencia a sus poderes «sobrenaturales» para saber dónde estaba ocurriendo un crimen. Con su depurado estilo fotográfico hizo de su nombre un sello, como cronista de una ciudad que nunca duerme, Nueva York. Fue conocido no solo dentro del mundo de los tabloides, sino también dentro de la más sofisticada comunidad relacionada con las bellas artes, algo poco común. Contribuiría también a definir la estética del cine negro. Gloria Crespo Maclennan escribre par el suplemento Babelia de El País.

Usher Felling (1899- 1968) era el verdadero nombre de este autodidacta, nacido en Lemburg (ahora Ucrania), que tan pronto como a los 14 años comenzó su carrera de fotógrafo. Tres años después su familia emigró a Estados Unidos, donde trabajó en un estudio fotográfico en la parte baja de Manhattan y cambió su nombre por Arthur. En 1935 comenzó a colaborar como fotógrafo freelance para distintas publicaciones, entre ellas Herald Tribune, Daily News, Post y The Sun. Así, poco a poco, y consciente de la poderosa atracción que ha despertado el homicidio a lo largo de la historia de la humanidad, fue labrando su fama; el asunto del crimen se convirtió en su negocio y la noche en su reino.

La galería Howard Greenberg de Nueva York exhibe una selección de imágenes, en la muestra Weegee, realizadas durante los años 40, su década más prolífica, entre las que se encuentran aquellas que contribuyeron a consolidar su figura junto con otras que rara vez han sido publicadas. La selección abarca la mirada más oscura, cínica y mordaz del artista, pero también la más sentimental, con la que se acercaba a los habitantes más desfavorecidos de la ciudad. Destaca entre ellas su autorretrato, realizado en una comisaría mientras le sacaban la típica foto policial (existen cerca de 1500 autorretratos en su archivo), así como aquella en la que un guarda del zoológico duerme entre las jirafas.

«La parte más fácil de cubrir del trabajo es un asesinato, porque el fiambre estará tumbado en el suelo, sin poder levantarse y marcharse o ponerse temperamental, y estará ahí por lo menos dos horas. De forma que me sobra el tiempo», decía el artista en una grabación de 1958, Famous photographers tells how. Lo que muchos no sabían es que había obtenido un permiso para instalar una radio conectada a la policía en su coche. Siempre alerta, merodeaba por las calles en su coche, cargado con una máquina de escribir, su equipo de revelado, una muda y bien abastecido de tabaco. Vivió durante años en un apartamento enfrente de una de las principales comisarias de la ciudad, en 5 Centre Market Place. Así, Weegee siempre estaba en el lugar del suceso, a veces incluso antes que la propia policía. Cargado con una cámara Speed Graphic (aquella que siempre asociamos a las películas de garantiste) y un flash, que le ayudaba a conseguir lo que él denominaba «una iluminación Rembrandt», logró ese estilo dramático y descarnado como la realidad misma.


El crítico, 1943 WEEGEE / INTERNATIONAL CENTER OF PHOTOGRAPHY, CORTESÍA HOWARD GREENBERG GALLERY

Nunca se consideró un fotógrafo de calle; sin embargo, la calle fue su obsesión. Siempre alerta y dispuesto a reconocer ese breve instante que nunca volverá a repetirse. Acostumbrado a trabajar para la prensa, buscaba el momento en vez de esperar a que el momento llegará a él. Aunque fundamentalmente se le conoce por sus fotos del crimen, no escatimaba cualquier otra escena que saliera a su paso. «La misma cámara que fotografía la escena de un asesinato puede fotografiar un bello evento social en un gran hotel», decía el fotógrafo, siempre y cuando sus protagonistas tuvieran «carácter». Buscaba siempre el lado más humano de la escena, lo que frecuentemente le traía problemas con los editores de los periódicos con los que colaboraba: «Claro que tenía problemas con los bobos de los editores», recordaba, «si se trataba de un incendio me dirían '¿dónde está el edificio ardiendo?', y yo les decía, todos (los edificios) son iguales. Pero miren aquí tienen a la gente afectada por el incendio. Bueno, algunos lo entendían y otros no».

A comienzos de los años 40 sus fotos comenzaron a ser aceptadas por las principales cabeceras de la prensa y su nombre comenzó a tener repercusión dentro del ámbito artístico. The New York Photo League organizó su primera exposición, el MoMA le seguiría dos años más tarde. Publicó varios libros y finalmente se instaló en Hollywood, donde realizó sus conocidas Distorsions, una serie experimental en la que distorsionó el rostro de distintas celebridades y políticos del momento.

«A todo el mundo le gusta la belleza, pero existe lo feo», decía Weegee. El drama está ahí. «No se puede esconder, yendo por la vida con gafas de color rosa».

Weegee. Howard Greenberg Gallery. Nueva York. Hasta el 1 de abril.


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Teatro / México: Escenifican dos divertimentos poco conocidos del humanista Alfonso Reyes

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Escena de Landrú, obra en la que «Reyes frivoliza al terrible asesino serial; él es Landrú. Es un juego y creo que estaba pensando en sí mismo cuando escribió», explica Marta Verduzco. (Foto: Guillermo Sologuren)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).- Dos divertimentos poco conocidos de su amplia creación literaria, escritos por el ensayista, narrador, poeta y diplomático mexicano Alfonso Reyes (1889-1959), La mano del comandante Aranda, en referencia al general revolucionario Álvaro Obregón, quien perdió el brazo derecho en una refriega, y Landrú, que se inspira en el asesino serial de mujeres francés Henri Désiré Landru, son puestos en escena con elenco de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y dirección de la actriz Marta Verduzco, en el teatro El Galeón, del Centro Cultural del Bosque. Carlos Paul reporta para La Jornada.

Ambos textos fueron estrenados en la Casa del Lago en 1964, con dirección de Juan José Gurrola y música original de Rafael Elizondo, temporada que desató polémica y fue ventilada en la Revista de la Universidad de México, entre los entonces jóvenes Jorge Ibargüengoitia, quien deploró la puesta en escena, y Carlos Monsiváis, quien defendió a Reyes; en ese debate también participaron Juan Vicente Melo y Juan García Ponce.

Delirante juego lleno de humor

A 53 años de aquel montaje, Verduzco, actriz del elenco original, actúa de nueva cuenta y dirige la nueva propuesta escénica que, a diferencia de la primera, un montaje un poco más casero, discreto y muy juguetón, una especie de cabaretito de cámara, ahora se creció el formato y se le imprime un tono más musical, con espléndida escenografía e iluminación a cargo de Gabriel Pascal y con un ensamble de piano, bajo, batería y clarinete, quienes interpretan la partitura original de Elizondo, a la cual por ser un poco corta se añadieron canciones de la obra Nana, explicó la creadora escénica.

La mano del comandante Aranda es un divertido cuento escrito por Reyes, adaptado a la escena, en la que siete monjas, quienes de copita en copita se ponen ebrias, con sutil humor cuchichean y chismean entre ellas sobre la mano cortada a tan insigne militar.

La mano pasa de ser una reliquia a un objeto doméstico más, luego a ser repugnante animal para después cobrar conciencia y carácter propio. Creyéndose una persona, burlona y traviesa, anda con libertad de un lado a otro y cada vez aprende más cosas hasta volverse ingobernable, haciendo sufrir a todos los de la casa, incluido el comandante que sólo observa en silencio sus monstruosidades. La excepcional narración de Alfonso Reyes es un delirante juego lleno de humor, donde una mano amputada se vuelve «metáfora viviente del hombre».

Henri Désiré Landru (1969-1922), también conocido como Barba Azul, se relacionaba con viudas mediante anuncios en el periódico, les prometía matrimonio y cuando se aseguraba de que podría disponer de su dinero para supuestas inversiones futuras, las asesinaba y quemaba en el horno de su casa. Se dice que victimó entre 117 y 300 mujeres, aunque sólo 11 casos fueron probados.

