Rancho Las Voces

Artes Plásticas / Ciudad Juárez: Exponen «Voces de la Pintura» en el Museo de Arqueología de El Chamizal

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Publicidad del evento. (Foto: IPACULT)

C iudad Juárez, Chihuahua. 19 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).- El Museo de Arqueología de El Chamizal, nos informa sobre su próxima exposición Voces de la pintura segunda edición. Esta muestra plástica es acompañada por textos de escritores. Esta dupla expositiva de 56 pinturas e igual número de escritos, será inaugurada el jueves 21 de septiembre a las 7:00 PM.

Sobre este ejercicio colectivo en su segunda edición los organizadores nos comparten su concepto en el siguiente texto:

Oportunidades únicas que antes que cualquier otra cosa se agradecen, ideas van y vienen para innovar en el arte, algunas solo quedan en las ganas de haberse hecho, otras se llevan a cabo, en ocasiones no encuentras como empezar o como aterrizas tu nueva idea, pero llega un momento que escuchas una voz en tu interior que te guía y te lleva a las personas correctas, a los lugares indicados, y esa gran idea que nacía en tu pensamiento hoy la puedes ver sentir y compartir, el arte es admirado por muchos y olvidado por otros tantos, es hasta cierto punto ignorado, olvidado y guardado, hasta que nos damos cuenta que sin arte una ciudad, estado o país no tendría cultura representativa, no tendría sus orígenes plasmados o escritos por hombres y mujeres que han dedicado su vida o parte de ella a mostrar al mundo de qué están hechos, su historia en cultura.

El arte de la pintura y literatura hoy van de la mano, la oportunidad llega, gracias a la iniciativa de la Sociedad Literaria y Cultural de Estado de Chihuahua (SOLCECH) haciendo extensiva su invitación a pintores de la academia Renacimiento Kids en Ciudad Juárez, Amigos Tierra y Sol de Casas Grandes, y otros municipios del estado y así, aterrizar a idea de poner voz a la pintura, una pintura muda, necesitada de ser escuchada, y quien mejor que un escritor plasmando un sentimiento, una emoción, un texto, donde con su inspiración es capaz de hacer hablar a la imagen que permanecía dormida en un lienzo, y así llevar al mundo lo que su pluma fue capaz de decir, y el espectador adentrarse a la aventura fascinante de la imaginación, y lograr con sus letras lo que nadie más puede hacer, dejar en un papel el texto tan singular, que lo adentró a caminar por un lugar incierto, pero tan capaz de crear una historia tan real, como en el vaivén de su mano al dejar su propio relato sobre una pintura que lamas había sido escuchada. Y así de la mano pintura y textos irán por el mundo entrelazados por su propia historia, que nació con las ganas de ser exhibido, admirado, escuchado, y esperar siempre encontrar puertas abiertas, para dejar demostrado que la pintura y el texto unidos, siempre sarán voces a la pintura.

Y el pintor sorprendido y emocionado ve con sus propios ojos como en un texto queda escrito parte de su subconsciente, de sus emociones, de su alma, de lo más profundo de su ser, aun sabiendo que cada espectador tiene su propia historia sobre su pintura, su propia perspectiva sobre lo que ve, el pintor que queda eternamente agradecido de haber encontrado quien pudiera plasmar sobre un papel con su pluma voz a su pintura.

Participantes el nombre de la izquierda corresponde al pintor y el de la derecha al escritor.

1.-María Elena Sáenz---María Guadalupe Jaramillo Ollervides

2.-Amelia Márquez------Socorro Gutiérrez

3.- Carmen Tapia-------José Carmen Gutiérrez González

4.-Cecilia Briones-----Rafael Gutiérrez Cereceres

5.-Consuelo Ramos Delgadillo-----Abel Adrián Fernández Morales

6.-Eréndira García Fratta------Leonor Montes Hernández

7.-Esther Hernández------------Azucena Rosales Chávez

8.-Garetta Santiesteban--------Nohema Chávez

9.-Geo Gámez-------------------Diana Espinal

10.-Guadalupe Delgado----------Javier Armendáriz Cortez

11.-Guadalupe Rodríguez--------Guadalupe de Jesús Morales Salazar

12.-Hilda Martínez-------------Jorge López landó

13.-Imelda Mendoza-------------Víctor Guerrero Fernández Morales

14.-Isabel Fuentes-------------Dinora Amador

15.-Julieta Chacón-------------Eva Cristina Perez Alvarez

16.-Laura Rodríguez------------Melba Gutiérrez Mena

17.-Lily Tapia-----------------Blanca Celene Ríos Tiscareño

18.-Lucila Sandoval------------Maciel “Mega Poeta”

19.-Alejandra Del Pino---------Mercedes Gutiérrez Ibarra

20.-Marisa Bautista------------Anabella Rodríguez

21.-Miriam Ramos---------------Isacc Vera Alba

22.-Patricia Emilia Escoto-----Elsa Solorio Maese

23.-Rosa Ana Morones-----------Reina Castro

24.-Rosalinda González---------Carlos Bueno Pasillas

25.-Rosario Andrade------------Juan José Montiel Montiel

26.-Verónica Hernández---------Yesenia Esmeralda Moreno Ceniceros

27.-Verónica Sánchez------------Maribel Pérez Pérez

28.-Victoria Lozano-------------Fernanda del Pilar Bonilla

29.-Camis Villagran-------------Yolanda Greco

30.-Chita Chinolla--------------Elena Araceli Romero Romero

31.-Claudia Chacón--------------Víctor Meza

32.-Elizabeth Chinolla----------Ana Cristina Flores Castañeda

33.-Eva Soria-------------------Juan Carlos Figueroa

34.-Gladys Carrillo-------------Juana María Alarcón Rosales

35.-Manuel Piña-----------------Rosario Martínez

36.-Maricarmen de la Torre------Nancy Cruz

37.-Nora Rodríguez Jiménez------José Luis Vega Arce

38.-Soraya Xóchitl Cardoza------Emilio Gutiérrez de Alba

39.-Yazmin Saldívar-------------Paola de la Mora

40.-Verónica Hernández----------Cleo Gordoa

41.-Ludivina Quevedo------------Jaime Homero Márquez

42.-Imelda Lucia Mendoza--------Blanca Célere Ríos Tiscareño

43.-Bertha Lara-----------------Elizabeth López García

44.-Jeniffer Hernández----------Guadalupe de Jesús morales Salazar

45.-Laura Rodríguez-------------Elsa Solorio Maese

46.-Eréndira García Fratta------Hebert Alamo

47.-Ludivina Quevedo------------Claudia Anguiano

48.-Daniel Núñez Treviño--------Daniel Núñez Treviño

49.-Guadalupe Delgado-----------Nancy Cruz

50.-Esther Hernández------------Lucina Solorio Maese

51.-Verónica Sánchez------------Brisa Jaqueline Hernández Irigoyen

52.-Patricia Emilia Escoto------Ricardo Fernández Aguilar

53.-Manuel Piña-----------------Martha Isela Mendoza Luna

54.-Georgina Gámez--------------María Guadalupe Jaramillo Ollervides

55.-María Elena Sáenz-----------Jesús Daniel Hernández Irigoyen

56.-Miriam Ramos----------------Eva Cristiana Pérez Alvarez


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Convocatoria / Ciudad Juárez: «Gis Arte»

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Publicidad del evento. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 19 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).- El Gobierno Municipal 2016 – 2018. A través del Instituto para la cultura del municipio de Juárez

CONVOCA

A participar a artistas emergentes o con trayectoria, miembros de la sociedad civil y/o asociaciones civiles al evento y competencia de arte titulado:

GisArte

BASES 

EVENTO: Sábado 21 de octubre de 2017
FECHA LIMITE DE INSCRIPCION: Lunes 16 de octubre de 2017 a las 15:00 hrs
HORARIO DE REALIZACIÓN: 7:00 hrs a 19:00hrs
LUGAR: Corredor peatonal de Centro Histórico (Av. 16 de Septiembre y Mariscal).