Reyes inició la escritura de su opereta Landrú en Buenos Aires en 1929 y le puso fin en 1953 en México, donde fue estrenada 11 años después. No se trata de la historia fiel del asesino serial. El autor utiliza sólo el contexto criminal que rodeó al personaje, para plantear una reflexión extremadamente culta en el lenguaje sobre la existencia humana, entre cuyas cuestiones condena que el error del hombre es el cobre, el dinero.

De acuerdo con Verduzco y Pascal, en su texto Reyes se burlaba en cierta manera de sí mismo y de la solemnidad intelectual que entonces pretendía hacer de la sabiduría un asunto aburrido e inalcanzable, de ahí el lenguaje culterano. «Reyes frivoliza al terrible asesino serial. Reyes es Landrú. Es un juego. Pienso que estaba pensando en sí mismo cuando escribió», dice Verduzco.

La fantasía de tener 50 mujeres

Hay un aspecto lúdico y sensual del personaje de Reyes, añade Gabriel Pascal; «es un personaje viejo cuya fantasía es pensar qué sería tener 50 mujeres a su edad, cuando solitario y melancólico ya no se le para y se distrae en las noches con el sonido de un grillo y el zumbido de la electricidad».

Para Pascal aquí se ve reflejada la inteligencia, cultura y humor de Reyes, muy diferente al escritor serio que conocemos.

Con las actuaciones de Gabriela Núñez, Rocío Leal, Patricia Madrid, Azalia Ortiz, Pilar Padilla, Violeta Sarmiento, Amanda Schmelz, Roberto Soto y Marta Verduzco, la participación de los músicos en vivo Carlos Pacheco, Edwin Tovar, Pablo Ramírez y Miguel Sandoval, La mano del comandante Aranda y Landrú se escenifican de miércoles a viernes, a las 20 horas, en El Galeón (Paseo de la Reforma y Campo Marte, estación Auditorio del Metro).

La temporada concluirá el 16 de abril.


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Noticias / México: Designan a Antonio Lazcano como Profesor Emérito de la UNAM

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Antonio Lazcano es investigador del origen de la vida en la UNAM. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).- El Consejo Universitario (CU) de la UNAM aprobó el nombramiento de Antonio Lazcano Araujo como profesor emérito, así como el de Gilberto Giménez Montiel como investigador emérito. Una nota de la redacción de Crónica.

El biólogo fue reconocido por su trabajo docente, de investigación y difusión de la ciencia en el campo de la biología, en tanto que Giménez Montiel ha destacado por la originalidad e innovación en el estudio de las religiones, el discurso político y la identidad nacional.

Antonio Lazcano tiene más de 43 años de antigüedad académica en esta casa de estudios y es uno de los biólogos que más aportes han hecho al estudio sobre la evolución y origen de la vida en el país. Figura en la lista de los 100 investigadores más notables de la nación y «ha contribuido excepcionalmente al prestigio de la investigación que se realiza en México y al de nuestra institución», señala el dictamen de la Comisión del Mérito Universitario. Lazcano es además el científico mexicano con mayor número de publicaciones en las revistas Sciencie y Nature, las dos revistas científicas más importantes del mundo.

Sesión.

Por otra parte, durante la sesión del CU, realizada ayer en la Antigua Escuela de Medicina, el Consejo también aprobó la creación de las licenciaturas en Traducción y Lingüística Aplicada, con las que esta casa de estudios llega a 120 carreras en su oferta académica. Ambas serán impartidas por la recién creada Escuela Nacional de Lenguas, Lingüística y Traducción.

El plan de estudios de la carrera en Traducción está conformado por 59 asignaturas, a cursarse en nueve semestres, durante los cuales los estudiantes se formarán en cinco campos del conocimiento: Traducción y Traductología, Mediación Cultural, Literatura, Lingüística y Multidisciplinario.

Además, recibirán formación en tres lenguas: español, inglés y una segunda extranjera, para la que no será necesario que el alumno posea conocimientos previos, pues la estudiará a lo largo de seis semestres. Podrán elegir entre las cinco lenguas de mayor demanda de traducciones en México: alemán, chino mandarín, francés, italiano o portugués.

El objetivo es «formar licenciados en traducción conscientes y reflexivos, que participen con ética en los procesos de difusión y divulgación del conocimiento y la cultura, a través del ejercicio de su profesión, que fungirán como mediadores lingüísticos y culturales, respetuosos de la diversidad e identidad culturales de los contextos multilingües de su labor», señala el dictamen de la Comisión de Trabajo Académico, que cuenta con la opinión favorable del Consejo Académico del Área de las Humanidades y las Artes .

Durante la sesión, el CU también aprobó la designación de la profesora Patricia Elena Clark Peralta, de la Facultad de Medicina, como integrante de la Junta de Gobierno de la UNAM. Además se guardó un minuto de silencio en recuerdo del médico cirujano y exintegrante de la Junta, Manuel Quijano Narezo, y del académico del Instituto de Investigaciones Filosóficas, León Olivé Morett.

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Libros / México: «Al fin todo es un milagro», una antología de poesía de Hernán Lavín

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El humor siempre tiene la intención de que cada persona lo procese distinto. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).-«¿Qué nos mueve a la risa? La risa es como una fiesta del espíritu y del alma, la risa es abrirnos al mundo, es un impulso de energía, nos da felicidad, aunque hay risas con lágrimas. Una risa nace por una emoción cualquiera y en cada ser humano es diferente», comenta el autor chileno Hernán Lavín Cerda (Santiago, 1939), a propósito de su reciente libro Al fin todo es un milagro, una antología de poesía en donde el humor está presente. Reyna Paz Avendaño escribe para Crónica.

Por ejemplo, en dicho libro, editado por la Secretaría de Cultura, hay un poema que alude a José Emilio Pacheco (Ciudad de México, 1939-2014) para cuestionar el sentido de los programas de televisión y el uso que éstos le dan al lenguaje: «Hoy pude ver los noticieros y apareció en toda su plenitud / la voz de plástico: mujeres minifáldicas hablando a lo bestia / y gesticulando sin las más mínima misericordia».

El humor, explica el autor quien fuera amigo de Pablo Neruda (Chile, 1904-1973) y Rubén Bonifaz Nuño (México, 1923-2013), siempre tiene una intención que cada ser humano procesa de modo distinto, porque siempre hay un estímulo que motiva la risa, por eso, la considera como una acción misteriosa y atractiva.

«Si viviera José Emilio Pacheco y viera uno de los espectáculos de televisión ¿qué diría? A mí me parece lamentable, porque esas señoritas con ultra minifaldas no les dan la posibilidad también de que puedan aparecer y hablar sobre aspectos de la realidad. No quiero que suene a puritanismo, pero ellas son seres humanos que tienen una riqueza interior, tienen vida y memoria. Esas niñas no hablan, sólo exhiben sus figuras y cuerpos, ¿no hay algo más?», expresa.

¿Cómo influyó Alfonso Reyes en su escritura?

La influencia de Alfonso Reyes es muy importante para mí. No tenía ninguna referencia de él en Chile hasta que en una conferencia Pablo Neruda hizo referencia a Alfonso Reyes. Fue en la librería del Fondo de Cultura Económica, en Chile, donde vi algunos de sus libros y hasta cierto sentido el humor me conectó con Reyes, sobre todo las obras llamados misceláneos (1944).

«Pero Reyes, también ejercía la poesía, venía de la poesía, después pasó a la narrativa, al ensayo. Todo eso me llamaba la atención y tenía la esperanza de hacer un viaje a México, pero lo veía como algo lejano; sin embargo, por los avatares de la vida, después de los cataclismos en Chile, la interrupción tan abrupta en el gobierno de Allende, tuvimos que abandonar el país (mi esposa y yo) y llegamos a México. Para nosotros fue nacer de nuevo y aquí ya pude conocer más obras de Alfonso Reyes»

Los libros de Marginalia son de la índole humorística que llamaron la atención de Lavín Cerda. «Reyes a través de esos libros, hizo mucho contacto con algo que ya traía en mí: la aparición de las cosas insólitas dentro de la normalidad, del diario vivir. Don Alfonso veía de pronto la desviación “anormal” que generalmente provoca humor o extrañeza»

Parece que el humor está desde mi primer libro, publicado en 1962, añade el autor. «Tiene un titulo extraño: La altura desprendida, es decir, es una altura que se cae sobre sí misma, alusivo tal vez a un poema que estaba en el interior de ese libro. Después ese proceso de escribir (con humor) no paró más».

Lúdico.

Otro aspecto que Hernán Lavín Cerda aborda con humor, son los heterónimos, nombre falso adoptado por un autor para crear una personalidad poética e incluirla como personaje dentro de su obra.

¿De dónde nace el gusto por incluirse en sus poemas?

Soy El Otro, El hijo de la Madre Teresa de Calcuta, Vuestro Inseguro Servidor, Lobo Sapiens, pero eso fue surgiendo de manera espontánea, no lo busqué. Hago juego con el apellido Cerda, lo cambio a Cerdus: Cayo Valerio Lavín Cerdus, como si fuera de la época antigua.

«Esos nombres están todos dentro de uno, tienen distintas líneas de desarrollo. No quería usar la palabra heterónimos, pero ya la dije…pensando en Pessoa, en su caso, ese desdoblamiento de persona va más allá, es más fuerte y agudo que en mi caso, incluso la forma de escribir de algunos esos heterónimos es distinta entre unos y otros autores. A mí me interesa el juego de palabras, soltar la lengua porque la aparición de lo lúdico es fundamental».

¿Por qué el lenguaje es un milagro?

El lenguaje es un milagro de la humanidad. Nosotros tenemos el don de la palabra, este idioma (el español) nos llegó por conquista y se enriqueció en sus diversos matices en diferentes regiones de nuestros países. Parece que el arte del lenguaje está casi en el límite de lo inefable, de aquello de lo que ya no se puede decir en palabras.

«¿Cómo se llega ahí?, hay aproximaciones, no una receta pero sí hay algo en el equilibrio entre lo sólito e insólito, lo esperado e inesperado, que de pronto lo puedes encontrar en una novela, en un poema de Pablo Neruda u Octavio Paz. En todos esos artistas de las palabra se nota ese equilibro, desde la partida porque pueden estar escribiéndote una crónica periodística, pero de repente aparece ese no se qué, que se queda palpitando», responde.

Hernán Lavín cuenta que parte de ese milagro del lenguaje está en la escritura y recuerda a su maestro Rubén Bonifaz Nuño quien escribía en verso medido, a diferencia de él, que escribe en verso libre.

«Iba a ver a Bonifaz Nuño a la Torre de Rectoría, en el segundo piso donde tenía su oficina, y él me decía: ‘yo no puedo como usted, escribir poesía tan suelta y con tanto ritmo, yo necesito ponerme un corsé para encontrar esa libertad, necesito un verso medido para encontrar la libertad’», narra.


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Cine / Entrevista a Robert Guédiguian

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Robert Guédiguian. (Foto: D. Umbert)

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).-Su barrio de Marsella es su memoria y su lenguaje, una arcadia de solidaridad de la que no puede desprenderse. Hablamos con Robert Guédiguian, que vuelve al conflicto armenio en Una historia de locos, un filme en el que se plantea complejas encrucijadas morales y donde imprime su fuerte compromiso político. Juan Sardá lo entrevista para El Cultural.

Tótem del cine y la izquierda europeas, Robert Guédiguian (Marsella, 1953) es el autor de películas como Marius y Jeannette (1997), Marie-Jo y sus dos amores (2002) o Las nieves del Kilimanjaro (2011) en la que una y otra vez regresa a su ciudad, Marsella, para filmar «cuentos morales» en los que el bien emerge como una fuerza revolucionaria y transformadora. El cineasta renueva su compromiso con Armenia, ya rodó en 2006 Viaje a Armenia, con Una historia de locos, película en la que aborda el genocidio perpetrado por los turcos.

En Una historia de locos Guédiguian trata el asunto desde la perspectiva del grupo terrorista Ejército para la Liberación de Armenia, fundado en 1975, que atentó contra los intereses turcos buscando el reconocimiento de la tragedia. En el filme, el hijo de la protagonista (Ariane Ascaride, musa de Guédiguian) se apunta a la banda, pero en uno de sus atentados un chaval francés inocente sale herido de gravedad... Entonces, la madre del perpetrador comienza a cuidarlo y le pide perdón iniciando una extraña amistad que el propio título del filme llama «una historia de locos». La película está inspirada en la historia real del periodista español José Antonio Gurriarán, herido por una bomba en plena Gran Vía de Madrid en 1980.

 ¿Se ha llegado a olvidar Occidente del genocidio armenio?

Desde el fin del imperio otomano hubo un nacionalismo turco muy militante y extremo que sueña con crear una Turquía pura musulmana y étnicamente homogénea. Eso conduce al genocidio armenio con miles de ejecuciones y deportaciones y paradójicamente eso marca el nacimiento de la nación turca moderna que separa religión y Estado. Es algo que sucedió hace muchos años y que se perdió un poco en medio de todos los acontecimientos trágicos de la I Guerra Mundial. La realidad es que la Turquía de hoy se fundó sobre una montaña de cadáveres. Atatürk pasaba en su momento por ser un socialista que se inspiraba en Lenin. Y es cierto que hizo muchas cosas positivas, como la mejora de la situación de las mujeres, la laicidad o la adopción del alfabeto occidental que abrió a Turquía al mundo. Pero no podemos decir que fundara una verdadera democracia.

¿De qué manera se ha enfrentado a su historia?

Yo quería hablar de la compleja manera de vivir de los exiliados. Hay unas consecuencias del genocidio que son los muertos y la transmisión del dolor. Yo no tomo postura. Respeto al padre que decide olvidar y luchar duro para labrarse un futuro en Francia. Pero si hoy el genocidio es conocido es gracias al Ejército Secreto para la Liberación de Armenia, lo cual plantea un dilema de muy difícil solución.

Víctimas inocentes

Cuenta la historia a partir de una «víctima colateral». ¿Las causas dejan de ser justas cuando pagan inocentes?


El concepto «víctima colateral» es un término militar. Yo no lo utilizo. Yo los llamo víctimas inocentes, que es mucho más realista. No puedo decir de una manera absoluta que soy pacifista o que estoy a favor de la violencia. Me parece ingenuo soñar con un mundo en el que no haya violencia. Por supuesto, la violencia es siempre el último recurso, pero cuando no existe otra manera de resistir a una violencia mayor la lucha armada podría tener un sentido. Todo eso nos plantea preguntas muy difíciles que no tienen nada que ver con la lucha que se da en democracia. En democracia surgen muchos conflictos de intereses pero en situaciones de guerra los dilemas son mucho más fuertes y difíciles de responder porque es una cuestión de vida o muerte.

En sus filmes la bondad surge como una fuerza revolucionaria. ¿Nos salimos de la norma cuando hacemos lo correcto?

El capitalismo contemporáneo ha triunfado a la hora de fragmentar la sociedad en pequeñas sociedades y comunidades. La gente defiende su pequeño trabajo y su pequeño mundo pero hay pocas personas que traten de tener una visión más general y global de los problemas. En mis películas mis personajes se salen de la norma precisamente porque tratan de tener esa visión. El hecho de reconciliarse con el enemigo es siempre revolucionario. Lo que no soporto es lo que yo llamo la «guerra de los pobres» porque todos somos obreros. Esta no es una película antiturca, parte del equipo era turco y yo tengo amigos turcos que tienen un gran compromiso con que el país reconozca de una vez el genocidio.