1. Podrá participar cualquier persona mayor de 18 años de forma colectiva (mínimo 2 personas máximo 5).

2. Para inscribirse es necesario llenar el formato de inscripción y entregar el boceto de la obra a realizar de manera presencial en las oficinas del Centro Municipal de las Artes (Av. Ignacio Mariscal No. 105) o en las oficinas del Museo de Arqueología de El Chamizal (Avenida Carlos Pellicer No. 1, Parque público El Chamizal) la inscripción es de forma gratuita (CUPO LIMITADO).

3. Las obras tendrán como soporte el adoquín del corredor del centro histórico en un espacio de 1.5m x 1.5m previamente asignados por los organizadores el evento. El tiempo para comenzar y concluir la obra es de las 7:00 a 19:00.

4. Solo podrán competir aquellos individuos o colectivos que realicen la obra que previamente les fue autorizada y realicen sus trabajos con gises de distintos colores.

5. Los participantes podrán acudir a un taller para el manejo de la técnica con gises que se impartirá el día (...) en el Centro Municipal de las Artes.

6. El jurado estará formado por autoridades del IPACULT, UACJ y artistas reconocidos a nivel internacional, la decisión de estos será inapelable.

PREMIOS

Se otorgaran tres premios los cuales consisten en lo siguiente:

1er Lugar $10,000 (Diez mil pesos, M.N.)

2do Lugar $8,000 (Ocho mil pesos, M.N.)

3er Lugar $6,000 (Seis mil pesos, M.N.)

Se otorgara reconocimientos a todas las personas que participen

La premiación se realizara el día del evento en horario de 19:00 a 20:00 horas en el corredor del Centro Histórico EL IPACULT se reserva el derecho de resolver sobre cualquier situación, o interpretación no prevista en la presente convocatoria.


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Obituario / René Drucker

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Con su fallecimiento se va una de las mentes más lúcidas y generosas para la divulgación del quehacer académico-científico y cultural. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 18 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).-A través de un tuit, la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) dio su pésame a los familiares del doctor René Drucker Colín, quien falleció la noche del domingo 17 de septiembre a causa de una enfermedad terminal. Javier Martin reporta para Excélsior.

Con ochenta años de edad, Drucker Colín era uno de los principales divulgadores del quehacer académico y científico en México. Además de ser un colaborador asiduo y constante en diversos medios de comunicación, en donde lo mismo participó en radio, televisión, que prensa escrita.

Nacido en la Ciudad de México en 1937 en el seno de una familia de clase media, su padre fue médico cardiólogo y su madre, ama de casa. Drucker realizó estudios de licenciatura en la UNAM, para después especializarse en Fisiología y Neurobiología.

Cursó un posgrado en la Universidad de Illinois, donde realizó una maestría al término de la cual se fue como asistente de investigación del Departamento de Fisiología, en la Escuela de Medicina, en Saskatchewan, Canadá, donde obtuvo el grado de Doctor en Fisiología, en junio de 1971.

Como académico dirigió más de 50 tesis de licenciatura, maestría y doctorado. Y publicó en revistas especializadas, más de 400 artículos de investigación y divulgación.

Sin embargo, no siempre fue un dedicado estudioso, pues de acuerdo al propio Drucker en sus años mozos no le «agradaba mucho la escuela»:

«Al tercer año de estar trabajando, un amigo ya bastante mayor que yo, en una tarde de libación, me contó cómo se le había escapado de sus manos la vida y que no tenía posibilidades con el sueldo que tenía (que era igual que el mío) de poder mantener a sus hijas para que fueran a la Universidad a prepararse mejor para afrontar el futuro».

Fragmento del discurso de Drucker Colín al recibir de parte de la BUAP un doctorado Honoris Causa

En los años 90 se le consideró el pionero a nivel internacional en aplicar técnicas de inmunoquímica de la proteína «c fos», ello como una herramienta para el estudio de la actividad cerebral durante el sueño.

En la UNAM fue jefe del departamento de Neurociencias del Instituto de Fisiología Celular de 1985 a 1990; jefe del departamento de Fisiología de la Facultad de Medicina de 1991 a 2000, coordinador (vice-rector) de la Investigación Científica de febrero 2000 a diciembre 2007.

A la par, se desempeñó como presidente de la Academia Mexicana de Ciencias, y miembro del Consejo Consultivo de Ciencias de la Presidencia de la República.

Convirtiéndose en Investigador Emérito del Instituto de Fisiología Celular de la UNAM, donde además fue titular de la Dirección General de Divulgación de la Ciencia.

Al inicio de la administración del actual jefe de gobierno de la CdMx, Miguel Ángel Mancera, fue nombrado por éste en diciembre de 2012, secretario de Ciencia y Tecnología.

Por su labor científica y de divulgación, obtuvo becas y reconocimientos en múltiples ocasiones, destacando La Beca Guggenheim (1980); el Premio Nacional de Ciencias y Artes, otorgado por el gobierno mexicano (1987); la condecoración ´Orden Andrés Bello clase banda de honor, del gobierno de la República de Venezuela (1998).

Así como el doctorado honoris causa por parte de la Universidad de Córdoba (España) por sus aportaciones en el ámbito de las neurociencias y la divulgación científica.

También recibió el Premio Kalinga de Divulgación Científica, entregado por la Unesco (2011). Y por su labor informativa obtuvo el Premio Nacional de Periodismo de México en investigación y divulgación de la ciencia (2008). Entre muchos otros galardones más.

Con su fallecimiento se va una de las mentes más lúcidas y generosas para la divulgación del quehacer académico-científico y cultural.


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Visor Fronterizo / Jaime Moreno Valenzuela: «Pelones y Pelucas 11»

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Jaime Moreno Valenzuela


C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de agosto de 2017. (RanchoNEWS).- Oralia Erive, Javier López Ríos y Jesús Sandoval realizan en Pelones y Pelucas un breve recorrido por la historia de la Revolución Mexicana apoyados en un trabajo de Clown. Javier López Ríos es autor, director y actor de este ejercicio que cautivo a los niños en la quinta jornada del MET 2017 en la Sala Experimental de la Sala Octavio Trías del CCPN.


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Visor Fronterizo / Jaime Moreno Valenzuela: «Pelones y Pelucas 10»

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Jaime Moreno Valenzuela


C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de agosto de 2017. (RanchoNEWS).- Oralia Erive, Javier López Ríos y Jesús Sandoval realizan en Pelones y Pelucas un breve recorrido por la historia de la Revolución Mexicana apoyados en un trabajo de Clown. Javier López Ríos es autor, director y actor de este ejercicio que cautivo a los niños en la quinta jornada del MET 2017 en la Sala Experimental de la Sala Octavio Trías del CCPN.


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Visor Fronterizo / Jaime Moreno Valenzuela: «Pelones y Pelucas 9»

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Jaime Moreno Valenzuela


C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de agosto de 2017. (RanchoNEWS).-Oralia Erive, Javier López Ríos y Jesús Sandoval realizan en Pelones y Pelucas un breve recorrido por la historia de la Revolución Mexicana apoyados en un trabajo de Clown. Javier López Ríos es autor, director y actor de este ejercicio que cautivo a los niños en la quinta jornada del MET 2017 en la Sala Experimental de la Sala Octavio Trías del CCPN.