Coherencia y solidaridad


Una imagen de la película

¿ Por qué siempre regresa a Marsella?

Marsella es mi lenguaje. La ciudad me permite hablar de lo que me interesa. Tengo un sentimiento de pertenencia muy fuerte al barrio en el que nací. Mi infancia transcurrió durante una época dura pero también creamos una comunidad fuerte en la que podíamos vivir de acuerdo con nuestras ideas. No sé si éramos felices pero esa sensación de solidaridad me ha marcado. Ahora mismo todo ha cambiado pero sigue sin ser un lugar gris y aburrido, que es lo que menos me gustaría del mundo. Marsella es una ciudad portuaria y siempre ha habido gente de todas partes. En el siglo pasado la emigración española fue muy importante. Todo eso ha creado un imaginario que me nutre como artista. Al mismo tiempo, mi idea es que en todas las ciudades se cristaliza el mundo entero. En todas partes vemos historias de amor, madres peleadas con sus hijos e injusticias. El fondo del filme es siempre universal y la forma es la ciudad en la que sucede. Si mis películas pasaran en otro lugar la historia sería la misma, pero todo cambiaría si sucedieran en Barcelona o Hamburgo.

¿Considera sus película cuentos morales?

Sí. Con el tiempo me he dado cuenta de que siempre tratan sobre lo mismo. La necesidad absoluta de tener un sentimiento revolucionario no tanto para hacer la revolución sino como forma de relacionarse con el mundo y con la cultura.

Vivimos tiempos convulsos. ¿Debemos temer al Frente Nacional?

Soy muy pesimista por la mañana y muy optimista por la tarde. Por una parte, vemos una regresión nacionalista en toda Europa muy inquietante. Para mí, los valores europeos no son el libre intercambio económico. Los valores europeos son los ilustrados que ya surgieron en el siglo XVIII. Pero al mismo tiempo, al nivel del suelo, o de la tierra, como dice el gran historiador francés Fernand Braudel, hay historias de lucha y de resistencia. Vemos nuevos movimientos horizontales como el 15M que nos dan esperanza. En Francia hay combate desde la ecología, a favor de los derechos de los emigrantes... Es un movimiento no tradicional de la política, es una política hasta cierto punto apolítica, que en parte surge de la rendición del partido socialista al neoliberalismo. Lo que está por ver es cuál es su capacidad de integrarse en las instituciones y gobernar. Pero esa horizontalidad de los nuevos movimientos me llena de optimismo.


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Cine / Ecuador: «Instantánea» de Alexandra Mora Vaca

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El elenco de la cinta ecuatoriana 'Instantánea'. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).- Instantánea en su parte más embrionaria era una historia que transcurría en la playa y tenía a una niña como protagonista, así lo cuenta la guionista y productora, Alexandra Mora Vaca. No había ningún conflicto a la vista, excepto la narración de las vacaciones de la intérprete que tiene especial apego a la fotografía. Luego vino la idea de que la niña pasara sus vacaciones estudiando matemáticas, bajo la tutela de sus abuelos, y surgió la película infantil que llegó a la cartelera en Ecuador. Reporta desde Ecuador Soraya Constante para El País.

La cinta tiene pequeñas dosis de animación 2D, recurso que sirve para recrear el imaginario de la niña que mira a su abuelo como un pirata que la persigue con lecciones de matemática. Pero poco a poco el pirata gruñón se convierte en un capitán amable que guía a la pequeña por mil aventuras.

El filme debe su nombre a una cámara Polaroid, un regalo que el abuelo hace a su nieta al inicio de la historia. La máquina se convierte en un artilugio para guardar recuerdos y las ocho fotos que tiene el carrete coinciden con los ocho días de vacaciones que tiene la niña, entonces la pequeña fotógrafa decide tomar una instantánea diaria junto con su nueva amiga Isabela y su perra Tanuki.

Es una de las pocas producciones dirigida al público infantil que tiene la cartelera ecuatoriana y la latinoamericana. «Es un público olvidado, las películas infantiles son realmente pocas en la región, no es que cada año salga una. Los niños consumen películas de Estados Unidos (Disney, Pixar, Dreamworks, Marvel), y alguna que otra de Japón o Francia», reflexiona la productora.

El antecedente de este filme en Ecuador es Chacón Maravilla, que se estrenó en 1982. Aquella película cuenta un día en la vida de un pequeño lustrabotas que busca la amistad de una niña de clase acomodada, y pone en escena la brecha que existe entre dos clases sociales.

Instantánea se pone peliaguda hacía el final cuando hace que la protagonista se enfrente a la muerte de su abuelo. «La muerte es parte de lo habitual, incluso en las películas de Disney, mira Up, Finding Neno, Bambi, el Rey León», dice Mora. Para dejar un buen sabor de boca, y consolar a la protagonista, se vuelve a la fotografía, a una imagen del abuelo capitán, y viene la moraleja: «Lo único que dejamos en esta vida es el recuerdo de nosotros en los demás». Final feliz.

Durante su pase por los cines, en febrero, la cinta convocó a más de 6.000 espectadores. La película tuvo el apoyo en 2012 del Consejo Nacional de Cine, con un fondo de 70.000 dólares, pero hubo necesidad de hacer un crowfunding pues el costo total de la producción fue alrededor de 180.000.

La siguiente parada del filme ecuatoriano es Buenos Aires, en el festival de la Cordillera, y esperan ser recibidos también en el Bafici, en la sección infantil llamada Baficito.


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Fotografía / Entrevista a Juan del Junco

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Siempre a caballo entre la ciencia y el arte, Juan del Junco nos sumerge de lleno en las tierras pantanosas de Cádiz con la exposición Invierno, mar y fango que inaugura el próximo sábado en la galería F2 de Madrid. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).-Juan del Junco (Jerez de la Frontera, Cádiz, 1972) creció rodeado de los libros de aves de su padre, un conocido ornitólogo que influyó de manera decisiva en la formación del artista. Así que, desde muy pronto, el artista explora con su cámara la flora y la fauna de su entorno, como ya pudimos ver en la que fue su primera exposición individual más relevante, El sueño del ornitólogo (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, 2008) en la que recogía un completo inventario de las aves del Parque Natural de Doñana. Luisa Espino lo entrevista para El Cultural.

Sin alejarse de esa pasión primera, el artista ha dedicado los últimos dos años a CONCEPTUAL ANDALUSIA, un proyecto fotográfico que ha articulado en tres partes. En la primera de ellas, Européens en vol., que presentó en el Museo de Ciencias Naturales de Madrid, reúne en un falso fotolibro 63 imágenes de aves en vuelo. En la segunda, Européens en vol. Les archives, que pudo verse este otoño en la galería Isabel Hurley de Málaga, comparaba las rutas migratorias de las aves con la salida de españoles durante la crisis económica. El último de los bloques, Invierno, mar y fango, se presenta ahora en Madrid.

Háganos de spoiler, ¿qué nos vamos a encontrar en esta muestra de la galería F2?

Varias piezas de mi último proyecto, Invierno, mar y fango, realizado en Cádiz y su entorno desde finales del pasado otoño hasta hace pocos días, terminando ya el invierno. Y me centro en un momento concreto que es cuando baja la marea y emerge esta maravillosa isla rodeada de fango.