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Cine / Canada: «El autor», de Manuel Martín Cuenca, gana el premio de la crítica en Toronto

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JULIO VERGNE
Antonio de la Torre y Javier Gutiérrez, en El autor. (Foto: Julio Vergne)

C iudad Juárez, Chihuahua. 17 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).- El humor más negro frente a la tragedia más terrible, la violación y el asesinato de una chica. Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri se lo pone así de difícil al espectador. Reírse con el duelo de una madre que lucha por darle justicia a su hija. Las carcajadas son sonoras y la sensibilidad también. Martin McDonagh sabía que tenía una historia complicada entre manos y, por eso, en la nota de agradecimiento por el Premio del Público en Toronto, el mayor galardón del Festival, dijo que era el primer sorprendido: «Nunca sabes si vas a conectar realmente con gente, ya sabes, real». Irene Crespo reporta desde Toronto para El País.

Aunque el premio que entrega el público con su voto a la salida de cada proyección es el más importante del Festival y el más valorado por la industria, también hay galardones entregados por distintos jurados. El de la crítica internacional (FIPRESCI) coronó al español Manuel Martín Cuenca con su película El autor, basada en la primera novela corta de Javier Cercas El móvil. Los críticos solo valoraron los filmes estrenados en la sección Special Presentations donde, eso sí, participaban los títulos con realizadores más conocidos como George Clooney, Angelina Jolie, Darren Aronofsky, Alexander Payne, Guillermo del Toro o Stephen Frears.

Como recordó en un vídeo de agradecimiento, para el director almeriense -el primer español en ganar este reconocimiento- esta era su tercera experiencia en Toronto: sus dos anteriores filmes, La mitad de Óscar y Caníbal, también empezaron recorrido en Canadá, y como ocurrió con Caníbal, El autor ahora seguirá su camino por el festival de San Sebastián, la siguiente cita cinéfila internacional.

En cuanto a Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri, la película venía con el premio al mejor guion del Festival de Venecia, y en la ciudad canadiense recibió una ovación de pie en cada pase del público. Aunque sea un año sin ganadores tan claros como el pasado, el premio confirma que Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri ha arrancado su camino hacia los Oscars: mejor película, dirección, guion y, seguro, interpretación. Frances McDormand como esa madre más que coraje de la historia, en un buen año para las actrices veteranas en el cine, tiene garantizada la nominación. Y los policías que interpretan Sam Rockwell y Woody Harrelson puede que también.

Entre las finalistas al premio del público también saltan dos títulos que estaban entre los favoritos y entrarán en todas las quinielas de premios: I, Tonya, el falso documental sobre la patinadora Tonya Harding; y Call Me By Your Name, el romance de verano italiano firmado por Luca Guadagnino que venía acumulando fama desde Sundance.

Entre los documentales, a pesar de la buena acogida del retrato familiar de Gustavo Salmerón en Muchos hijos, un mono y un castillo, se alzó con el premio el filme ya celebrado en Cannes, Caras y lugares, de Agnès Varda y el artista callejero JR. Y en la sección Midnight Madness, donde se incluyen las películas de género, el premio también entregado por el público fue para uno de los títulos que más expectativas traía, Bodied, una radiografía irónica del mundo de las batallas de rap que produce Eminem. Como finalista se quedó la que parecía la favorita, The Disaster Artist, el homenaje de James Franco a la mejor peor película de Hollywood, The Room.

Finalmente, el jurado que presidía Wim Wenders en la sección Platform premió la australiana Sweet Country. La mejor película canadiense elegida por otro jurado fue Les Affamés.

PALMARÉS COMPLETO

Premio del público: Tres anuncios a las afueras de Ebbing, Misuri, de Martin McDonagh

Finalistas premio del público: (1) I, Tonya, de Craig Gillespie, y (2) Call Me By Your Name, de Luca Guadagnino.

Premio del público al mejor documental: Caras y lugares, de Agnès Varda y JR.

Finalistas mejor documental: (1) Long Time Running, de Nicholas Pencier y Jennifer Baichwal, y (2) Super Size Me 2: Holy Chicken!, de Morgan Spurlock.

Premio del público Midnight Madness: Bodied, de Joseph Kahn.

Finalistas Midnight Madness: (1) The Disaster Artist, de James Franco, y (2) Brawl in Cell Block 99, de S. Craiz Zahler.

Toronto Platform Prize: Sweet Country, de Warwick Thornton.

Premio FIPRESCI for Special Presentations: El autor, de Manuel Martín Cuenca.

Premio Fipresci for Discovery: Ava, de Sadaf Foroughi.

Premio Canada Goose a la mejor película canadiense: Les Affamés, de Robin Aubert.

Premio City of Toronto a la mejor opera prima canadiense: Luk' Luk'I, de Wayne Wapeemukwa.

Premio IWC al mejor corto canadiense: Pre-Drink, de Marc-Antoine Lemire.

Premio IWC al mejor corto internacional: The Burden (Min Börda), de Niki Lindroth von Bahr (Suecia).

NETPAC Award for World o International Asian Film Premiere: The Great Buddha+, de Huang Hsin-Yao.


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Teatro / México: «La desobediencia de Marte», de Juan Villoro

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Joaquín Cosío. (Foto: Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).- Una espléndida puesta en escena y un gran texto dramático encarnado por un dueto de excelentes actores es la gran sorpresa que da La desobediencia de Marte, de Juan Villoro, dirigida por Antonio Castro en el Teatro Helénico. Interpretada por Joaquín Cosío y José María de Tavira, La desobediencia de Marte constituye un tour de force histriónico en donde la técnica teatral luce con admirable destreza entregándonos personajes coherentes, circunstancias lógicas y juegos de representación que enarbolan una gama de posibilidades interpretativas tan ricas, que seducen al espectador. Escribe Gonzalo Valdés Medellín para Siempre!

Desde luego, la gran dirección de Antonio Castro ha coadyuvado a que los actores sean dueños absolutos del fenómeno teatral que aquí se realiza. Cosío, actor de notable trayectoria internacional, que surgió a la fama con el personaje de El Cochiloco de la película El infierno de Luis Estrada en 2010, sorprende en La desobediencia de Marte con un trabajo de altura, de lo que realmente debe considerarse un primerísimo actor, forjando un personaje sólido, congruente, humano y entrañable. Ver la actuación de Joaquín Cosío es un deleite.

A su vez, José María de Tavira (hijo de tigre pintito, o sea, del gran Luis de Tavira, protagonista de La última sesión de Freud) no se queda atrás, es un actor ya muy formado, dotado de recursos expresivos que dan en el clavo de las exigencias del dramaturgo, del personaje y de su réplica ante un actor tan monstruosamente vehemente y avasallador como Cosío.