La mayoría de los proyectos de Juan del Junco parten de lecturas previas, en este caso del libro WILD ANDALUSIA (1967). Al amor de su madre por la literatura y el arte, se unía la espectacular biblioteca de ornitología de su padre. «Esos libros de aves de los 70 y los 80 apenas tenían fotografías y la mayoría ni siquiera estaban traducidos al castellano, así que esas imágenes se convirtieron en mis referentes visuales. Hace tres años, revisitando WILD ANDALUSIA me di cuenta de que esos libros eran coetáneos a todos los trabajos de los conceptuales de los 70 y empecé a hacer analogías».

Artistas de los 70 y libros científicos, ¿son estos sus principales referentes?

En mi obra son realmente importantes todos los fotógrafos anónimos y los dibujantes que aparecen en los libros y guías de aves que he tenido en mis manos desde pequeño. Me doy cuenta de que no existe una diferencia muy grande entre las fotografías científicas de paisajes y aves que publicaban en los años 70 en la revista científica Ardeola -casi fallidas y mal impresas- y las formas que busco a veces. Por otro lado, adoro a artistas como Richard Long, Douglas Huebler, Robert Smithson, Baldessari, Jan Dibbets, Hans Peter Feldman, Walker Evans, Jeff Wall o Dan Graham. Son muchos los que me han influido de una u otra manera.

Utiliza siempre la fotografía como medio, a veces el vídeo, ¿con qué técnica se siente más cómodo?

Sin duda con la fotografía. Mi forma de trabajar es muy solitaria y cuando hago fotos no necesito contratar a técnicos (exceptuando para la impresión); sin embargo con el vídeo necesito un montador, un técnico de sonido, etc. Mi asignatura pendiente es aprender a editar porque yo creo que es esa soledad creativa la que me permite ser parte del paisaje, ver en silencio los resultados y crear algo nuevo como fin del ciclo que empieza en ese entorno.

Hablemos de las imágenes de esta nueva serie de los fangales. Podemos ver tres niveles de paisaje: el del propio fangal y los objetos que quedan atrapados en él, el horizonte que nace en el mar y el plano del cielo por el que vuelan los pájaros. ¿Cuál de estas capas le interesa más?

Las tres, aunque todos ellas me afectan de diferente manera. El fango -pese a simbolizar algo negativo, porque te atrapa y dificulta el movimiento - es muy estético en sí mismo. El mar es mi último descubrimiento desde que vivo en Cádiz, es a veces tranquilizador, y a veces amenazante y tiene, además, una avifauna propia. El cielo con las aves lo es todo para mí, es mi memoria y mi acceso a una información privilegiada. Me encanta saber identificar los distintos tipos de aves y conocer sus nombres científicos.

De hecho en muchos de los encuadres o en la manera de inventariar las distintas especies de aves, su obra se acerca mucho a lo científico, ¿se siente cómodo con esa etiqueta?

No me incomoda, todo lo contrario. A mis alumnos siempre les he dicho que un artista y un científico tienen mucho en común. Ambos aman su trabajo, se obsesionan con ideas, intentan conocer lo que les rodea, ordenar el mundo y demostrar sus propias teorías. El científico se apoya en el método empírico y el artista en múltiples fórmulas, desde la libertad más absoluta hasta el artificio en un tour de force final imprevisible.

¿Qué va a ser lo próximo? ¿damos esta serie por terminada?

Todavía no, tengo mucho material -negativos de 35 mm en blanco y negro- por revisar. He empezado un vídeo sobre gaviotas que forma parte de esta serie Invierno, mar y fango y quiero seguir trabajando en Colombia, donde estuve con las Ayudas a la Videocreación de la Fundación BBVA.


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Literatura / Estados Unidos: El asesino de «A sangre fría» escribió su relato de la matanza

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Truman Capote conoció la existencia del texto de Richard Hickcock y lo silenció. Medio siglo después, el manuscrito ha sido redescubierto en Estados Unidos (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).-Truman Capote tuvo competencia en el corredor de la muerte. Antes de ser ahorcado, Richard Hickock, uno de los dos asesinos retratados en su novela A sangre fría, escribió su propia versión de la matanza de la familia Clutter. Pero el texto, de unas 200 páginas, nunca llegó a publicarse. Mientras la reconstrucción de Capote, símbolo máximo del Nuevo Periodismo, alcanzaba la gloria, el relato que hizo el criminal sobre los mismos hechos se perdió en la corriente de los días. A ello contribuyó el propio Capote. Megalómano y ferozmente competitivo, al conocer la existencia del manuscrito intentó comprarlo y, tras fracasar, lo silenció. Durante medio siglo, la versión del asesino permaneció olvidada hasta que una investigación de The Wall Street Journal la ha vuelto a sacar a la luz. Jan Martínez Ahrens reporta desde Washington para El País.

En el escrito, Hickock se sumerge en la noche del 15 de noviembre de 1959 con la misma frialdad que en la novela de Capote. No hay arrepentimiento ni ocultación. Detalla el terror de los Clutter, padre, madre y dos hijos adolescentes, al verse sorprendidos en su solitaria granja de Holcomb (Kansas), y cómo él y su compañero Perry Smith los engañaron hasta el último momento asegurándoles que no les pasaría nada. «Me gustaría ver al embalsamador tapar ese agujero», recuerda Hickcok que dijo después de que Kenyon Clutter, de 15 años, recibiese un tiro en el rostro.

La gran diferencia entre ambos relatos radica en el móvil. En su reconstrucción, según la copia a la que ha tenido acceso el diario estadounidense, Hickcock sostiene que fue un crimen por encargo. No ofrece muchos detalles. Un tal Roberts y 10.000 dólares de pago. Esta versión choca con la asumida por el juez, y por Capote, que establece que Hickock y Perry acudieron a la granja convencidos de que el padre ocultaba 10.000 dólares. Al no hallarlos, acabaron con toda la familia.

Un texto sensacionalista

La propia personalidad de Hickock, un pederasta que se divertía atropellando perros en las autopistas, y la falta de elaboración del argumento restan credibilidad a este móvil alternativo. «Hickock se desencantó con Capote. Cuando el escritor empezó a visitarle en la cárcel, creyó que le iba a ayudar. Y cuando vio que no, buscó su propia vía para ganar dinero. Yo no me creería nada de Hickock, ni pienso que el manuscrito aporte nada significativo a lo publicado por Capote», afirma Ralph Voss, profesor de la Universidad de Alabama y autor del referencial estudio Truman Capote y el legado de A sangre fría.

Ya condenado a muerte, el asesino entregó su texto a un periodista de Kansas llamado Mack Nations. Este manejó dos copias. La primera la envió en 1962 a un abogado de la fiscalía. La otra, después de una corta reelaboración, la remitió a la editorial Random House. Ninguno de los dos intentos prosperó. La fiscalía hizo caso omiso del documento. «No me extrañaría que incluso le conminasen a que no publicara nada», indica Voss. Y la editorial, que había firmado un contrato con Capote, le devolvió el texto.

Alertado de lo que ocurría, el escritor se movilizó. Su novela aún no se había publicado y circulaba un texto del propio asesino. Horrorizado por la posible competencia, Capote trató por todos los medios de hacerse con el manuscrito. Se entrevistó con Hickock e incluso llamó por teléfono a Nations para comprarlo. No tuvo éxito, pero la casualidad jugó a su favor.

Justo en esas fechas, Nations fue detenido por evasión de impuestos y soborno. Lo único que llegó a salir publicado de Hickock fue un resumen en una revista ya extinta. «Lo leí y era un texto sensacionalista y de poco valor», indica Voss. A partir de ahí los hechos se precipitaron. El 14 de abril de 1965, Perry y Hickock fueron ahorcados con 38 minutos de diferencia en la penitenciaria estatal de Kansas. Al año siguiente, A sangre fría alcanzó fama mundial. Y en 1968, Nations murió en un accidente de coche. La única copia que sobrevivió fue la que el abogado de la fiscalía legó a su hijo.