Teatro dentro del teatro, la obra de Villoro nos pone una trampa a los teatrófilos: parece que veremos una confrontación entre los astrónomos Johannes Kepler y Tycho Brahe en el año de 1600, pero no será solo eso; quizá lo más importante de La desobediencia de Marte es el que el dramaturgo desista de su —excelente, indudablemente— dicotomía dialógica por el poder entre los dos astrónomos, para abrirse al drama del teatro. No es la obra sobre Kepler-Brahe que le viene a la mente a Villoro después de leer Los sonámbulos de Arthur Koestler, lo que dramatúrgicamente le interesa, sino desentrañar lo que podría pasar —existencialmente— entre los actores que la interpretasen. Por lo mismo, La desobediencia de Marte se encuadrará en un conflicto multipolar entre los dos actores: conflicto de intereses, conflicto generacional y conflicto, incluso, de sangre, pues cabe la posibilidad de ambos sean padre e hijo y… No contaremos más. Sólo quepa citar las palabras de Villoro en el programa de mano: «…Lo más lejano se vuelve próximo […] Hay algo más misterioso que las galaxias: la persona que respira junto a ti».

La desobediencia de Marte es una obra estupenda, los diálogos fluyen con naturalidad demoledora, el humor trastoca toda convención y los personajes llegan a ser verificables en la experiencia humana (y humanística) al tiempo que el espectáculo, por sí mismo, invita a la reflexión, al diálogo interior, a la admiración, el goce y la contemplación estéticas.

A esto se añade la incisiva dirección de Antonio Castro, cuidada en todas sus aristas, desde el diseño escenográfico de Damián Ortega, hasta la iluminación de Víctor Zapatero que en alianza fructífera crean un espacio escénico que es, en sí mismo, una obra de arte plástico que sobrecoge. La dirección actoral, como ya se asentó líneas arriba es admirable y merece un cálido aplauso. El vestuario de Edyta Rzewuska, así como el diseño sonoro y música original de Miguel Ángel Hernández Montero y el maquillaje de Miguel Zarazúa, también son dignos de elogio, aportando cada cual elementos significativos para el flujo de la teatralidad.

México está viviendo uno de sus mejores momentos teatrales (puestas como La desobediencia de Marte confirman la aseveración) pese a los imponderables del destino y a las non gratas presencias de la corruptela en los entretelones de la vida cultural. Así que ver una obra perfecta, delicada e inteligentemente puesta sobre la escena, con honestidad creadora y firmes recursos imaginativos propios del talento, como este trabajo de Castro a La desobediencia de Marte, de Villoro, es en realidad digno de reconocerse.

La desobediencia de Marte, sin lugar a dudas, es una de las mejores obras teatrales de este año, también uno de los mejores textos dramáticos mexicanos de los últimos años, y un montaje meritorio en grado sumo. Con La desobediencia de Marte estamos, indudablemente, ante uno de los acontecimientos de la dramaturgia mexicana más releventes del año. El público aplaude de pie y hace volver a los actores a recibir la ovación, cosa que no en cualquier puesta sucede.

La desobediencia de Marte concluye temporada el 1 de octubre y las funciones se celebran los días viernes a las 20:30 horas, sábados a las 18:00 y 20:30 horas y los domingos a las 17:00 y 19:30 horas. Hay que ir.


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Galería / Harry Dean Stanton

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MARIO ANZUONI
Harry Dean Stanton en febrero de 2006. (Foto: Mario Anzuoni)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).- «Sus brazos estaban ardiendo, se lanzó fuera y rodó sobre el suelo mojado. Luego corrió. Nunca miró atrás hacia el fuego. Solo corrió. Corrió hasta que el Sol salió, y no pudo correr más. Cuando el Sol se ocultó, corrió otra vez. Durante cinco días corrió así, hasta que todo signo humano desapareció». Harry Dean Stanton ha fallecido y con su muerte no solo se apaga la vida de un actor con más de seis décadas de carrera, sino también una manera de encarar los personajes desvalidos, de mostrar en el cine la quintaesencia del estadounidense, de transmitir un dolor al espectador como muy pocos lo han logrado en pantalla. Se va un compañero de aventuras de Martin Scorsese, de Sam Peckinpah y Sam Shepard, se va el hermano artístico de David Lynch, el amigo de Bob Dylan y Jack Nicholson… Pero sobre todo desaparece el hombre que dio vida a Travis, protagonista de París, Texas, de Wim Wenders, la película sobre la desolación amorosa a la que pertenecen las frases anteriores, y una de las obras maestras por las que algunos amamos el cine. Gregorio Belinchón escribe para El País

Harry Dean Stanton murió el viernes en Los Ángeles a los 91 años, terminada justo la emisión de la tercera temporada de Twin Peaks, y cuando empezaba la promoción de Lucky, el filme dirigido por otro gran actor, John Carroll Lynch, que podía llevarle hacia su merecido, aunque según sus palabras poco ansiado, Oscar. En el documental Harry Dean Stanton: Partly Fiction (2012), sobre la carrera de un intérprete admirado y querido, que para muchos devino en epítome de lo cool, David Lynch preguntó a Stanton cómo le gustaría que fuera recordado. «Me da igual», respondía. Como decía Sam Shepard, autor del guion de París, Texas, fallecido hace menos de dos meses, en ese documental, «es uno de esos actores que sabe que su rostro es parte de la historia». El crítico Roger Ebert escribió que solo dos actores garantizaban con su presencia que la película no fuera mala: Stanton y M. Emmet Walsh. Y lo bautizó como la regla Stanton Walsh.

Nadie hace seis décadas hubiera pensado que Stanton sería un actor de carrera tan larga y exitosa. Hijo de un agricultor de tabaco, Harry Dean Stanton nació en Irvine, un pueblecito de Kentucky, en 1926. Durante la Segunda Guerra Mundial, sirvió en la Armada, y al volver a casa estudió Interpretación en la Universidad de Kentucky. Tras tres años, decidió mudarse a Los Ángeles y prosiguió su formación en la Pasadena Playhouse.

En 1954 apareció por primera vez en pantalla, en un episodio de la serie Inner Sanctum, y en 1957 debutó en el cine con Tomahawak Trail, un western para mayor gloria de Chuck Connors. Durante 20 años Stanton se convirtió en un rostro habitual de este género, que le aprisionó. Pero las nuevas generaciones de directores, y algunos de los grandes outsiders de Hollywood supieron ver más allá de su habitual languidez. Y empezó a aparecer en grandes títulos y a ser dirigido por Francis Ford Coppola en El Padrino II y Corazonada; por Wim Wenders en París, Texas; por Sam Peckinpah en Pat Garrett y Billy The Kid; por Martin Scorsese en La última tentación de Cristo, o por Ridley Scott en Alien. Caso aparte fue su colaboración con Lynch, tanto en cine (Corazón salvaje, The Straight Story, Inland Empire) como en televisión con Twin Peaks.

Al principio de su carrera, y en alguna entrevista a mediados de los ochenta, Harry Dean Stanton confesaba cierto dolor por no ser estrella, algo que sus amigos sí iban logrando. Como Jack Nicholson, que una vez le aconsejó «Deja que el vestuario haga su trabajo y solo sé tú mismo», Peter Fonda o Dennis Hopper. Stanton bromeaba que los roles más populares de Hopper habían sido rechazados por él (Terciopelo Azul y Hoosiers, más que ídolos). Una de las aficiones de Nicholson en sus rodajes fue escribir las siglas H.D.S. en homenaje a su amigo en los decorados.

Stanton participó en más de 70 películas y otras tantas series. La primera vez que cantó -tres temas- fue en La leyenda del indomable (1967), junto a Paul Newman. Más tarde formó la Harry Dean Stanton Band, en la que interpretaba rock, blues, jazz y canciones tex-mex por clubs de Los Ángeles. Con las canciones que entonaba en el documental Harry Dean Stanton: Partly Fiction se publicó un álbum homónimo.