Capote nunca hizo referencia al escrito. Como muchas cosas en su obra, las dejó en la oscuridad. «Moldeó la realidad a su narrativa y evitó la parte homosexual de la historia, la relación entre Perry y Hickock, porque sabía que era contraria a sus deseos de lograr un best seller. Pero eso no quita valor a la novela. 58 años después, usted y yo seguimos hablando de los Clutter», señala Voss. La familia del abogado no ha hecho público qué piensa hacer con el manuscrito. De momento, nadie quiere la obra de un asesino.

De la prensa a la novela y el cine 

En 1959, una familia de cuatro miembros, el matrimonio Clutter y sus dos hijos adolescentes, mueren asesinados en Holocomb, Kansas.

Tras leer la noticia Harper Lee, la autora de Matar a un ruiseñor, decidió acompañar a Truman Capote a hacer entrevistas.

Los dos asesinos buscaban 10.000 dólares.

Aunque no los encontraran cometieron el crimen. Fueron detenidos en 1960. Capote asistió al juicio y compró las grabaciones.

A sangre fría se publicó en 1966 y un año más tarde fue llevada al cine por Richard Brooks.


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Teatro / Ciudad Juárez: Anuncian actividades por el Día Mundial del Teatro

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Cartel publicitario. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).- Los próximos 26 y 27 de marzo conmemorarán el Día Mundial del Teatro en Ciudad Juárez. Informa Comunicación Social de la Subsecretaría de Cultura.

La puesta en escena de la obra Fuente Ovejuna será una de las actividades por la celebración del Día Mundial del Teatro, durante el 26 y 27 de marzo en el Centro Cultural Paso del Norte.

Daniel Miranda Cano, director de Desarrollo Cultural e Infraestructura de la Subsecretaría de Cultura en la Zona Norte, informó que el próximo domingo 26 de marzo se tendrán actividades desde las 12 del mediodía.

Las actividades continuarán el lunes 27 de marzo, oficialmente el Día Mundial del Teatro, por lo que se contará con la presencia de la primera actriz mexicana Luisa Huerta, dijo.

«Se le ha pedido a un artista a nivel internacional que haga una carta en conmemoración del Día Mundial del Teatro. Para el lunes 27 tendremos la presencia de Luisa Huerta, que forma parte del electo de la Compañía Mundial del Teatro», comentó.

Expuso que el lunes por la noche se presentará la obra Fuente Ovejuna y se hará lectura de la carta por el Día Mundial del Teatro, con la presencia del maestro Ernesto Ochoa, quien recientemente fue nombrado «Creador emérito», debido a su trayectoria como formador y teatrista.

«El teatro debería seguir siendo una fiesta porque es el reflejo que las sociedades tenemos para vernos a nosotros mismos. Queremos que no nomás sea nuestra fiesta sino que la comunidad también y se sume a este esfuerzo», añadió Miranda Cano.

Refirió que el domingo también se hará la presentación del documental por los 25 años de la Muestra Estatal de Teatro, en la Cineteca Nacional Juárez del Centro Cultural Paso del Norte.

El director de Desarrollo Cultural e Infraestructura de la Subsecretaría de Cultura en la Zona Norte señaló que este documental es parte de la muestra estatal de teatro que hay en Chihuahua, en el que se elige una obra ganadora y se reconoce el esfuerzo de actores que este año será en Ciudad Juárez.

Domingo 26 de marzo 2017

· 12:00 pm - Presentación de la obra: El rincón de los monstruos de Eduardo Díaz; Huitzilin, teatro de títeres, ambos en el Parque Central “Hermanos Escobar” poniente.

· 2:00 pm - Presentación de la obra: Viaje interrumpido de Marco Antonio García con el grupo de teatro Sigma, en la sala experimental Octavio Trías del Centro Cultural Paso del Norte.

· 6:00 pm - Presentación de la obra: Un mal día de Fianto Duri producciones, en la sala experimental “Octavio Trías” del Centro Cultural Paso del Norte.

· 7:30 pm - Presentación del documental: 25 años de la muestra estatal de teatro chihuahua

Lunes 27 de marzo 2017

12:00 pm – Plática con Enrique Singer, director de la Compañía Nacional de Teatro, y Luisa Huertas actriz de la compañía nacional de teatro y directora de CU voz, en la sala experimental “Octavio Trías” del Centro Cultural Paso del Norte.

8:00 pm - Presentación de la obra de teatro: Fuente Ovejuna, Telón de Arena, en la sala experimental “Octavio Trías”. La clausura del evento será con la lectura de la carta del Día Mundial del Teatro, tras finalizar la presentación de Fuente Ovejuna.


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Teatro / Ciudad Juárez: La UACJ invita a los festejos del Día Mundial del Teatro

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Cartel publicitario. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 23 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).- La Universidad Autónoma de Ciudad Juárez invita a las actividades para conmemorar el Día Mundial del Teatro 2017.

Como parte de los festejos por el Día mundial del teatro, la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez invita a la conferencia Herramientas de la dramaturgia contemporánea por Hugo Wirth el lunes 27 de marzo a las 6:00 p.m. en el Mezanine del Centro Cultural de las Fronteras. Wirth es dramaturgo, director de escena, guionista, editor y periodista cultural, nacido en la Ciudad de México en 1981. Ha realizado estudios en arte dramático y dramaturgia con reconocidas personalidades de las artes escénicas, como José Sanchis Sinisterra, Marco Antonio de la Parra, Antonio Álamo, Raúl Quintanilla y David Olguín, entre otros. Su obra ha sido premiada en tres ocasiones a nivel nacional en categoría abierta, además de ser publicada y reeditada varias veces. Fundador y director de El manatí rosa, colectivo escénico, desde 2010. Es subdirector de Paso de gato. Ediciones y producciones escénicas, y editor de Paso de gato. Boletín mensual de teatro desde 2007. Ha sido becado por la Fundación para las Letras Mexicanas y por el Programa Jóvenes Creadores del FONCA. También por el Goethe Institut para llevar a cabo una residencia en Alemania. Cursó el Diplomado Nacional de Estudios en Dramaturgia del INBA y fue relator de la misma en su segunda edición. Es docente de Composición Dramática y Teatro en la Escuela de Escritores de la Sociedad General de Escritores de México (SOGEM).

Continuando con la celebración, el sábado 01 y domingo 02 de abril en el Teatro Gracia Pasquel a las 7:00 p.m. se presentará la obra invitada Las penas saben nadar de Abelardo Estorino, dirección de Marcial Salinas y con la actuación de Sandra Muñoz. Este texto nos presenta a una actriz que irrumpe en un festival de monólogos, al que no se ha inscrito, para presentar La voz humana de Jean Cocteau. Mientras se prepara, narra sus frustrantes experiencias en el medio teatral, los problemas por los que tuvo que pasar para lograr su vocación, sus sueños no cumplidos, sus fallidas relaciones amorosas, la soledad en la que vive, su fracaso como actriz y la falta de valor para aceptar sus decisiones.

Terminamos con la puesta en escena El amor es un francotirador, por el grupo Universitario de Teatro bajo la dirección de César Cabrera. La obra es una ruleta rusa de suicidas enamorados; la organizadora del juego es una niña de once años y hay seis jugadores como las seis balas del revólver (el tímido, la belleza, el boxeador, la chica del campo, el Don Juan, la stripper). Y además, una mini banda de rock que toca durante el juego. Es un álbum de biografías con confesiones, canciones, concursos de llanto, besos, peleas de box, reconstrucciones de sueños, coreografías. Como un sueño que se repite siempre igual pero con variaciones. Este espectáculo teatral es una adaptación de un texto de la dramaturga argentina Lola Arias. Sábado 08 y domingo 09 de abril a las 7:00 p.m. en el Centro Cultural de las Fronteras


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Cine / España: Martin Scorsese patrocina un ciclo de obras maestras polacas

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Ewa Krzyzewska y Zbigniew Cybulski, en un fotograma de Cenizas y diamantes, de Andrzej Wajda. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 23 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).-Dice la leyenda que en los años ochenta, cuando no existía Internet ni comunicación digital (sí, eso ocurría), el estadounidense Martin Scorsese y el francés Bertrand Tavernier, directores de cine, íntimos amigos, estudiosos y tan cinéfilos como cinéfagos, se enviaban películas en VHS en los vuelos París-Nueva York. En realidad, la leyenda dice que aprovechaban el Concorde, pero eso entraría en la categoría de mito. Gregorio Belinchón reporta para El País.

Lo que sí es cierto es que la pasión de Scorsese por el cine no conoce límites: todo lo ha visto y todo lo conoce. De ahí que en 1990 creara The Film Foundation, organización para preservar y exhibir cine clásico, la más importante del mundo en esa labor. Desde su creación, ya han restaurado más de 750 películas, además de dar charlas y proyecciones a estudiantes.

Su labor no se circunscribe al cine estadounidense y europeo occidental. La división World Cinema Project, de The Film Foundation, lleva restaurados 28 títulos procedentes de África, Asia, Europa del Este, Centro y Sudamérica, Asia y Oriente Medio: se pueden alquilar en su web para proyecciones por todo el mundo. Su última iniciativa, crear African Film Heritage Project junto a la federación de cineastas africanos: ya hay seleccionadas 50 películas con las que empezarán a trabajar.

Puertas y patrocinios

Todo, bajo el paraguas de Scorsese, lo que abre muchas puertas y logra un montón de patrocinios. Y eso fue lo que pasó a inicios de diciembre de 2011, cuando el neoyorquino viajó a Polonia a recibir el doctorado honoris causa de la Escuela Nacional de Cine de Lódz, cuna de la hornada de grandes directores polacos de los cincuenta y sesenta, agrupados bajo la denominación de Escuela Polaca o el cine de la inquietud moral: Jerzy Skolimowski, Roman Polanski, Krzysztof Kieslowski, Krzysztof Zanussi, Andrzej Wajda o Andrzej Munk. Fue una explosión de talento que aún hoy asombra a Scorsese. De ahí que el cineasta fuera encantado a Lódz, invitado por Wajda. Y allí se reunió con Jedrzej Sablinski, experto en digitalización cinematográfica de la empresa Kino RP, que estaba realizando esa labor de forma privada. En aquel momento ya llevaban 70 filmes restaurados —hoy han sobrepasado los 120— y de esos, Scorsese escogió 21 (después añadió tres más) que bajo su amparo se estrenaron en el Lincoln Center en Nueva York en 2014, y tras su éxito viajaron a varios países angloparlantes.

Ayer en la Academia de Cine, Sablinski y Zanussi, como restaurador y homenajeado, introdujeron Martin Scorsese presenta: obras maestras del cine polaco, que se verá en Madrid, Córdoba, Barcelona, Oviedo y Valencia. «Tuvimos mucha suerte con que Scorsese apoyara nuestra iniciativa», cuenta Sablinski, que en España estará representada por nueve obras maestras como Cenizas y diamantes y La tierra prometida, de Wajda; El azar y No matarás, de Kieslowski, o Constans, de Zanussi. Como dice Scorsese en el vídeo de presentación, «son películas comprometidas socialmente, con una responsabilidad poética». Y continúa: «Cada filme encarna lo que Wajda ha llamado ‘la descarada libertad creativa en el cine’. Son películas [...] cuya complejidad hace que las descubramos una y otra vez. Sus historias me afectaron profundamente».

Sablisnki confiesa que la primera película que restauraron en 2007, The Hourglass Sanatorium (1973) de Wojciech J. Has, tuvo ocho espectadores en su estreno. «Con Scorsese todo cambió. Es un sello que significa mucho». Como apuntaba el ex director de la Seminci Fernando Lara en el acto, «ojalá hubiera algo así en el cine español, patrocinado o no por Scorsese».


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Literatura / Entrevista a John Banville

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El escritor regresa a las librerías con lo nuevo de Benjamin Black, su alter ego «noir». En Las sombras de Quirke (Alfaguara), la reflexiva prosa de Banville mantiene su idilio con el género al servicio de una trama articulada en torno a secretos del pasado. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de marzo de 2017. (RanchoNEWS).- Mesurado a la par que contundente en sus opiniones, una ancha sonrisa y una copa de vino blanco son las armas con las que John Banville (Wexford, Irlanda, 1945) afronta las entrevistas. Alabada de sobra su prosa, ante la que empalidecen los calificativos, y ya desenmascarado su desdoblamiento de personalidad a la hora de ser «el artesano» Benjamin Black, el escritor alterna entre uno y otro a la hora de responder a cuestiones sobre la literatura, el pasado, el papel histórico de la Iglesia o la Irlanda de ayer y de hoy. Temas, muy al hilo de la última novela del seudónimo banvilliano, Las sombras de Quirke, una nueva profundización en el castigado personaje del forense, cuyo pasado volverá a buscarle envuelta en una antigua trama criminal y personal de la que parece no poder escapar. Black y Banville en estado puro, aunque el Premio Príncipe de Asturias reconoce en el fondo no ser ninguno de los dos. Andrés Seoane lo entrevista para El Cultural

Asegura que al levantarse de la silla ya no es el escritor que escribe los libros, ¿con quién hablo entonces?

Sí, es cierto. El escritor no existe a no ser que esté sentado en mi escritorio. Cuando me levanto, el John Banville escritor deja de existir y me convierto en un ciudadano, en un padre, en un esposo, en todo lo común. Es un negocio muy extraño el del escritor. Al menos una vez al día me detengo y me pregunto por qué estoy haciendo algo tan ridículo, soy un adulto escribiendo cuentos e historias. Pero llegados a este punto de la vida ya no puedo hacer otra cosa.

Ha dicho que le gustaría no haber revelado que es Benjamin Black, ¿realmente no cree que le delatan aspectos de la escritura como la trama cuidada o la profundización en los personajes?

¿Crees que la gente habría sabido que era yo? Quizás es que Black está empezando a contaminarse por Banville. Tenía que haber dicho que no era yo, me hubiera gustado ver qué pasaba. Hay una escritora de novela negra en Irlanda, Tara Flynn, que no concede muchas entrevistas, y un amigo ha lanzado el rumor de que soy yo.

Le gustaría escribir una novela negra sin crimen. En esta entrega, la trama resulta un poco secundaria frente al desarrollo del personaje de Quirke, ¿cada vez se acerca más a este objetivo?

En En busca de April, el personaje principal, April, se supone que ha sido asesinada, pero no encuentran su cuerpo, así que un día voy a traerla de nuevo a una novela de Black, lo que quiere decir que habré logrado este objetivo retrospectivamente, una novela de crimen sin crimen (sonríe). Hay una cita de Raymond Chandler que dice: «No me importa quién mató a quién, lo importante es el estilo». En uno de mis libros no supe quién era el asesino hasta la penúltima página, pero no me importaba tampoco. No creo que la gente lea novela negra por el propio crimen, sino por el placer de que alguien les cuente una historia, para vivir a través de sus personajes y, en algunos casos, como el de Chandler, por la belleza de la escritura.

¿Cuánto hay de nostalgia en esa vuelta a la Irlanda de los años 50, a esa Irlanda de su infancia?