Y aún quedan títulos de Stanton por recordar: Los violentos de Kelly, Donde florecen los lirios, Sangre sabia, La rosa, Amanecer rojo, La chica de rosa (sí, también paso por el universo de John Hughes), Missouri, Libertad condicional, La muerte en directo, Atrapada entre dos hombres, La milla verde, Repo-Man, Miedo y asco en Las Vegas, El juramento, y ya en el siglo XXI, Alpha Dog, Los vengadores (maravilloso pequeño papel), la serie Big Love, Siete psicópatas y su ya mencionada reaparición en Twin Peaks.

En un comunicado, Lynch ha asegurado: «El gran Harry Dean Stanton nos ha dejado. No hay nadie como Harry Dean. Todo el mundo le quería, y con razón. Era un actor (más que grande) y un gran ser humano. Era maravilloso estar a su lado. ¡Te echaremos de menos!».

Para esos momentos de dolor por la ausencia, siempre quedará París, Texas. Protagonizada por Stanton a sus 58 años, el actor supo transmitir la angustia, la soledad del personaje escrito por Shepard; transformar su rostro y mimetizarlo con el paisaje de absoluta desolación del desierto de Texas. La agonía hecha cine.


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Artes Plásticas / Entrevista a Francesc Torres

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El arte contemporáneo no tiene repercusión hoy día. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).- El trabajo artístico de Francesc Torres (Barcelona, España, 1948) muestra una coherencia teórica de difícil ubicación, y su repertorio de ideas va afinándose tanto como lo hace su presentación visual. Es consciente de que la historia está manipulada, fragmentada y olvidada. Pretende, al revivirla en sus instalaciones, iluminar nuestro presente o viceversa. Sin lugar a dudas es un pilar indiscutible del arte moderno de la segunda mitad del siglo XX. Entre sus múltiples exposiciones sobresalen las realizadas en el Two Exercises, IIIinois Center de Chicago en 1973; en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York en 1978 y 1981; en la Fundación Joan Miró de Barcelona en 1979; en la Galería Nacional de Berlín en 1987; en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1988; en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 1991, en el Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia en 1996, en la Fundación Telefónica de Madrid en 2000, y su más reciente muestra retrospectiva Da capo en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona en el 2008; el Davis Museu de Massachusetts; el Museo de Teruel, España; el Centro-Museo , Artium, Victoria España, entre muchas otras. Miguel Ángel Muñoz lo entrevisto en 2015 y La Razón la retoma y nos la comparte. 

Torres es un pionero del arte conceptual, y su trabajo se basa esencialmente en la instalación, el vídeo y la fotografía. Su propuesta atraviesa el inmóvil espacio de la pintura. Pronto se coloca en una privilegiada posición frente a la crisis de la modernidad que, con el desvanecimiento de las ideologías y los discursos, va dejando huecos para un nuevo lenguaje creativo: «Si estás intelectualmente interesado por algo, por un contenido que existe fuera del contexto arte, si eres artista, todas las cosas sin sentido dentro de la obra desaparecen, utilizando el concepto de Dennis Adams. Pero el planteamiento es distinto al del artista que está interesado por cuestiones puramente formales o, puesto de otra manera, el tipo de trabajos en los que el arte es el contenido. Es la única diferencia».

¿ Usted considera que el término de artista conceptual es cuestión de una moda artística?

No lo observo como dices. El problema de cierto tipo de trabajo es que, de una forma u otra, es un reflejo de la sociedad donde vives. Y no me refiero únicamente a los propios artistas, sino a gente que está dentro del circuito de museos o críticos, compañeros de viaje que pueden estar interesados y apoyar ideológicamente tu trabajo. Eso de alguna manera es una influencia real, y tiene mucho que ver con la propuesta estética que desarrollas.

Dentro de ese ámbito socio- cultural hay también la opinión o la interpretación de los medios de comunicación, ¿cree que es objetiva con las vanguardias artísticas actuales?

Algunas veces sí. Pero creo, tanto si es una cuestión de manipulación y oportunismo como si no lo es, que el resultado, la reacción de una parte considerable de la crisis siempre es muy violenta con las vanguardias. Y esa virulencia, aunque muchas o casi todas las veces se enmascare o se justifique apelando al argumento de una falta de valor estético, etcétera…, te das cuenta de que lo que está en el centro del ataque es una cuestión que no tiene nada que ver con la estética, sino con la ideología, con una determinada manera de entender el arte y su papel en la sociedad.

¿ Considera que hay un debate abierto constante entre crítica y obra artística o viceversa?

No, creo que lo que falta es aclarar de una vez un gran equívoco que los propios artistas hemos alimentado algunas veces. Y es que el hecho de que un trabajo tenga un contenido, llámalo político, social o lo que sea, éste no es, necesariamente, el que le da valor como obra de arte. Y aquí es donde se nota, creo, la mala fe y la deshonestidad intelectual de una parte considerable de la crítica. Va a fusilar el contenido, y luego remacharlo, darle la puntilla: «No, es que, además, como no es un arte que tenga como objetivo principal la investigación estética, sino otra cosa, hay un motivo ulterior… pues no hay que tomárselo en serio».

Eduardo Chillida comentaba que todo el arte tiene un significado en el terreno ideológico, en el poético, y quizás por ello la obra de arte en sí tenga carga estética, ¿qué piensas?

La estética una etiqueta que nos colguemos nosotros, la etiqueta te viene de fuera. La mayoría de nosotros ( me refiero a los que navegamos por las aguas de las relaciones políticas y sociales) ha preferido utilizar un tipo de contenido que es el que nos interesa intelectualmente. Pero, como obra de arte, da igual que estés hablando de lo que pasa en Palestina, Kosovo o de lo que pasa en la cocina de tu casa. Claro, eso siempre se soslaya. Cuando se abre el fuego es siempre, más o menos, dejando implícito el hecho de que hay una deshonestidad por parte del artista que utiliza estos contenidos. En fin, podría ser peor.

Su obra rompe múltiples moldes del arte de «vanguardia»: vídeo, instalación, fotografía…; es decir, una forma de ver el mundo muy diferente de otras corrientes clásicas del arte, y ¿por qué llamarlo un arte de contenido?, ¿cuál es la diferencia?

Quizá porque se confunde el interés específico por una cosa muy concreta, como puede ser el arte. Con el rigor metodológico. Parece que si estás interesado por otras cosas que no sean exclusivamente éstas, estás traicionando en cierto modo unos principios. Pero es simplemente una cuestión de opción. Tampoco se trata del dogmatismo implícito en decir que todo el arte tiene que tener un contenido abiertamente social o político…

Pero, ¿no considera que este tipo de aportaciones molestan al crítico, al espectador?

Porque corroboran la idea del progreso que tiene la sociedad occidental. En definitiva, la tecnología la monopolizamos nosotros, Occidente. En este sentido no hay problema. Pero todo lo que fuera de una serie de elementos que puedan servir de espejo para reflejar y afirmar una cultura determinante, es lo que plantea problemas. No sólo dentro del arte, sino de la cultura en general. Utilizando otro término que está de moda ahora, el multiculturalismo, se ha tenido que pasar por el tamiz del discurso intelectual para poder hacerlo digerible. Pero en realidad lo que sabemos es que el multiculturalismo jode mucho, jode mucho a la sociedad europea. Quizá el centro de gravedad de todo esto sea que vivimos en un momento en que la pluralidad es difícil de aceptar, quizá porque hay miedo, hay miedo a un futuro que aparece muy nebuloso y muy difícil de cazar.

¿Dentro de las instalaciones hay campos narrativos o es igual de lineal que la pintura?