Hay mucho de eso, sí. Todos estos libros tienen lugar a mediados de los 50, cuando yo tenía unos 10 años. Cuando empecé a escribir estos libros era muy entretenido para mí volver a aquella época y ver cuánto era capaz de recordar. Es extraordinario lo que podemos recordar si realmente nos concentramos. Pero también tuve que hacer un pacto conmigo mismo de que nunca daría a mis personajes el beneficio de mi ansiedad, de mi conocimiento del hoy. En otras palabras, la gente de aquella época no sabía lo que iba a ocurrirle al mundo, y es muy difícil escribir sobre personas que no saben que va a haber teléfonos móviles, que la Iglesia Católica va a perder su poder. Es difícil, pero técnicamente es muy interesante. No me gustan los escritores que no se preocupan de esto. Hace poco leí una novela ambientada a finales del siglo XIX en la que un personaje decía «What's not to like?», una expresión que nadie usaba entonces, que es de los últimos años. Quise escribir al autor y decirle: "eres estúpido o qué, nadie decía eso en aquella época". Esa especie de dejadez no me gusta.

Hablaba del pasado porque en la novela su pasado planea sobre Quirke una vez más, ¿nunca podemos escapar de él?

El pasado es lo que nos ha hecho lo que somos. Estamos sobre una montaña que crece cada vez más y más alto a medida que acumulamos experiencias vitales. Es de dónde venimos y todo lo que sabemos, porque no podemos conocer el futuro y el presente no existe. ¿Qué es el presente? Es ahora, ahora, ahora... siempre vivimos en el pasado. Pero también estoy convencido de que en realidad no recordamos, sino que imaginamos el pasado. Y los neurocientíficos por fin están de acuerdo conmigo en algo. La teoría actual de los recuerdos asegura que no registramos eventos, lo que hacemos es crear una especie de modelo de los eventos que es lo que llevamos con nosotros. Vivimos totalmente en el pasado. Lleva un tiempo infinitésimamente pequeño que mis ojos se encuentren con tus ojos, ambos somos ya un pasado para el otro. Un pensamiento extraño, ¿no?

Pecados, tabaco y alcohol, un gran marco para la novela negra, ¿qué queda hoy de esa Irlanda?

Sin lugar a dudas, el alcohol. Seguimos bebiendo a gran ritmo. Hay una película de Maryl Streep en la que acusa a su madre de ser una alcohólica, y ella le responde: «no soy alcohólica, bebo como un irlandés». La gente en Irlanda lo entendió claramente. No somos alcohólicos, simplemente bebemos mucho. Una amiga mía italiana estaba en Dublín escribiendo para una revista de viajes y me decía: «he descubierto algo, el alcohol para los irlandeses es como el sol para la gente del sur». Y tiene toda la razón. Vosotros os levantáis por la mañana y hay sol, y nosotros nos levantamos, tomamos algo de beber y entonces ya está todo bien, igual que el sol.

¿Pero, por ejemplo, la Iglesia mantiene ese peso social?

El poder de la Iglesia ha desaparecido. Puede que vuelva si todos estos «virus» que van a destruir el mundo se manifiestan, pero nunca volverá a tener el tipo de poder de cuando yo era niño. Su poder era absoluto, y no exagero, ningún político lo retaba. Cuando era niño los curas eran como príncipes, podían hacer lo que quisieran y todos tenían amantes o novios. Las peor paradas eran las monjas, que estaban recluidas y se volvían locas. Ahora miro hacia atrás y me cuesta creerlo.

¿Tras estos cambios profundos, cómo es vivir en esta Irlanda actual?

En Irlanda vivo en un exilio interior. Mi mujer es americana y vivíamos en Londres, pero nos mudamos a Irlanda en los 60 para estar un par de años. Y hasta hoy. Me gusta, me encanta el clima, es perfecto, nunca hace demasiado calor ni demasiado frío, tenemos esa especie de luz plateada preciosa. Y podemos vivir fuera del sistema. No hemos bautizado a nuestros hijos, nuestros amigos no son religiosos, así que vivimos en una especie de capullo. Irlanda es un país bueno para vivir si te mantienes fuera del sistema, si ignoras a la Iglesia y no te interesa la política. Es un país muy bonito para criar niños, porque es seguro. Si ahora fuera joven me iría a vivir a Australia, pero sin duda no me quedaría en Irlanda. De hecho tengo una mejor reputación en España que en Irlanda.

Precisamente en la Irlanda que retrata existen muchos puntos en común con la España de entonces, donde también hubo multitud de, por ejemplo, casos de bebés robados, ¿cree que es algo común al mundo católico?

Esa es la razón por la que estos libros son tan populares y famosos aquí. Los españoles detectan ecos de su propia historia. Aunque quizá aquí la Iglesia no llegó a tener tanto poder. En las zonas rurales de Irlanda las iglesias están incluso hoy llenas de gente, lo que me parece extraordinario. La iglesia católica siempre fue muy inteligente, escudándose en que un papa malo no hace una iglesia mala. Y también con todo eso de cultivar el perdón. Hagas lo que hagas siempre puedes ser perdonado, es maravilloso. A quién se le ocurrió esto era un genio, San Pablo o quien fuera. Este genio increíble que montó todo este tinglado del cristianismo. Nietzsche decía: «solo ha habido un cristiano, y se murió en la cruz».

Dice Colm Tóibín que Irlanda exporta escritores igual que otros países estrellas de rock. ¿Es duro, una presión extra, ser escritor en Irlanda?

Sí, es muy difícil tener tantos gigantes detrás de ti, que yo comparo con las grandes estatuas del este de Irlanda. Son enormes y tú eres muy pequeñito. Pero también es un regalo tener esta tradición tan maravillosa. Es algo de lo que podemos estar orgullosos en Irlanda, nuestra tradición literaria. Qué bien que estoy diciendo esto, porque la embajada lo va a leer y no me puedo meter en problemas otra vez. Me metí en un gran lío en una ocasión en que, tras uno de estos escándalos de abuso infantil, el New York Times me pidió que escribiera un artículo, que empecé diciendo: «todo el mundo lo sabía, todos sabíamos lo que estaba pasando», y al gobierno no le gustó nada esto. Criticar Irlanda dentro de Irlanda está aceptado, pero fuera no. Por eso soy un exiliado interno.

Toca una pregunta espinosa. ¿La concesión del Nobel a un anglosajón le aleja de las quinielas?

No tengo ni idea de cómo lo hacen. Es una de las pocas organizaciones del mundo cuyo funcionamiento es absolutamente secreto. Nadie sabe nunca que es lo que va a pasar. Yo les admiro por este secretismo. Si se diera el Premio Nobel en Irlanda todo el mundo lo sabría mucho antes. Tan pronto se diera todo el mundo sabría ya quien será el ganador del siguiente año. Uno de mis planes para una novela negra trataba sobre un escritor que sonaba como uno de los diez finalistas del Nobel, y viaja por el mundo matando a los otros nueve. Pero al final el premio se lo lleva alguien de quien no se ha oído hablar nunca, así que todas las muertes han sido en vano. Quizás la escriba algún día.

Para terminar, una de política. Dentro de la debacle que supone el Brexit, ¿puede significar, como ya se comenta, la reunificación de Irlanda?

Puede ser que se unifique Irlanda, pero habrá mucha gente en el Norte quizás inicie una guerra de la misma forma que lo hizo el IRA, porque hay quien está comprometido con su pertenencia al Reino Unido. Aunque el IRA suponía que el norte quería ser parte de Irlanda, en realidad fue una guerra relacionada con territorio y poder, no con esa idea. En realidad nadie del IRA se preocupaba de la unificación, tal y como vimos cuando terminó la guerra y les permitieron robar más de 25 millones de libras del banco. En Bulgaria hay una zona turística en la costa del mar negro llena de irlandeses con casas de vacaciones... Creo que sería algo positivo porque lo que perdimos en la división del país fue una voz protestante del norte, una voz muy fuerte y muy protestante que hubiera atemperado el catolicismo exacerbado. Lo que deberíamos hacer es tener una Irlanda unida con la capital en Belfast, como decía Roger Casement.


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