No, dentro de la instalación los artefactos narrativos tienen una lectura, pero no lineal como en la literatura, sino esférica. No hay ni final, el espectador ordena los conceptos en la medida en que hace su propia lectura. Es decir, la participación con el público es mucho más alta en el caso de la instalación que en muchas otras manifestaciones artísticas.

¿Cree que el arte se mueve en un discurso paralelo al del mundo que lo rodea?

Desde luego, porque estos modelos de percepción de la realidad y de comprensión de lo que está pasando también lo observan los políticos y los economistas, utilizando otros caminos, otras premisas y otras prioridades. Pero la única manera en que parece ser que hemos conseguido funcionar ha sido adaptando constantemente la realidad que existe, a un modelo de percepción, la pintura. Me parece importante señalar que no es necesario que todos seamos moros o que también seamos cristianos, que todo el arte, para que tenga una relevancia histórica, política o de otro tipo, tenga que ser de una determinada manera. Todo el arte es interesante.

¿Considera que es complejo, complicado y difícil hacer un arte que esta moda como la fotografía o el arte de conceptos?

Actualmente hay una sobresaturación de la instalación porque está de moda. Los artistas jóvenes quieren comenzar con lo «más moderno» y van a parar al campo de la instalación, pero con lagunas conceptuales de lo que quieren expresar. Además, el mercado, que durante mucho tiempo se negó a manejar este trabajo porque no lo consideraba un objeto coleccionable ni vendible, ahora sí lo promueve y lanza a, según ellos, los mejores instaladores de la época. Esto, por un lado, está bien debido a que difunden los proyectos.. Pero, por otro, las propuestas confunden al espectador, ya que la ansiedad de los jóvenes por estar dentro de la moda y llamando la atención del mercado del arte, prácticamente banalizan el concepto.

¿ Usted como percibe este fenómeno del mercado?, ¿ cómo lograr que los jóvenes artistas no se dejen llevar por hacer o estar a la moda?

La mejor manera de evitar caer en la moda es cuando el artista percibe que el trabajo que, por ejemplo, en mi caso, he desarrollado durante 25 años se ha convertido en un lugar común. Que ha llegado a un punto en el que dejó de aprender de lo que hacía porque domina a la perfección el lenguaje elegido. Ese es el momento de nuevas búsquedas. Yo paré de hacer instalaciones desde hace algún tiempo, sigo produciendo a través de otros campos. Si vuelvo a la instalación, será a partir de premisas completamente distintas.

¿Cree que el arte de hoy en América y Europa es ligero, sin idea y sin conceptos claros?

El que hay día en día el arte sea ligero, tenga poco contenido y se presente de espaldas a la sociedad, es el resultado de ese vacío social y cultural. Sin embargo, existe la necesidad de activar el pensamiento crítico. Hay una necesidad de reordenar nuestras ideas y de no rendir la responsabilidad social. En cada uno de los artistas está el luchar en contra de esa corriente que nos arrastra hacia volver a convertirnos en los decoradores del poder.

*Una parte de esta entrevista se publicó en el libro Constelaciones de la mirada publicado por la Universidad Autónoma Metropolitana, México, 2015


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Noticias / México: La charrería es oficialmente Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad

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Ayer, la UNESCO otorgó el certificado a diversas organizaciones del país. «El charro se sigue considerando un símbolo de lo mexicano», dice el vicepresidente del conservatorio. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 15 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).- Integrantes de asociaciones de charros de diferentes estados del país recibieron el certificado de la inscripción ante la UNESCO de la charrería, como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Antonio Díaz reporta para Crónica.

En diciembre de 2016 el organismo emitió la declaratoria, nueve meses después, mujeres, hombres, niños y niñas, con trajes propios de la charrería, llegaron al Auditorio Jaime Torres Bodet del Museo Nacional de Antropología para recibir las reproducciones facsimilares del certificado.

Manuel Basurto García, vicepresidente del Conservatorio Nacional de la Charerría, señaló que el proceso para que la tradición ecuestre mexicana fuera incluida en la lista de la UNESCO, comenzó en 2010, cuando se percataron de las transformaciones en la sociedad mexicana:

«El charro se sigue considerando un símbolo de lo mexicano y en anteriores generaciones era reconocido por todos los sectores de la población; las generaciones actuales, ante el embate de nuevas imágenes y figuras, muchas de ellas externas a México, desconocen lo que somos y hacemos, por ello nuestro simbolismo empieza a diluirse».

Basurto García reconoció que en las últimas tres décadas los cambios han sido más significativos y las tradiciones no quedan exentas de ellos, por lo que era necesario trabajar sobre la importancia de la charrería en México desde diferentes aristas, pero sobre todo para reproducir características regionales.

«La figura del charro también está dejando de ser útil para describir el supuesto sujeto social del país, ésta figura también debe servir para fines de modernización en el sentido de que, al ser parte de la cultura de México, promueva ideales y valores. La declaratoria no es un fin, es un medio, para que los charros y charras del país reflexionemos y dialoguemos, como también lo hagamos con las instituciones académicas, gubernamentales y las de las sociedad civil, y escuchemos de qué manera nos debemos de reconectar con la sociedad mexicana».

El charro especificó que el diálogo deberá llevarse a cabo sobre la base de los principios de la UNESCO: igualdad, equidad y solidaridad. Además, hizo un llamado a su gremio para sentirse orgulloso de poder representar a México, pues «ahora ser charro es tener un compromiso por mejorar a nuestro país y al mundo».

El fallo se dio en diciembre de 2016, en la undécima sesión del Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial, que se llevó a cabo en Addis Abeba, Etiopía.

Jorge Gutiérrez, subsecretario de Diversidad Cultural y Fomento a la Lectura de la Secretaría de Cultural federal, fue el encargado de entregar los facsimilares a miembros de la Asociación Nacional de Charros, la Federación Mexicana de Charrería, la Asociación de Charros de Morelia, Michoacán; la Asociación Charros Regionales de San Juan del Río, Querétaro, y la Asociación de Charros de Polotitlán, Estado de México, entre otras.

El funcionario indicó que con la declaratoria de La Charrería como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, México se coloca en el segundo lugar con mayor número de distinciones de este tipo, en América Latina y el Caribe, por lo que se trabaja en la Comisión de Patrimonio Cultural Inmaterial

De acuerdo con el funcionario, dicho organismo tendrá la misión de identificar, registrar, reconocer, difundir, valorar y salvaguardar el patrimonio intangible de México, así como la creación de un Conservatorio de la Charrería.

En representación de Nuria Sanz, directora de las oficinas en México de la UNESCO, estuvo Alma Lara, quien dijo que «en la memoria colectiva de la sociedad mexicana» están presentes las figuras de los charros y Adelitas arriba de una caballo, con sombreros, zarape lazo y pistola; sin embargo, no sólo esas características no fueron las únicas que hicieron posible la declaratoria.

«Se encontró que trascendiendo el lugar común, era necesario desentrañar el entramado simbólico de la tradición charra para que se entendiera que detrás del sombrero, el caballo, y la suerte con el lazo, pues hay una larga historia por contar, una narrativa cuyos componentes forman una compleja y excepcional ecuación cultural», concluyó Alma Lara.


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Fotografía / España: Nicholas Nixon reúne en Madrid sus series, incluida las de las hermanas Brown

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ULY MARTIN
El fotógrafo estadounidense Nicholas Nixon en la Fundación Mapfre. (Foto: Uly Martin)

C iudad Juárez, Chihuahua. 12 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).- El verano de 1975, el joven Nicholas Nixon (Detroit, 1947) fue a visitar a su novia, Beverly, en la casa familiar que los Brown poseían en el campo. Pidió a las cuatro hermanas que posaran para él y al año siguiente, con el pretexto de la graduación de una de ellas, tomó una nueva imagen con las mujeres colocadas en el mismo orden: de izquierda a derecha, Heather, Mimi, Bebe, Laurie. Ese retrato estival se repitió durante 41 años, tantos como imágenes conforman la obra de las hermanas, una de las series más célebres de la historia de la fotografía, Las hermanas Brown (1975-2016). La secuencia puede verse en la exposición antológica que la Fundación Mapfre dedica hasta el próximo 7 de enero al artista estadounidense. Ángeles García reporta para El País.

Las 200 fotografías que integran la muestra se adentran en sus principales series: vistas arquitectónicas de Boston y Nueva York, retratos de familias pobres en barriadas de Florida y Kentucky, ancianos ingresados en residencias y hospitales, enfermos terminales de sida. Después de Madrid, la exposición viajará al Centro Andaluz de la Fotografía de Almería, el C/O de Berlín y la Fundación A de Bruselas.

En la víspera de la inauguración de la exposición, Nicholas Nixon pasea junto a su esposa las dos plantas que ocupa su obra. Arrastra la pierna izquierda por un inoportuno accidente de bicicleta. Hombre de pocas palabras y expresión grave, agradece el trabajo del comisario, Carlos Gonollet, conservador de Fotografía de la Fundación Mapfre y, ante el muro en el que se muestran las impactantes imágenes de las hermanas Brown, asegura que la serie proseguirá mientras la vida lo permita. En más de cuatro décadas, el tiempo se deja ver en los rostros de las mujeres. Las alegres jovencitas de la primera convocatoria son ahora rostros por donde discurren los caminos de la vida. «No pretendo reflexionar sobre el tiempo», dice Nixon, sin embargo, «sino narrar su historia sin trampas. Dejaré de hacerlo cuando me canse o ellas se aburran». Añade que «en cada sesión anual tira varias tomas y entre todos eligen. Solo hubo una pequeña discrepancia en una ocasión, cuando a una de las hermanas le había picado un insecto en el ojo y tenía el párpado hinchado. Las demás le convencieron y aquí está la foto».

Para que una historia le interese solo hay una condición: que le llegue al corazón. «Me interesa lo próximo, lo cercano. Estudio si es realizable y me pongo en marcha. Para la serie sobre los enfermos de sida contacté con ellos y sus familiares y todos estuvieron de acuerdo en posar. Con los ancianos, el procedimiento fue similar. Tanto mi mujer como yo hemos trabajado siempre con organizaciones humanitarias, de manera que la aproximación no es muy complicada».

Nunca ha robado una foto ni ha hecho un montaje. Todo lo que se ve en su obra es auténtico y consensuado con los protagonistas. Gracias a su actividad docente se ha permitido escoger los temas. «Un par de veces he trabajado por encargo y fue suficiente. No va conmigo, aunque una de esas peticiones fue para poner imágenes en un reportaje en The New York Times. El tema era sobre bebés. Yo me limité a llevar un montón de fotografías de niños y ellos escogieron. Ahí terminó mi trabajo por cuenta ajena».

Ajeno al mundo tecnológico, afirma rotundo que «solo con la la fotografía analógica se puede contar la verdad». Todo lo demás puede ser manipulado. Usuario en sus comienzos de una pequeña cámara Leica como las que usaban sus admirados Walker Evans o Henri Cartier Bresson, cuenta que muy pronto optó por cámaras 8 por 10 porque positivan el negativo al mismo tamaño y es posible ver la toma al completo. Sobre las imágenes obtenidas con smartphones prefiere ni opinar, son «entretenimiento, nada más». Pese a su afán por conseguir fotografías auténticas vinculadas a una historia, no se define como documentalista sino como un «artista que cuenta la realidad».


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Literatura / Entrevista a Roberto Saviano

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 Maki Galimberti
Roberto Saviano. (Foto: Maki Galimberti)

C iudad Juárez, Chihuahua. 12 de septiembre de 2017. (RanchoNEWS).- El autor de Gomorra, todavía bajo amenaza, presenta en España La banda de los niños, su primera novela, donde narra el sanguinario auge de los capos juveniles en Nápoles. Alberto Ojeda lo entrevista para El Cultural.

Volver a Madrid le produce a Roberto Saviano (Nápoles, 1979) sensaciones encontradas. Fue a esta ciudad donde llegó a escondidas después de la 'fatwa' lanzada contra él por el clan de los Casalesi, enrabietado por las revelaciones de Gomorra, libro del que ha vendido millones de ejemplares por todo el mundo. Recuerda que estuvo viviendo cinco meses, como un prófugo, en un piso frente al Museo del Prado. A pesar de la presión de entonces, guarda un buen recuerdo de la estancia. Y sigue sintiéndose muy agradecido a la Guardia Civil, uno de los primeros cuerpos armados que accedieron a responsabilizarse de su seguridad. La amenaza sigue pesando sobre el escritor napolitano, que sabe que arruinó su vida al escribir aquella larga crónica sobre los tejemanejes de la Camorra. Hoy se arrepiente de su osadía y de su falta de prudencia a la hora de medir los riesgos. Pero es que era demasiado joven: sólo 26 años. Mucho más jóvenes son los protagonistas de La banda de los niños (La paranza dei bambini), la novela sobre la que charla con El Cultural en una estancia del Instituto Italiano. Saviano se ha adentrado por primera vez en la ficción para contar la tragedia de los adolescentes metidos a mafiosos. Un fenómeno en auge, que delata la falta de esperanza en los oficios honrados de la juventud napolitana (y de tantas otras urbes). Con apenas 14 o 15 años son auténticos killers despiadados que manejan arsenales de armas y venden droga a mansalva. Igual que Franco Rosi en su emblemática película Las manos sobre la ciudad, Saviano sigue una regla: «Los personajes y los hechos narrados son imaginarios, es auténtica, sin embargo, la realidad social y ambiental que los produce».

El sustrato de esta ficción es la floración de capos mafiosos adolescentes. ¿Por qué prefirió contarla como una novela en lugar de un largo reportaje, a la manera de Gomorra?

Porque quería adentrarme más en la psique de los personajes. No quería contar la realidad sino inspirarme en ella. Pero todo lo que cuento es verdadero, sólo que lo filtro con las técnicas de la ficción narrativa. Así puedo mostrar sus sentimientos o reconstruir por ejemplo una conversación telefónica entre ellos. Esto es importante porque así consigo que no parezcan meramente monstruos, emerge su lado humano.

¿Por qué cree que ha descendido tanto la edad de los camorristas?

Bueno, esto no es un fenómeno exclusivamente napolitano. Basta echar una ojeada a las periferias de ciudades como Madrid o París. En Nápoles las razones son varias. Por un lado, los capos históricos están casi todos encerrados, en arresto domiciliario o directamente en la cárcel. Han dejado un vacío en las calles. Y el poder no tiene dueño, está ahí para quien ose tomarlo. Y quien lo ha hecho son estos jóvenes que, como todos los jóvenes, no conocen el miedo ni calibran las consecuencias de seguir ese camino. Yo los he visto en los juicios. Cuando les caen condenas de 20 años, ríen y aplauden. Por otro lado, la esperanza de los jóvenes está bajo mínimos después de la crisis. Saben que su abnegación y su esfuerzo para trabajar en algo vocacional será estéril en la mayoría de los casos, así que prefieren coger un AK47 para hacer dinero rápido. Es una pena porque son jóvenes con mucho talento, podrían ser óptimos emprendedores.

Por eso, de alguna manera, esta novela es una auténtica tragedia, porque muestra por qué todo ese talento acaba utilizándose para delinquir, ¿no?

Lo es. Hay que tener en cuenta que estos muchachos se las apañan para levantar pequeños imperios del narcotráfico. Gestionar una plaza para traficar es una tarea muy complicada. Tienes que tener la cabeza muy bien amueblada. Debes crear un canal de distribución del estilo de una gran superficie comercial, debes tratar con la policía para que miren para otro lado, debes pagar a los centinelas que controlen los accesos, debes calibrar la calidad de la droga, tratarla, manejar las armas... Y todo esto lo hacen chavales de 16 años. El capo juvenil en el que yo me inspiro tenía ya dos hijos con 18 años. En su 19° cumpleaños les dijo a todos sus amigos, en Facebook, vamos a celebrarlo a lo grande porque no creo que llegue vivo a los 20. Y así fue: lo mató un francotirador apostado en el tejado de un edificio.

La historia de esta 'paranza' recuerda mucho a la Banda della Magliana: chicos marginales que llegan a ser 'los reyes de la Roma' gracias a su determinación casi suicida.

Sí, cierto. De hecho, la Magliana nunca se llamó clan o mafia, sino banda. Eso es un matiz importante. La banda nace de la nada, no pertenece al sistema mafioso, no procede de la tradición familiar, surge por generación espontánea y se inserta en la vida criminal. De este tipo de bandas hay en todas las grandes ciudades, insisto, lo que pasa es que en el sur de Italia tienen acceso a arsenales de armas que proceden las mafias históricas. Estos niños se han criado en un ambiente paramilitar. Esa la diferencia que hay entre, por ejemplo, Madrid y Nápoles.

Ha dicho muchas veces que se arrepiente de haber escrito Gomorra como lo hizo, porque le ha destrozado la vida. ¿Cree que si la hubiera escrito como una ficción ahora no estaría perseguido?

Sí, para protegerme a mí, sin duda, hubiera sido mucho más prudente pero, cuando escribí Gomorra, sólo se hablaba de la mafia en Sicilia, por eso debía aportar pruebas para certificar la realidad que denunciaba.

Hablando de ficción y mafia. En el Festival de Venecia ha dado mucho que hablar Amore y malavita, un musical cómico sobre la violencia camorrista en Nápoles. ¿Qué le parece que se abordé en clave humorística este tema?

Me gusta que se cuente así, es algo que se ha hecho más veces. Es muy napolitano lo de reírse de sus propios problemas, y está bien.

Decía uno de los directores, que son dos hermanos, que este musical suavizaba el exceso de gomorrismo que pesa sobre la ciudad, como si sus libros hubiesen manchado su imagen.

Eso también es muy napolitano, muy italiano por extensión, sospechar del que denuncia las cosas negativas que padece su entorno. A nadie se le ocurre, por ejemplo, reprocharle a Scorsese haber difamado Nueva York por sus películas violentas. O a los creadores de Breaking Bad de haber difamado Alburquerque. O a Los Soprano de haber difamado Nueva Jersey. Y de todas formas, a Nápoles siguen llegando miles y miles de turistas, aunque continúa habiendo tiroteos de los clanes en las calles del centro y no funcione bien ninguna de sus infraestructuras. El transporte público es un asco. Mi libro, en realidad, no afectado tanto como dicen. El terrorismo islamista ha hecho que a Italia se viaje en masa, más todavía que antes. La mayoría de los napolitanos se está dividiendo la casa para acoger los turistas y cobrarles 10 euros al día.

Mencionaba Los Soprano.¿Le incomoda ese retrato del lado patéticamente humano de los gangsters, que al final conduce a vincularnos emocionalmente a ellos?

Me encantó la serie, desmonta todo ese lado épico reflejando la cotidianidad mafiosa: las discusiones de Tony con su mujer, su hijos, su tratamiento psicoanalítico... Es importante no reflejarlos como monstruos ni no como mitos inexpugnables. Vemos que su modus operandi, el chantaje, el aislamiento, las estrategias para alcanzar el poder, nos resulta familiar: es lo que vivimos en nuestro trabajo y en nuestra familia, sólo que sin llegar a la violencia cruenta. Por eso me gusta escribir de la mafia y los mafiosos, porque ellos te desvelan el verdadero funcionamiento de la vida, sin hipocresía: ellos tienen claro que este mundo es una mierda y que sólo hay dos categorías: los que joden y los que están jodidos, no hay otra alternativa. Al estudiarlos, además, topas con el materialismo subyacente a todas nuestras relaciones. Un materialismo, eso sí, sujeto a unos códigos casi místicos.

Y míticos. Existe una la leyenda de que los tres clanes del mezzogiorno italiano fueron fundados por caballeros españoles. Detrás de casi todas las leyendas hay una verdad subyacente. ¿Aquí también?

Sí, yo creo que sí. Los gobiernos españoles en el sur de Italia siempre se apoyaron en bandas para dominar las calles. La prostitución en Nápoles la controlaban los españoles, igual que las timbas de los juegos de azar. Los napolitanos, salernitanos, calabreses, sicilianos debían pagarles para entrar en el tinglado. Nápoles, por lo demás, sigue siendo claramente una ciudad española. Si yo le hablo en napolitano, seguro que me entendería muy bien. El apellido González sigue siendo muy común allí. 'Paranza' es una palabra española aunque aquí ya no la uséis. El famoso rebelde Massaniello no quería romper con España, al contrario, quería construir un puente desde Nápoles hasta Madrid. Su revuelta iba contra los representantes del virreinado. Sabía que si trataba directamente con Madrid, la capital del imperio, a Nápoles le iría mucho mejor.

También la obsesión por el honor, tan española, para lo bueno y para lo malo, está muy presente en la conducta mafiosa.

Cierto. Una mirada a alguien puede desencadenar un desenlace fatal. No se puede mirar a la cara a quién no te ha autorizado. Es como los gorilas, que no pueden mirarse cara a cara porque, si no, se agreden.

Umberto Eco dijo que usted era un héroe nacional. ¿Qué significó una declaración así, viniendo de un personaje de su talla intelectual?

Lo hizo para protegerme. Él entendió que realmente estaba en peligro y se lo agradezco mucho. Igual que a todos los que me apoyaron en su momento: Salman Rushdie, Spike Lee, Desmond Tutú, Gorbachov, Pamuk... Fueron generosísimos y muy oportunos porque durante el gobierno Berluscon... [Saviano tuerce el gesto, dando a entender que, si de Il cavaliere hubiese dependido su seguridad, la cosa se habría puesto muy difícil para él]. Pero, de todas formas, la palabra 'héroe' no me gusta: porque los 'héroes' están muertos.

¿Cree que el Estado italiano podría hacer más para que usted volviera a ser libre?

El problema de mi seguridad es que yo me he convertido en un símbolo. Ya no es una cuestión italiana exclusivamente. En México me advertían que yo allí también podría ser un objetivo de los cárteles. Sus miembros saben que, si me matan, se ganarán todas las portadas de los periódicos de todo el mundo por unos días. Matarme a mí sería un muestra de poder. La única forma de recuperar mi libertad es desaparecer, perderme (no en Calabria o Sicilia, claro) y dejar de escribir artículos y libros.


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